« Réduction des méfaits ». C’est le but de fumer, selon le personnage principal de The Smoker, une première mondiale de Lisa D’Amour présentée par le Contemporary American Theatre Festival (CATF) à Shepherdstown, en Virginie occidentale. Le tabagisme réduit l’anxiété et crée une base pour des liens sociaux entre les gens qui autrement ne pourraient pas exister.
À l’extérieur d’un immeuble d’appartements de la classe ouvrière à New York, le fumeur (Brad Fleischer) et d’autres résidents se parlent avec désinvolture. The Smoker lui-même est un homme d’une trentaine d’années qui tente de surmonter un mariage brisé, l’insécurité économique et son propre manque de but. Fleischer joue le rôle avec une sorte de désespoir joyeux, espérant que de meilleures choses soient au coin de la rue. En tant qu’homme blanc avec un frère aisé, il dispose d’un filet de sécurité qui manque aux autres personnages. Il devient le point d’ancrage d’une communauté informelle qui se forme autour du rituel consistant à allumer et fumer des cigarettes.
Roberto (Orlando Arriaga), originaire du Mexique, attend avec impatience sa semaine annuelle à Miami. En dehors de ses pauses cigarette devant le bâtiment, il est en déplacement : au travail, à l’église, pour prendre soin de sa famille. Tonya (Danielle Davenport), une poète et gardienne d’animaux afro-américaine, souhaite déménager pour se rapprocher de sa petite amie, qui ouvre un restaurant à Brooklyn. L’autre personnage principal est Kim (Regina Gibson), une chanteuse d’opéra qui a du mal à obtenir des concerts. En plus d’un bon timing comique, Gibson gère avec brio les bribes de musique d’opéra que le rôle appelle.
La dernière actrice, Vivia Font, joue triplement le rôle de Ruthie, une femme sans logement qui demande de l’argent aux autres personnages ; l’ex-épouse du Fumeur, Miranda ; et une femme taciturne promenant un chien. La police définit joliment ces caractères très différents.
Le chien, il faut le noter, est invisible, tout comme la jeune fille du Fumeur, les autres résidents de l’immeuble, un raton laveur et souvent même la fumée des cigarettes des personnages. Dans son interview pour le programme en ligne, D’Amour explique que c’est à la fois pour des raisons pratiques et pour suggérer que les gens ne voient souvent pas les autres parmi eux, en particulier les personnes ou les créatures vulnérables.
D’Amour dit que la pièce est explicitement une critique du capitalisme et de « la façon dont le capitalisme essaie de nous garder séparés et de ne pas embrasser notre humanité et notre tendresse communes ». Elle ajoute :
Nous sommes trop occupés à essayer de gagner de l’argent, ou trop occupés à nous demander si nous avons assez d’argent, ou trop occupés à essayer de suivre plusieurs emplois pour payer l’école privée de nos enfants parce que les écoles publiques ne sont pas assez bonnes, ou trop occupés pour créer notre propre jardin avec lequel nos voisins peuvent nous aider, ou trop occupés pour même avoir le temps d’aller à l’épicerie, alors nous instacart. Le capitalisme a besoin que nous soyons dans ce genre d’état constant de panique, alors nous continuons à acheter des choses.
Conformément à cette intention, D’Amour remplit sa pièce d’un catalogue de difficultés très réelles rencontrées par ceux qui tentent de survivre au capitalisme avancé : petites entreprises en faillite, dettes fiscales qui effacent l’épargne, assurance maladie coûteuse et inadéquate, manque de financement pour les arts, privilèges blancs, sans-abrisme, problèmes de santé mentale, systèmes bureaucratiques qui refusent l’assistance à ceux qui en ont le plus besoin, et la valeur des gens étant déterminée par l’argent qu’ils ont ou qui leur manquent.
Conscient du danger d’être didactique, D’Amour déclare : « Vous essayez de cacher ce dont vous parlez dans quelque chose de très décontracté et, espérons-le, à la fin de la pièce, le public comprendra de quoi nous parlions tout le temps. » En cela, le scénario ne réussit pas totalement. Trop souvent, un personnage semble, d’une manière pas particulièrement bien cachée, fonctionner davantage comme un représentant d’un type particulier de problème que comme une personne pleinement réalisée.
L’écriture de D’Amour pour la pièce s’appuie fortement sur des monologues. Certains d’entre eux sont excellents. La chronique de Kim sur les détails d’une expérience de liaison hypothétique mais bien trop courante avec un homme moins que stellaire est le point culminant comique de la pièce. Tonya livre au groupe un poème remarquable (selon le programme, un écrit par le poète sunnite Patterson de la Nouvelle-Orléans), ainsi qu’un éloge émouvant de l’un des autres personnages. Parfois, cette structure va à l’encontre du ton conversationnel que la pièce cherche à établir.
Ce problème peut être en partie lié à la mise en scène du spectacle. Il est présenté dans l’auditorium principal du Frank Arts Center de l’Université Shepherd, une grande maison dotée d’une large scène. La réalisatrice Shelly Butler souhaite naturellement occuper toute l’étendue de l’aire de jeu, créant souvent des images scéniques symétriques et équilibrées. L’un des effets de ces choix est que les acteurs se tiennent souvent plus éloignés les uns des autres que ce ne serait le cas dans la plupart des conversations informelles. Malgré ce qu’ils disent, ils n’ont parfois pas l’air de converser. Il serait intéressant de voir une production dans un lieu plus intimiste.
La scénographie de Michael Raiford présente des rangées de cadres de fenêtres, chacun avec un climatiseur de fenêtre (dont l’un tombe vers le sol dans un moment d’humour noir), représentant un véritable immeuble d’appartements. Le bâtiment derrière les fenêtres, comme d’autres éléments de la pièce, est invisible, suggérant l’universalité des thèmes de la pièce au-delà de la spécificité de son lieu. La conception sonore de Sinan Refik Zafar fournit le bruit d’un train qui passe occasionnellement, mais autrement, l’arrière-plan est anormalement calme, absent du rugissement ambiant de New York qui est si caractéristique du lieu.
Les costumes (Lex Liang et Sydney Dufka) sont très spécifiques aux personnages : du jaune vif pour Tonya, Kim en bleu, le Smoker dans des tons neutres, Roberto dans des rouges et noirs confortables et ouvriers. Les costumes de Vivia Font sont aussi variés que ses trois personnages. Une bonne chose est que les costumes de Ruthie sont nettement différents lorsqu’elle prend et ne prend pas de médicaments.
Même si leur communauté basée sur la nicotine commence à disparaître, à mesure que les personnages se déplacent vers d’autres choses ou d’autres lieux, les personnages de The Smoker ne perdent pas espoir. Leurs difficultés sont réelles et la pièce n’apporte pas de solutions aux problèmes structurels qui dépassent les efforts individuels. Mais la pièce défend la valeur – voire la nécessité – de la connexion humaine, quelles que soient les circonstances.
Durée : 85 minutes sans entracte.
The Smoker joue jusqu’au 2 août 2026, présenté par le Contemporary American Theatre Festival, au Frank Arts Center sur le campus de Shepherd University, 260 West Campus Drive, Shepherdstown, WV, dans le répertoire de quatre autres pièces. Les billets, au prix de 75 $ (67 $ pour les aînés et 65 $ pour les étudiants), sont disponibles en ligne. Les horaires, les dates et les informations sur la billetterie pour le festival complet peuvent être trouvées sur le site Web de la CATF ou en appelant la billetterie de la CATF au 681-240-2283.
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