Il y a un moment de retard dans Argonautika de la City of Fairfax Theatre Company où Athéna arrête la pièce et nous dit de lever les yeux. Derrière elle, les acteurs brandissent leurs lampes de poche personnelles et la boîte noire du théâtre devient un ciel. C’est un petit effet – des lampes de poche, l’obscurité, quelques corps – et c’est l’une des choses les plus émouvantes que j’ai vues sur une scène locale cette année. Le récit de Mary Zimmerman sur Jason et les Argonautes est conçu exactement pour ce genre d’invention, et le réalisateur Joshua McCreary et son équipe l’ont rencontré avec une production qui maximise le minimalisme en quelque chose de proche de la crainte.
Argonautika de Mary Zimmerman commence comme une aventure classique guidée par Dieu, suivant Jason et son équipage alors qu’ils évitent les monstres pour voler la Toison d’Or et récupérer un trône. Mais le véritable cœur de la pièce est le deuxième acte, qui se déplace vers la tragique sorcière Médée, dont l’amour forcé pour Jason la pousse à trahir sa famille et à utiliser la magie noire pour assurer sa victoire. Tout cela se termine par une finale obsédante qui rappelle au public à quel point cette histoire d’amour va s’écraser et brûler.
C’est du théâtre fait par nécessité, et la nécessité invente jusqu’au bout. L’espace peut accueillir environ 30 personnes. Il n’y a nulle part où se cacher, aucune aile dans laquelle disparaître, aucune distance pour adoucir quoi que ce soit. C’est comme si un double défi de chien était sur scène. Ce que la compagnie fait avec cette contrainte fait le grand plaisir du spectacle. L’ensemble d’Olivia Hinebaugh est parfaitement dimensionné et flexible à l’infini : les bancs à eux seuls subissent tellement de transformations que j’ai arrêté de les compter. Le sol du ciel, peint par Katie Brunberg et Kaya Thomas, réussit le tour rare d’être à la fois invisible et magnétique, se retirant à l’arrière-plan lorsque l’histoire en a besoin et attirant l’attention quand ce n’est pas le cas. Le fond de corde est utilisé intelligemment partout, et le choix de laisser le ciel nocturne servir d’eau du voyage est inspiré : le ciel et la mer comme une même surface incertaine, ce qui est plus ou moins toute la thèse du mythe.
Les costumes de Misha McVay et les accessoires d’Alexa Yarboro Pettengill sont un formidable clin d’œil au passé théâtral de l’humanité. Ensemble, ils évoquent quelque chose comme une ancienne troupe de théâtre de rue dans le meilleur sens du terme : des artistes avec une malle de tissus et d’objets, faisant des dieux à partir de rien. Les effets sonores faits à la main sont l’arme secrète de la production : une bouteille d’eau qui fait craquer le dos de Pélias, une machine à vent qui grince, des effets rendus par des mains humaines bien en vue. Ce sont des choix puissants, exécutés avec une réelle précision, et ils m’ont laissé le sentiment d’être connecté à un métier très ancien.
Le travail de mouvement de Jessie Tourtellotte est extrêmement créatif et tout simplement amusant à regarder, donnant à l’ensemble un vocabulaire physique commun qui transporte l’histoire entre les lieux et les siècles. Les marionnettes – bateaux, paniers, masques et un monstre marin merveilleusement intelligent – font un travail énorme en encourageant le public à suspendre son incrédulité, et nous le faisons avec plaisir. La séquence dans laquelle le bateau passe sous l’eau, avec l’éclairage de Patricia Talmadge et la conception sonore de McCreary travaillant en tandem, est particulièrement cool. Il en va de même pour la transformation de l’ensemble unique en deux espaces distincts pour la rencontre avec les femmes de Lemnos, où les foulards et le mouvement font ce qu’un ensemble tournant ferait ailleurs.
Valérie Pesot est un caméléon tout au long de la première mi-temps, se glissant entre les rôles d’ensemble avec une totale aisance, puis frappe comme une tonne de briques lorsqu’elle se déchaîne dans le rôle de Médée après l’entracte. Ne la manquez pas ; la performance est nuancée, enroulée et véritablement troublante. Molly Hanrahan est la MVP de l’ensemble, passant d’Andromède à Eros en passant par les morts-vivants et un bébé marionnette humain sans jamais sembler reprendre son souffle, même si j’ai parfois souhaité un peu plus de clarté vocale. Justin Belan porte un excellent investissement et un excellent poids, et en tant qu’Idmon, sa douleur après la prémonition guidée par Dieu qui ouvre le jeu a un coût réel – vous pouvez le sentir savoir. Katie Brunberg est une joie dans le rôle de Pélias, pleinement engagée dans un timing comique parfaitement adapté. Hercules de Kai Yoffee décrit la comédie d’un héros imparfait et obsédé par lui-même qui reste d’une manière ou d’une autre aimable, ce qui est beaucoup plus difficile qu’il ne le laisse paraître ; son match de rancune du chat et de la souris avec Hera est un plaisir de courir, et le fait qu’elle ait cassé sa rame en deux a provoqué l’un des plus grands rires de la nuit.
Liz Owerbach dans le rôle d’Hera et Mikaela Fenn dans le rôle d’Athena sont les points d’ancrage de la production – véridiques, investis et se mêlant d’un objectif, chacun gardant l’histoire orientée vers sa propre volonté. Le monologue de clôture de Fenn, sa passion enfin libérée, est un moment fort de la soirée et un rappel de notre petite taille face à l’histoire. Ennis Shahab est un autre ensemble fort présent à travers de nombreuses époques et histoires ; son esprit fantomatique sous un voile noir est une image frappante. John L. Geddie apporte un sérieux habile à ses personnages. Jason d’Aiden Abraham est cohérent et stable, même si je me suis retrouvé à vouloir des choix plus audacieux au centre de l’histoire. Et Rhodri Mendenhall-Cordaro, tous âgés de neuf ans, joue son rôle avec une conviction honnête et sans prétention – des talents d’acteur impressionnants, même si sa concentration sur l’action sur scène s’égare de temps en temps.
L’appel des Argonauts, livré comme un rap, est un moment fort, et le spectacle dans son ensemble capture l’esprit de poursuite et d’aventure qui rend le mythe durable.
Une production ainsi exposée n’a nulle part où mettre ses aspérités. La chorégraphie de combat de Hinebaugh est solide dans son concept, mais les combats rapprochés rendent les tours de passe-passe difficiles et certains échanges semblent maladroits. Plus visible encore, une incohérence dans le style de jeu : une poignée de membres de l’ensemble, en particulier parmi les Argonautes, se sont lancés dans une présentation que l’espace ne pouvait tout simplement pas absorber. C’est peut-être un choix délibéré du réalisateur et de l’acteur, mais je ne l’ai pas lu de la part du groupe dans son ensemble, et les inégalités ont été constatées. Dans un spectacle multi-rôles, un contraste saisissant entre les personnages est essentiel, et plusieurs transformations ressemblent à une pointe des pieds plutôt qu’à une plongée tête première. Quelques transitions ont perdu leur caractère sacré à cause d’une sortie tardive ou d’un signal lumineux précoce. Ce sont des notes réparables sur une entreprise travaillant autrement à un niveau élevé.
Le mérite est dû : un téléphone a sonné bruyamment pendant la première mi-temps, dans une pièce où cela aurait dû être un tueur d’élan, et aucun acteur n’a bronché. Des éloges également aux régisseurs Kaya Thomas et Terra Faye pour les transitions qui se sont généralement déroulées sans heurts.
« Ne soyez pas si littéral. Vous manquez beaucoup de choses », dit quelqu’un. Cette production suit ses propres conseils, et c’est tant mieux pour elle.
Durée : Deux heures et 30 minutes avec un entracte de 15 minutes.
Argonautika joue jusqu’au 27 septembre 2026 à la City of Fairfax Theatre Company, 11216 Waples Mill Rd Suite 103, Fairfax, VA. Les billets (à partir de 16,81 $) étaient disponibles en ligne. Le reste de la série est épuisé.
