Un jeu d’acteur à couper le souffle ancre une brillante première mondiale de José Rivera Votre nom signifie rêve au Festival de théâtre américain contemporain à Shepherdstown, Virginie-Occidentale. La pièce plonge dans la promesse et les préoccupations contemporaines de l’IA, mais c’est au fond l’histoire d’une relation entre la vieille Aislin (Anne O’Sullivan) et Stacy (Sara Koviak), sa soignante robot IA humaine.
Explorer le potentiel « d’humanité » – dans son bon et mauvais sens – des robots a longtemps été un thème dans les histoires et les films remontant au moins à 1928 de Karl Čapek RUR Des exemples familiers incluent les histoires de robots d’Isaac Asimov, les réplicants dans Blade Runner, Star Trek’s Mr. Data, et, parallèlement à la pièce de Rivera, le film de 2012 Robot & Franck, à propos d’un homme glissant dans la démence qui est pris en charge par un robot apparenté (sinon physiquement humanoïde). Dans ce genre, les questions clés sont de savoir si les machines peuvent devenir des êtres humains, pensants et ressentants, et dans la mesure où elles le peuvent, quelles sont les implications pour les robots et les humains qui interagissent avec eux ? Compte tenu des progrès rapides actuels de l’IA, ces questions deviennent plus qu’hypothétiques.
Prenez Stacy, qu’Aislin décrit comme à la fois « belle et effrayante ». Koviak, avec sa solide expérience en danse, emmène son personnage dans un merveilleux voyage d’acteur physique, son mouvement commençant par un robot raide et devenant progressivement plus libre et plus humainement « naturel », apprenant finalement à Aislin à danser.
Rivera, qui a également dirigé la production, donne à Stacy des moments individuels saisissants. Par deux fois, elle incarne le personnage de Roberto, le fils complètement désagréable d’Aislin, à qui Koviak prête le physique et la voix d’un New-Yorkais à la fois odieux et blessé. Dans le deuxième acte, Stacy est piratée et Koviak offre un sens maniaque, déconnecté et rapide de ce à quoi la dépression nerveuse d’une entité IA pourrait ressembler, ressembler et se sentir.
Mais Stacy est-elle plus qu’un « grille-pain » sophistiqué, comme Aislin l’appelle initialement ? Peut-elle comprendre la beauté et sa fugacité ? Peut-elle ressentir de l’empathie et agir en conséquence ? Peut-elle comprendre son passé et envisager un avenir ? L’évolution de Stacy en tant qu’être conduit à des réponses positives aux deux premières questions. La réponse à la troisième est ambiguë. Son cerveau IA est spécialisé uniquement pour son travail avec Aislin. Après la mort d’Aislin, le cerveau de Stacy sera effacé par la société de technologie (« Singularity ») qui l’a créée, et elle n’aura aucun souvenir d’Aislin ou de qui elle était avec Aislin. Pourtant, elle conserve des souvenirs corporels, qu’elle raconte dans un monologue vivant sur un concert passé en tant que travailleuse du sexe.
La pièce parle du prochain développement de la technologie de l’IA pour des êtres comme Stacy, une application « d’approximation de l’âme » (AOS). Dans son interview en ligne pour CATF, Rivera dit que « le truc dans la pièce est que Stacy a peut-être déjà ça, mais elle ne le sait pas ». Que Stacy ait ou non l’application, elle en vient à se rapporter à Aislin d’une manière magnifiquement humaine, dans des regards et des tons de voix et d’actions que Koviak transmet magnifiquement. « Nous apprenons à être humains » est un lieu commun en sociologie : Stacy apprend à être humaine à travers sa relation avec Aislin.
Quant à Aislin, son nom en gaélique signifie « rêve ». Pourtant, Aislin n’a pas de rêves. Ses nuits, et une grande partie de ses journées, sont des vides noirs. Elle est constamment, profanement en colère, remplie de culpabilité et de regret. Elle est éloignée de son fils et désespérément seule, redoutant l’idée de mourir seule. O’Sullivan sonde les terreurs du vieillissement non pas avec grâce mais en désordre. Mais c’est son gâchis, et avec sa force vitale considérable, Aislin insiste pour le vivre selon ses conditions. En connaissant Stacy, Aislin récupère l’espoir et les pensées d’un avenir, découvrant la possibilité de quelque chose comme l’amitié avec un autre être. Il n’y a jamais un moment où la représentation d’Aislin par O’Sullivan n’est pas entièrement réelle et humaine. Elle et Koviak donnent une classe de maître sur ce qu’une relation scène-partenaire dynamique et émotionnellement intime signifie pour le succès d’une pièce.
La conception scénique réaliste de David M. Barber est centrée sur l’appartement encombré d’Aislin, que Stacy, dès sa première entrée, commence à redresser. Mais il y a un autre élément — une fenêtre que Stacy doit ouvrir, car elle a besoin de lumière pour fonctionner : ses yeux sont ses panneaux solaires. Au-dessus se trouve une constellation de carrés, représentant le lien de Stacy avec ses racines technologiques. Dans la conception d’éclairage de Christina Watanabe, ils s’illuminent de différentes couleurs, adaptées à différentes scènes, rougeoyant, par exemple, lorsque Stacy est piratée.
La conception sonore, par David Remedios, commence par une combinaison d’airs d’instruments pincés superposés aux bruits de la rue de New York. Les sons instrumentaux reviennent à certains moments, et les sons électroniques, parfois inquiétants, soulignent d’autres scènes. C’est efficace sans devenir envahissant. Lors des changements de scène, il y a des extraits de reportages sur les troubles sociaux réagissant à l’importance croissante des êtres de l’IA : manifestations, violence, voire une condamnation de l’AOS par le pape, ajoutant à la prise en compte par la pièce des problèmes publics de l’IA au-delà de la relation des deux. personnages.
Dans la conception des costumes d’Ashley Soliman, les vêtements évoluent avec les changements des personnages. La tenue courte, serrée et sexy initiale de Stacy – Singularity l’a-t-elle peut-être recyclée de ses jours de travailleuse du sexe? — fait place, au deuxième acte, à une combinaison en jean plus confortable. Aislin apparaît pour la première fois dans une chemise et un short fatigués, peu importe à quoi je ressemble, mais à la fin, anticipant un rendez-vous possible, elle porte une jolie robe blanche.
Il y a beaucoup d’humour dans la pièce, en particulier dans le premier acte. Mais ce qui importe le plus, c’est la croissance conjointe des deux personnages, culminant dans un moment touchant de Pietà à la fin de la pièce.
Le CATF monte régulièrement des productions professionnelles de haut niveau de nouvelles pièces. Votre nom signifie rêve est un excellent exemple de la raison pour laquelle une escapade à Shepherdstown – pas si loin de la région de DC – en vaut la peine pour quiconque s’intéresse au beau théâtre qu’il n’a jamais eu l’occasion de voir auparavant.
Durée : Deux heures, dont un entracte.
Votre nom signifie rêve joue jusqu’au 29 juillet 2023, présenté par le Festival de théâtre américain contemporain se produisant au Marinoff Theatre, 62 West Campus Drive, Shepherdstown, WV, en répertoire avec quatre autres pièces du CATF. Consultez le site Web du CATF (catf.org/2023-schedule) pour connaître les dates et heures des représentations. Achetez des billets (70 $ régulier, 60 $ senior) sur catf.org/buy-tickets ou via la billetterie, boxoffice@catf.org ou 681-240-2283.
Sécurité COVID : Il y a deux représentations avec masque obligatoire (le 16 juillet à 19h et le 26 juillet à 19h) ; sinon, les masques sont facultatifs.
VOIR AUSSI : Les grands thèmes sont le domaine propre du théâtre : un entretien avec José Rivera (entretien avec Deryl Davis, 20 juin 2023)