Interview de Michelle Hessel et Lauren Pacuit
Alors que les British Players se consacrent à fournir un théâtre britannique de haute qualité à la région de DC depuis 1964, ce n’est que la troisième fois que la compagnie s’attaque à Shakespeare lui-même. La production des joueurs britanniques de Comme vous l’aimez ouvre le 17 mars et se termine le 1er avril. La société se sent chanceuse d’avoir pu attraper Fred Zirm, un réalisateur shakespearien expérimenté, pour diriger la production, et après de multiples retards liés au COVID (la production originale était prévue pour le printemps 2021 !), l’équipe est ravie de voir enfin cette comédie romantique prendre vie sur la scène de l’hôtel de ville de Kensington.
Les productrices Michelle Hessel et Lauren Pacuit ont interviewé Fred Zirm à propos de sa carrière au théâtre et de la production à venir.
Racontez-nous vos débuts dans le théâtre et la mise en scène.
Pendant que je travaillais sur ma maîtrise en anglais, j’avais un professeur qui exigeait que nous montions des scènes des pièces que nous étudiions, à la fois contemporaines et shakespeariennes. J’ai découvert que j’aimais jouer et, plus encore, j’aimais réfléchir à la façon de mettre en scène des scènes. Grâce aux cours de théâtre que j’ai dû suivre lorsque j’ai obtenu ma maîtrise en écriture dramatique, j’ai appris que j’aimais la mise en scène. Quand j’ai obtenu mon diplôme, les emplois universitaires étaient rares, alors j’ai regardé le marché des écoles indépendantes. C’est comme ça que j’ai atterri à Landon à Bethesda. Au début, j’y voyais un tremplin vers l’enseignement collégial, mais j’ai fini par aimer enseigner et diriger des collégiens et lycéens et y suis resté 39 ans. Il s’agit de ma douzième production de Shakespeare, y compris des versions en un acte avec le collège Landon, et ma quatrième réalisation Comme vous l’aimez. (Si vous comptez, j’ai dirigé Douzième nuit deux fois, Songe d’une nuit d’été deux fois, et une fois chacun pour Love’s Labour’s Lost, Jules César, beaucoup de bruit, et Macbeth.)
Quatrième réalisation Comme vous l’aimez! Qu’y a-t-il dans cette pièce pour laquelle vous y revenez sans cesse ?
Quand j’étais en première année au lycée, c’était la première pièce de Shakespeare que j’aie jamais lue. (J’ai toujours mon édition Folger à 45 cents de l’époque.) D’après les notes que j’ai prises, Mme Fletcher a fait du bon travail en l’enseignant. Je ne peux pas prétendre avoir tout compris, mais j’étais accro. Depuis lors, j’en ai vu quelque 16 productions, réalisées de toutes sortes de manières dans toutes sortes de salles : une production entièrement masculine du National Theatre britannique, des productions plus conventionnelles aux Sidwell Friends et à l’American Shakespeare Center, une dans le 1940 à la compagnie Chautauqua Theatre, et, oui, même un couple avec une ambiance hippie générale mais aucun des détails de cette production.
A Landon, j’ai dirigé Comme vous l’aimez trois fois : une version complète avec le lycée et deux versions plus courtes avec le collège. Ces derniers ont été encore plus condensés et emmenés au Folger Secondary School Shakespeare Festival.
Vous avez situé cette production à la fin des années 1960/début des années 1970. Pourquoi avez-vous connecté le matériel à cette époque?
Une partie de cela est la nostalgie personnelle. C’est une époque que j’associe à ma jeunesse puisque j’allais à l’université à l’époque. Et c’est une pièce qui se concentre, dans une large mesure, sur le jeune amour. Outre les associations personnelles, j’ai également le sentiment que la fin des années 60/début des années 70, et en particulier l’époque de Woodstock, a été la dernière fois que la paix, l’amour et l’harmonie semblaient possibles à de grands groupes de personnes malgré tous les conflits au Vietnam, civils droits, etc. C’est une vision dont nous avons grandement besoin aujourd’hui en cette période de polarisation intense. Les personnages apprennent à apprécier les différences et acceptent d’être en désaccord plutôt que de devenir des ennemis jurés.
Vous avez casté cette production avec une petite distribution et les acteurs jouent plusieurs rôles. Parlez-nous de l’importance de la taille du casting en ce qui concerne l’époque shakespearienne, ainsi que des défis et des récompenses liés à l’utilisation d’un casting plus petit.
Tout d’abord, notre taille de casting de 15 correspond à peu près à la taille de la compagnie de Shakespeare. Ainsi, bien que nous placions la pièce au XXe siècle, la taille de la distribution et le décor minimaliste reflètent tous deux les pratiques originales de l’Angleterre élisabéthaine. Avec cette pièce, en particulier, la petite distribution avec de nombreux acteurs assumant plus d’un rôle reflète l’idée centrale que « le monde entier est une scène… et un homme en son temps joue plusieurs rôles ». Le fait que certains rôles masculins soient également joués par des acteurs qui ne s’identifient pas comme des hommes souligne également la question du genre qui se pose même dans une production de distribution conventionnelle alors que Rosalind se déguise en Ganymède, un garçon. Ce sont quelques-unes des récompenses de l’utilisation d’un petit casting, ainsi que le plaisir que le public peut ressentir en voyant une personne agir si différemment. Les défis sont principalement techniques et centrés sur deux choses : faire des changements de costume incroyablement rapides pour les acteurs jouant différents rôles dans des scènes consécutives et s’assurer qu’une des parties de l’acteur ne s’infiltre pas dans une autre. (Nous nous amusons un peu avec cette idée alors que Ganymède redevient Rosalinde pour le mariage.)
Vous avez embauché un coordinateur de l’intimité pour cette production. Il s’agit d’un rôle nouveau mais important pour les productions théâtrales. Pouvez-vous nous dire pourquoi vous avez choisi d’en avoir un et ce qu’il apporte à la production ?
Je n’ai pas eu recours à un chorégraphe d’intimité jusqu’à l’année dernière avec Une histoire de Noël (pas exactement un spectacle classé X) à Silver Spring Stage, où ils en ont besoin. Pour être honnête, j’étais un peu sceptique quant à la nécessité d’avoir un chorégraphe d’intimité puisque j’avais fonctionné sans lui pendant quelque 46 ans de mise en scène. Mais j’ai trouvé que les protocoles et le processus établis par Helen Aberger aidaient les acteurs à se sentir à l’aise pour fixer des limites, parler pour eux-mêmes et séparer leur rôle d’eux-mêmes en tant que personne. C’est pourquoi je voulais qu’Helen participe à cette production, surtout à l’époque de COVID. De plus, elle est également une metteure en scène expérimentée et m’a fourni de précieux commentaires sur le spectacle en général.
Qu’est-ce qu’un public peut attendre de cette production ? Quelles sont les choses qui vous ont surpris ?
Le public peut s’attendre à une production énergique qui évite les stéréotypes qu’il pourrait avoir sur les acteurs shakespeariens étouffants. Au lieu de cela, nous avons essayé de trouver des analogues pour l’intention originale de Shakespeare dans la culture de l’ère de Woodstock et d’aujourd’hui. Vous entendrez des hippies, des gangsters, des country folk et une Valley Girl, entre autres, sur notre scène. J’ai été surpris de voir autant de jeunes acteurs talentueux venir pour la pièce, ainsi que des vétérans plus âgés. (Les auditions de théâtre communautaire sont souvent plus anciennes.) Les deux générations du scénario sont également véritablement représentées sur scène. Cela a également été une agréable surprise de constater que la musique que nous avons dû utiliser à la place de mes choix originaux fonctionne encore mieux que les chansons que je voulais en premier. [Producer note: musical changes had to be made based on available performance rights.]
Que diriez-vous à quelqu’un de venir voir le spectacle qui pourrait penser que Shakespeare n’est pas pour lui ?
Essayez de laisser tomber vos préjugés et soyez ouvert à ce que propose cette production. Oui, une partie du langage peut être difficile à suivre mot par mot, mais je pense que la dérive générale des discours et la forme de l’histoire globale seront claires. Je soupçonne également que vous serez surpris de voir à quel point les comédies de Shakespeare sont comiques et même idiotes tout en conservant une résonance plus profonde.
Qu’est-ce que vous avez préféré dans cette production jusqu’à présent ?
Comment les comédiens continuent de faire de nouvelles découvertes qui me sont fraîches aussi, même si j’aime cette pièce depuis longtemps, témoignage à la fois de leur talent et de la richesse de Shakespeare. J’adore cette pièce parce qu’elle parvient à rester dans la lumière tout en reconnaissant l’obscurité (« simple oubli ») et présente un personnage principal dans Rosalind qui est triste et idiot, paniqué et sûr de lui, égoïste et désintéressé, lent à comprendre et vif d’esprit… en d’autres termes, pleinement humain.
Comme vous l’aimez de William Shakespeare joue du vendredi au dimanche du 17 mars au 1er avril 2023, présenté par les joueurs britanniques se produisant à l’hôtel de ville de Kensington, 3710 Mitchell Street, Kensington, MD. Pour les billets (15 $ – 28 $), rendez-vous en ligne.
Sécurité COVID : Les masques sont encouragés mais pas obligatoires.
