Octet, la comédie musicale a cappella de Dave Malloy qui bénéficie actuellement d’une première régionale au Studio Theatre, ne ressemble à rien d’autre sur les scènes locales en ce moment. Situé dans le sous-sol d’une église, le film de 100 minutes suit huit membres d’un groupe de soutien aux toxicomanes technologiques qui traitent leurs compulsions en ligne – sociales, émotionnelles, financières, informationnelles et sexuelles – à travers la chanson. Il n’y a ni groupe, ni orchestre, ni accompagnement électronique d’aucune sorte. Les voix sont l’instrument. Sur un plan purement musical, cet exploit à lui seul est étonnant.
Je suis un grand fan du compositeur et parolier Dave Malloy. Son œuvre primée Natasha, Pierre et la grande comète de 1812 a vécu sur ma playlist Spotify pendant des années, et sa réputation comme l’un des compositeurs de théâtre musical les plus aventureux est bien méritée. Cela rend ma réaction à Octet d’autant plus choquante : je l’ai détesté avec une telle férocité viscérale que j’ai passé une grande partie du spectacle à me demander si je pouvais sauter par-dessus les gens assis devant moi pour le sortir du théâtre.
Et pourtant, lorsque les lumières se sont allumées, mon partenaire s’est tourné vers moi et m’a dit, sans hésitation : « C’était incroyable. »
Comment une œuvre d’art peut-elle atterrir si différemment – si violemment différemment – avec deux personnes qui sont généralement d’accord sur les choses ?
Il est facile de voir ce qui fonctionne dans la série. La partition d’Octuor est dense, intellectuellement ambitieuse et remarquablement éclectique. Malloy s’inspire de la musique de chambre, du gospel, du punk, des textures électroniques, des hymnes sacrés et même du chant de gorge mongol, les intégrant dans une tapisserie a cappella étroitement structurée. Sous la direction attentive du réalisateur David Muse, les huit interprètes, tous chanteurs exceptionnels, exécutent ces harmonies complexes avec une facilité trompeuse. Leurs voix fonctionnent simultanément comme mélodie, rythme, percussions et atmosphère, créant un paysage sonore riche, superposé et surprenant.
En tant qu’expérience musicale, Octet est indéniablement impressionnant. Cependant, en tant que récit, cela m’a laissé froid.
Malloy a écrit la musique, les paroles et le livre, et le spectacle donne l’impression d’avoir été créé par un artiste débordant d’idées et ne voulant pas en laisser aucune dans la salle de montage. Malheureusement, cet excès de matériel source empêche la série de se fondre dans un arc narratif satisfaisant. Les paroles proviennent d’un éventail vertigineux de sources : imagerie pastorale, discours scientifique, fils de commentaires sur Internet, programmes en douze étapes et poésie soufie. Les chansons, sans aucune raison que je puisse discerner, sont chacune sous-titrées d’après des cartes de tarot individuelles. L’objectif semble être de créer un collage intellectuel, mais le résultat semble encombré et d’une didactique décevante. Des paroles comme « la dépendance, l’obsession, l’insomnie, la dépression et la peur de me perdre trop en clics rapides et insipides » ressemblent moins à de la poésie qu’à une étude scientifique mise en musique.
Structurellement, Octet ressemble à A Chorus Line, chaque membre de la distribution étant sous les projecteurs pour raconter son histoire. Mais là où A Chorus Line se dirige vers un point culminant émotionnellement cumulatif, Octet reste obstinément statique. Après le troisième ou quatrième numéro solo, je me suis retrouvé à compter combien de confessions restaient et à me demander quel nouveau terrain le spectacle pourrait éventuellement explorer. Musicalement, les chansons varient énormément dans leur style ; dramatiquement, ils se confondent. La série nous frappe à la tête avec l’idée que la technologie est nocive, mais ne va jamais au-delà d’une liste de griefs. J’ai continué à attendre que les personnages grandissent, que le récit se fonde en une résolution, mais cela n’a jamais été le cas.
Le numéro d’ouverture, « Hymn : The Forest », illustre ce problème. Cela commence de manière abstraite, avant que nous sachions qui sont ces personnes ou pourquoi nous devrions nous soucier d’eux, et prend son temps pour se tourner vers la technologie. Sans fondement narratif, la beauté de la chanson semble détachée.
La production du Studio Theatre est raffinée et conçue avec soin. Le décor de Debra Booth – un parquet crasseux, des chaises en plastique empilables en cercle, un percolateur de café à la disposition des acteurs et du public – semble étrangement réel, évoquant à la fois les sous-sols des églises et le désespoir silencieux des groupes de soutien. La mise en scène est forcément sobre ; parce que la partition exige un contact visuel quasi constant entre les acteurs pour maintenir leur précision extrême, les interprètes restent pour la plupart face à face. Des réarrangements occasionnels de chaises et des rotations de scène ajoutent de la variété visuelle mais approfondissent rarement la narration. La conception d’éclairage de Mary Louise Geiger ajoute habilement de l’émotion aux scènes, tandis que la conception sonore de Nick Courtides a réussi grâce à des choix réfléchis, presque transparents.
L’octuor est véritablement une pièce d’ensemble dans laquelle chaque interprète fonctionne comme un instrument vocal distinct, tantôt dirigeant, tantôt soutenant, tantôt fournissant une texture rythmique à partir de laquelle d’autres peuvent se lancer. Chaque acteur tire le meilleur parti de ses numéros en vedette. Le duo d’Ana Marcu et Jimmy Kieffer, « Solo », capture de manière poignante le paradoxe des rencontres en ligne : une connexion infinie engendrant une solitude aiguë. «Actual» d’Aidan Joyce offre un aperçu effrayant de la radicalisation en ligne chez les jeunes hommes, ses paroles étant adaptées de véritables forums Internet – un choix qui confère à la chanson une authenticité austère et troublante.
Pourtant, la somme de ces moments isolés – Chelsea Williams (Jessica), Angelo Harrington II (Henry) et Tracy Lynn Olivera (Paula) brillent chacun dans des chansons mettant en avant la culture de l’annulation, les jeux en ligne et les pièges des téléphones portables dans la chambre – ne parvient pas à s’accumuler dans quelque chose de plus grand. Au lieu de cela, le spectacle devient de plus en plus déconnecté. Le solo de David Toshiro Crane dans le rôle de Marvin, un neurochimiste qui discute sur des forums scientifiques tout en s’occupant d’un nouveau-né, vire en territoire surréaliste avec une longue tangente sur Dieu apparaissant comme une fillette de onze ans vêtue d’un costume de sirène. Peut-être que cela vise à suggérer Internet comme une nouvelle divinité – omniprésente, séduisante, dévorante – mais le scénario arrive si brusquement qu’il semble plus aléatoire que révélateur.
Tout au long, j’ai attendu qu’une sorte d’épiphanie surgisse de tous ces griefs. Nous savons tous que la dépendance au porno est mauvaise, les trolls en ligne sont mauvais, les fausses nouvelles sont mauvaises… mais que devons-nous faire de ces informations ? Octet ne semble pas en savoir plus que moi. Vers la fin, Velma d’Amelia Aguilar, qui visite le groupe pour la première fois, change complètement de cap, chantant sur la recherche d’une connexion apparentée en ligne et rejetant le désespoir du groupe. Son pivot est frappant mais thématiquement boueux. Internet est-il le méchant, le sauveur ou tout simplement tout à la fois ?
Je soupçonne que l’intention de Malloy avec Octet est de refléter Internet lui-même : écrasant, contradictoire, infini. Si tel est le cas, Octet réussit presque trop bien. L’expérience ne m’a laissé ni éclairé ni ému, mais vaguement décontenancé. J’avais l’impression d’avoir passé 100 minutes à faire défiler — à absorber des informations, à réagir intellectuellement, mais sans jamais me sentir changé, inspiré ou diverti. L’émission diagnostique notre dépendance collective à la technologie avec une précision implacable, mais n’offre aucune révélation, aucune transformation, aucune libération émotionnelle – seulement plus de données, plus de bruit, plus de stimulation. En d’autres termes, il reproduit la condition même qu’il prétend interroger.
Et pourtant, je m’en voudrais de rejeter carrément la série. Ce qui manque à Octet en termes de récompense émotionnelle, il le compense en ambition. Il s’agit d’une expérience audacieuse de la part de l’un des compositeurs de théâtre les plus singuliers, et il est utile de voir un artiste pousser la forme à ses limites, même lorsque le résultat n’est pas cohérent. Comprendre pourquoi cette pièce a échoué pour moi a été une sorte de récompense intellectuelle, un rappel de la raison pour laquelle j’aime penser de manière critique au théâtre.
Octet pourrait ne pas plaire aux fans de comédies musicales faciles et narratives. Cela n’a certainement pas fonctionné pour moi. J’ai boudé hors du théâtre avec la pensée traîtresse que mon après-midi aurait pu être mieux consacré à jouer à Candy Crush Saga. Pourtant, si vous êtes attiré par les partitions innovantes, la virtuosité vocale et la prise de risque théâtrale, cette production peut résonner profondément.
Allez le voir et décidez par vous-même.
Durée : 1h40 sans entracte
Octet joue jusqu’au 22 février 2026 au Victor Shargai Theatre du Studio Theatre, 1501 14th Street NW, Washington, DC. Pour les billets (68 $ à 150 $, avec réductions disponibles), allez en ligne, appelez la billetterie au 202-332-3300, envoyez un e-mail à boxoffice@studiotheatre.org ou visitez TodayTix. Studio Theatre offre des réductions aux premiers intervenants, aux militaires, aux étudiants, aux jeunes, aux éducateurs, aux personnes âgées et autres, ainsi que des billets urgents. Pour obtenir des réductions, contactez la billetterie ou visitez ici pour plus d’informations.
Le programme d’Octet est en ligne ici.
Remarque : Octet est une expérience sans téléphone. Les membres du public seront priés de verrouiller leur téléphone dans une pochette pendant toute la durée du spectacle.
