Pour inaugurer sa nouvelle programmation « Unplugged » – un format axé sur la simplicité de conception pour réduire les coûts de production et donner la priorité à la rémunération des acteurs – Playwrights Horizons, déterminé à défendre la voix des écrivains américains, a sélectionné The Dinosaurs de Jacob Perkins (initialement commandé par Clubbed Thumb pendant la pandémie) pour une première mondiale limitée à Off-Broadway dirigée par Les Waters, nominé aux Tony et multiple lauréat d’Obie, dont l’approche est tout à fait minimaliste et centrée sur les performances des acteurs.
Mis en scène dans une salle de réunion austère et simple éclairée par des plafonniers fluorescents (éclairage de Yuki Link), avec une table et des chaises pliantes, une horloge arrêtée sur le mur (un indice visuel de l’incohérence déroutante de la série dans le temps), une porte marquée d’un panneau de sortie et un passage dans une pièce attenante invisible où les fournitures sont stockées (fixées par des points ; accessoires de Matt Carlin), un groupe de six personnes, vêtus de vêtements de tous les jours décontractés adaptés à l’âge de leurs personnages (costumes de Oana Botez), entre un par un à une réunion des « Survivants du samedi » – dans le but de « rester sobre et d’aider d’autres alcooliques à devenir sobres ».
Dans une note de programme, Perkins révèle son impulsion personnelle pour la pièce (l’homophobie ciblée de l’église de sa ville natale dans les Appalaches qui a conduit à sa consommation excessive d’alcool) et son thème (un groupe de soutien du samedi auquel il a ensuite participé dans le sous-sol d’une église de New York et qui a abouti à sa sobriété salvatrice et à un sentiment de communauté). C’est un message important, même si la présentation de ses personnages (dont tous les noms sauf un commencent par la lettre J – comme Jacob – et dont deux s’appellent Joan/Joane) et leur progression chronologique d’avant en arrière (avec des références successives et ininterrompues par la même femme à des durées très différentes pendant lesquelles elle a été sobre), semblent souvent fantaisistes et peu claires, sans aucune transition de scène, changement d’éclairage ou changement de costume. Ici, l’approche minimaliste est intentionnellement déroutante, nous laissant nous demander si le récit présenté est un souvenir de ce qu’était le groupe au fil des années ou une idée imaginée de ce qu’il pourrait être dans l’esprit de Jane, qui est la première à entrer dans la pièce et regarde silencieusement au loin, perdue dans ses pensées pendant une longue période, et entend parfois le son d’un gazouillis (son de Palmer Hefferan), qui, elle le reconnaît, peut être dans sa tête.
Une grande partie de la conversation et de l’action des femmes consiste en des propos ridiculement banals (par exemple, la compréhension soudaine de Jane et Buddy de la signification de « Dunkin Donuts » et du mot composé « cupcake » ; l’octogénaire Jolly se trompe sur les noms des femmes et utilise un langage étonnamment grossier et franc sur le sexe) et exécute leurs « engagements » d’installer la salle, le café et les pâtisseries, et de rechercher une cafetière manquante. Il y a des moments de nervosité (Buddy, souhaitant plus tard être appelé par son prénom Rayna, souffrant d’anxiété et de départ ; l’arrivée tardive de Janet, qui retarde le début de la séance – il y a des règles, un timing et des sujets de partage spécifiques) et des tensions (dans leurs ragots sur un professeur/ami non identifié et un de ses élèves de 17 ans, qui soulèvent des questions de criminalité et d’empathie). Mais au fur et à mesure que la série progresse, ils deviennent de plus en plus liés et reconnaissants l’un envers l’autre, se réunissent dans une communauté et une guérison, reconnaissent que le chemin du rétablissement n’est « pas un voyage en solo » et que « cela prend toujours le temps qu’il faut ».
Un excellent casting – April Matthis dans le rôle de Jane, Keilly McQuail dans le rôle de Buddy/Rayna, Kathleen Chalfant dans le rôle de Jolly et plus tard dans celui de June, Elizabeth Marvel dans le rôle de Joan, Mallory Portnoy dans le rôle de Janet et Maria Elena Ramirez dans le rôle de Joane – embrasse les personnages et livre leurs personnalités, voix et comportements distinctifs et, dans les trois monologues les plus longs de la pièce, Janet partage avec le groupe un rêve énigmatique de lâcher prise, Joane un événement déterminant. avec son fils dont elle ne lui a plus jamais parlé, et l’attitude de ses parents à son égard. Mais le manque général d’informations du scénario sur leurs antécédents et les événements qui ont déclenché leur alcoolisme est un obstacle à notre compréhension d’eux et des autres personnages, qui gagneraient à être davantage étoffés, pour les rendre pleinement tridimensionnels, compréhensibles et accessibles au public.
En fin de compte, il nous reste beaucoup de questions et peu de réponses sur leurs motivations alcooliques et le récit décalé dans le temps (vers la conclusion de la pièce, Rayna chante « Who Knows Where the Time Goes »). Mais ce que nous retirons, ce sont des femmes qui « voulaient juste être vues, entendues et aimées », qui « apprennent à accepter l’amour et la générosité » et qui, comme le dramaturge, ont récolté les fruits de la connexion et du soutien. Et sa biographie de programme indique qu’il a, depuis les ébauches originales et les ateliers de la pièce, vécu une catharsis à travers ses écrits à ce sujet, déménageant à nouveau de New York en Virginie pour devenir conseiller clinique en santé mentale et chercheur, spécialisé dans la toxicomanie et le rétablissement chez les populations queer et trans des Appalaches, où il a grandi.
Durée : Environ 70 minutes, sans entracte.
Les dinosaures seront joués jusqu’au dimanche 1er mars 2026 au Playwrights Horizons, 416 West 42.sd Rue, New York. Pour les billets (au prix de 63,50 à 103,50 $, frais compris), allez en ligne ou trouvez des billets à prix réduit sur TodayTix.
