Avec ses dialogues conversationnels intelligents, ses personnages multidimensionnels et ses objectifs relationnels absolus, Emma est de loin mon roman préféré de Jane Austen. Emma a fusionné la comédie et la romance d’une manière qui n’avait jamais été faite auparavant, contribuant ainsi à créer un nouveau genre qui est désormais le format de base des comédies romantiques que nous connaissons aujourd’hui. L’histoire a peut-être plus de 200 ans, mais ses thèmes de l’autonomisation des femmes par l’amour, le courage et la croissance personnelle sont éternels et tout aussi essentiels pour les générations futures. La production d’Emma par St. Mark’s Players, réalisée par la réalisatrice Heather Cipu, les coproductrices Margaret Chapman et Courney Elkins et l’écrivaine Kate Hamill, fait ressortir la voix contemporaine soulignée du roman féministe emblématique.
Emma Woodhouse (Ashley Holmes) est une fille privilégiée, précoce et jolie, dotée d’un esprit vif et d’une langue plus acérée, qui a un penchant pour la connaissance et une propension au jumelage. Elle vit avec son père, veuf, dans un grand manoir de la ville fictive de Highbury. Emma prend sur elle d’organiser un mariage d’amour avec sa nouvelle amie (moins privilégiée) Harriet Smith (Sophie Page). Ses tentatives infructueuses pour organiser une situation réussie entraînent de multiples malentendus, mésaventures et autres conséquences comiques. Pendant ce temps, des tensions amoureuses montent entre Emma et son ami d’enfance, M. George Knightly (Chris D’Angelo).
Le visage spécifique de Holmes, associé à un timing comique louable, présentait parfaitement le côté spirituel, léger, charmant et pourtant égocentrique d’Emma. Cependant, je sentais qu’il me manquait davantage de l’élégance et de la confiance également associées au personnage. La chimie de Holmes avec D’Angelo dans le rôle de M. Knightly a cependant constitué le point culminant absolu de la série. La tension romantique et les dénigrements ludiques en guise de plaisanteries étaient une véritable magie romantique. D’Angelo a renforcé ce trope attachant et cette tension savoureuse même lorsqu’il se produisait en arrière-plan des scènes à travers ses regards subtils mais palpables de jalousie et de désir envers Emma.
L’ensemble du casting a donné une performance amusante, s’appuyant fortement sur le côté comique de l’histoire, incorporant même quelques nouveaux éléments (qui n’ont pas tous atterri, mais qui étaient néanmoins tous divertissants.) Il y a eu quelques cas, cependant, où plusieurs acteurs ont trébuché sur les lignes, ce qui, étant donné la soirée d’ouverture et compte tenu de la nature complexe du dialogue géorgien du début du XIXe siècle, est tout à fait compréhensible. Cependant, j’aurais aimé qu’ils incorporent ces petits lapsus dans les lignes de manière conversationnelle pour nous garder ancrés dans l’histoire plutôt que de réciter rapidement la ligne correcte après le moindre faux pas, ce qui ne fait que nous éloigner davantage en nous rappelant que les mots sont simplement mémorisés.
Cette occasion manquée semblait particulièrement contre-intuitive par rapport au ton de la pièce, car ils incorporaient en fait un dispositif narratif qui fusionnait la réalité de l’histoire avec celle du public. Tout au long du spectacle, Holmes dans le rôle d’Emma interviendrait dans des scènes en s’adressant directement au public comme une sorte de narrateur, partageant son dialogue interne. De temps en temps, D’Angelo, en tant que M. Knightly, commentait ses commentaires ou même se joignait à son discours – une charmante métaphore des sentiments d’Emma pour M. Knightly. Il est la seule personne en qui elle a suffisamment confiance pour lui permettre de partager ses pensées et ses sentiments privés.
Cette tournure amusante consistant à briser le quatrième mur n’était qu’une des façons dont la production jouait en incorporant des modes et des éléments modernes pour souligner la cohérence de la pertinence de l’histoire pour la génération d’aujourd’hui. Le style consistant à mélanger des pièces d’époque avec des éléments modernes tels que la musique et le jargon a vraiment donné naissance à un nouveau type de genre culturel de base avec la montée rapide en popularité d’émissions telles que Bridgerton de Netflix, Buccaneers et Dickenson d’AppleTV et The Great de Hulu.
Dans la veine de ces spectacles, cette production utilisait de la musique moderne telle que des chansons romantiques et soft pop, qui jouaient à chaque transition de scène. Nous avons également eu un avant-goût lors d’une scène où Jane Fairfax (Camryn Powers) a joué une version instrumentale pour piano du tube risqué de Pink de 2006, « U + Ur Hand ». Ce choix a servi de clin d’œil amusant à l’état émotionnel des personnages, Jane étant en colère et au cœur brisé face au comportement de féminisation de Frank Churchill (James Stillwell). Powers, dans le rôle de Jane, a donné une performance amusante dans cette scène, tirant des poignards d’amant méprisé en direction de Churchill.
En plus de la musique, les costumes de Rosemary Lane, aidés par Ceci Albert et Abigail Soulen, incorporaient également plusieurs pièces modernes et amusantes, dont beaucoup semblaient indicatives du film culte classique de 1995 basé sur l’histoire d’Emma, Clueless. Dans la scène d’ouverture de la pièce, Harriet (Page) est le seul personnage à arborer des objets contemporains. Comme tout le monde, elle portait une robe traditionnelle, mais elle était accessoirisée de baskets roses et d’une coiffure moderne (de la créatrice de coiffure et maquillage Betsy Scarisbrick). Dans la scène suivante, elle a ajouté un mini-sac à dos en plastique transparent avec une bordure rose vif et un porte-clés en peluche.
Au fur et à mesure que la pièce progressait, de plus en plus de personnages ont commencé à ajouter des pièces contemporaines telles que des vestes en jean monogrammées, des pulls de style country-club, des aviateurs et autres lunettes de soleil, un chapeau de porc, un sac à main Louis Vuitton, une bouteille d’eau durable, etc. La lente augmentation des vêtements modernes tout au long du spectacle a reflété l’augmentation narrative du développement du personnage, attirant ainsi l’attention sur les idées émotionnelles d’Emma aussi pertinentes et importantes pour la croissance humaine aujourd’hui qu’elles l’étaient il y a 200 ans. L’impact qu’il a eu sur l’autonomisation des femmes à travers les générations a été monumental et continuera de l’être à mesure qu’il sera réutilisé pour un public contemporain.
Jane Austen, Gertrude Stein, Josephine Baker et Frida Kahlo n’étaient que quelques-uns des visages féministes emblématiques accrochés au mur parmi un ensemble de 30 peintures couvrant plusieurs générations de femmes, disposées dans le style d’un salon du XIXe siècle comme toile de fond pour cette production d’Emma. En 1815, lorsque Jane Austen publia Emma, les femmes n’avaient pas accès aux mêmes moyens que les hommes et se tournèrent donc vers des lieux communautaires comme les salons pour amplifier leurs connaissances, nourrir leur ambition et s’exprimer. C’est grâce à ces discussions et à ces valeurs enracinées que chaque génération peut inspirer et responsabiliser la suivante. La production d’Emma des St. Mark’s Players s’est jointe avec confiance et créativité à la conversation pour poursuivre le travail, afin de « créer plus d’Emma ».
Durée : Environ deux heures et 15 minutes, incluant un entracte de 15 minutes.
Emma joue jusqu’au 14 mars 2026, présenté par St. Mark’s Players, à l’église St. Mark’s, 301 A Street SE, Washington, DC. Les billets (à partir de 22 $) sont disponibles en ligne. Les places sont attribuées par premier arrivé, premier servi et les acteurs ne sont pas au micro, il est donc recommandé d’arriver tôt.
