Bob Ashby

Claudio Monteverdi a composé son opéra Le retour d'Ulysse, basé sur les dernières parties du livre d'Homère Odyssée, en 1640. L'adaptation de ce matériel par IN Series est suffisamment radicale pour être considérée comme une nouvelle œuvre. Son décor est la guerre du Vietnam aux États-Unis, mêlant la musique de Monteverdi aux chansons populaires et contestataires de l'époque et se concentrant sur le rapatriement parfois difficile des vétérans de ce conflit vers « le monde », comme l'appelaient souvent ceux d'entre nous qui ont servi dans l'armée à cette époque. vers l'Amérique où nous imaginions rentrer chez nous.

En adaptant l'histoire, le directeur artistique de la série IN, Tim Nelson, a coupé certains des personnages de Monteverdi et a construit un livret révisé incorporant des interviews d'anciens combattants du Vietnam de retour et détaillant le traumatisme des anciens combattants de toute guerre – de Troie au Vietnam et jusqu'à nos jours – dans les personnages d'Ulysse (Derek Chester) et d'Iro (Oliver Mercer). Nous voyons d'abord Ulysse échoué sur les rives d'une terre qu'il ne reconnaît pas comme la sienne, le bruit des vagues chevauchant un enregistrement du célèbre témoignage anti-guerre de John Kerry au Congrès de 1971. Il est penché contre un mur, façonné dans la scénographie simple mais étonnante de Lawrence E. Moten III pour représenter le Mémorial du Vietnam.

Plus tard, dans la conception de costumes variés et efficaces de Kathryn Lara Kawecki, ses yeux sont couverts d'une sorte de sweat à capuche kaki, à la fois le déguisant des autres et protégeant ses yeux d'un paysage humain inconnu. Ce n'est que dans la scène finale que tout son visage et sa forme sont visibles et entiers, alors qu'il rentre enfin et pleinement chez lui.

Le premier contact humain majeur d'Ulysse a lieu avec Iro, avec qui sa relation est d'abord celle d'un copain de beuverie, dans un duo joyeux mais sombre au premier acte. La manière dont Nelson traite Iro est l'un des aspects les plus importants de cette adaptation. Dans l'opéra original de Monteverdi, et dans de nombreuses productions depuis, Iro est un personnage dissolu, plutôt falstaffien. Ici, il incarne les effets de traumatismes de combat complexes – colère, violence, automédication, pulsions autodestructrices – ainsi que son dévouement envers ses frères de combat. L'interprétation par Mercer de la chanson du deuxième acte d'Iro est un joyau musical, conduisant au suicide du personnage, qui dans cette version de l'histoire devient le centre dramatique de l'histoire.

Cela laisse les retrouvailles éventuelles d'Ulysse et de sa femme, Penelope (Elizabeth Mondragon), comme une sorte de coda, la récompense de ses années de désir inébranlable et mélancolique. Leur étreinte passionnée est renforcée par la performance comiquement érotique des trois danseurs du chorégraphe Jitti Chompee (London Brison, Colette Krogol et Matt Reeves) en coulisses dans ce que Nelson appelle « la danse de la peau artificielle », vêtus de costumes comportant des ballons roses comme espaces réservés pour les têtes. . Les danseurs apparaissent sous diverses formes tout au long de la production. Parfois, ils remplacent les dieux, d'autres fois semblent physicaliser les états émotionnels des personnages, ajoutant souvent un ton émotionnel troublant, parfois grotesque, aux débats. Leurs masques étaient un point culminant de la production physique.

Une source de comédie dans cette histoire par ailleurs intensément dramatique sont les trois prétendants de Pénélope, menés par Kevin Short, qui tentent de gagner ses faveurs en lui offrant des cadeaux boiteux, puis échouent au test semblable à une épée dans la pierre consistant à être capable d'enfiler. L'arc d'Ulysse. Iro coupe ensuite la comédie en les abattant, ce qui, comme le note Nelson, libère Ulysse des meurtres (qu'il commet dans la version d'Homère et Monteverdi), permettant des retrouvailles plus paisibles avec sa femme.

Avant qu'Ulysse ne rencontre Penelope, il retrouve son fils Telemaco (Elijah McCormack), qui plus vite que sa mère reconnaît et embrasse son père. Utiliser un soprano masculin dans le rôle, plus souvent joué par un ténor, était un choix de casting judicieux qui ajoutait un élément de douceur à la relation.

C'est un bonheur de voir et d'entendre des chanteurs d'opéra de premier ordre dans un espace intimiste comme celui du Théâtre Source. Chester, Mondragon, McCormack, Mercer et les autres membres de la distribution ont tous une belle voix et jouent leur rôle de manière convaincante. Chester, Mercer et Short donnent souvent à leur chant un ton plus brut que celui qu'on entend souvent dans les pièces baroques, tout à fait approprié à leurs personnages. Et je ne saurais en dire assez sur le jeu de l'orchestre baroque de neuf musiciens de Nelson, qui est fidèle non seulement à la musique de Monteverdi elle-même, mais aussi aux arrangements madrigaux de style baroque de Nelson des chansons des années 1960.

Si j'ai un reproche à faire à propos de la production, c'est que, en particulier dans le premier acte, les paroles des chanteurs hors scène et dans les coulisses étaient difficiles à comprendre, et il était parfois difficile de savoir quels personnages ils étaient censés représenter. En réponse à une question du public lors de la conférence de dimanche, Nelson a déclaré que c'était un choix artistique de ne pas utiliser de surtitres dans une production en langue anglaise. Même si le ton émotionnel de ce que disaient les personnages était peut-être porteur, il aurait été préférable de savoir quels mots ils prononçaient.

Dans toutes ses versions, cette histoire est celle du retour au pays, du retour d'un homme transformé par la guerre dans une patrie elle-même transformée pendant son absence. Le sous-titre de Nelson, Chanson de mon père, a une résonance particulière pour lui, car son père était un vétéran du Vietnam, et IN Series mérite un grand mérite pour son action auprès des vétérans pour cette production. Les histoires de départ et de retour des soldats ont un grand pouvoir, non seulement il y a des milliers d'années dans la légende grecque ou il y a 60 ans au Vietnam, mais aussi dans les guerres éternelles d'aujourd'hui. De telles histoires, comme le commente Nelson, parlent de secondes chances, de voir la lumière après les ténèbres, de trouver des raisons d'espérer que de la mort et de la décadence la vie puisse soudainement surgir à nouveau. Le retour d'Ulysse est une version brillante, innovante et artistiquement réussie de ce thème universel.

Durée : Deux heures et 50 minutes, dont un entracte.

La production de la série IN de Le retour d'Ulysse : Chanson de mon père est joué jusqu’au 27 mai 2024 au Source Theatre, 1835 14th Street NW, Washington, DC. Il sera également joué du 31 mai au 2 juin 2024 au Baltimore Theatre Project, 45 West Preston Street, Baltimore, MD. Les billets coûtent entre 30 et 65 $. Tous les billets pour les vétérans coûtent 30 $. Les billets pour les vétérans du Vietnam sont gratuits, tout comme tous les billets pour les vétérans pour le spectacle du 27 mai. Les billets DC sont disponibles en ligne ici. Les billets pour Baltimore sont disponibles en ligne ici.

Le programme numérique pour Le retour d'Ulysse est disponible ici.

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