Audacieusement complexe et dangereusement hypnotique, The Song of Śakuntalā (Sha-koon-tuh-la) est une expérience tout à fait unique, encourageant l’exploration de soi, de l’âme, du son et de la structure. Ce nouvel opéra, présenté par IN Series et composé et dirigé par le propre directeur artistique d’IN Series, Timothy Nelson, fusionne la musique classique indienne traditionnelle – y compris la musique de sitar du célèbre sitariste Rajib Karmakar et les percussions de Nitin Mitta – avec des éléments du classique baroque occidental dans la veine d’Alfano et de Schubert.
Le spectacle est un mashup intéressant à plus d’un titre. Bien que Nelson ait été à l’origine inspiré par la pièce du Ve siècle du célèbre dramaturge indien Kalidasa, La reconnaissance de Śakuntalā, le livret de son opéra se compose de divers textes supplémentaires, y compris de la poésie indienne fondamentale s’étendant sur plusieurs premiers siècles ainsi que des œuvres de poètes indiens plus modernes. Il s’appuie sur la structure texturale du poème épique indien sacré, le Mahabharata.
L’histoire, basée sur la section d’ouverture du Mahabharata, est une histoire d’amour entre Śakuntalā (Teresa Ferrara) et le prince Dusyanta (Aryssa Leigh Burrs), racontée par leur fils Bharata (Marvin Wayne), maintenant un homme adulte, racontant l’histoire tragique de ses parents et, à son tour, sa propre histoire d’origine. En conservant l’idée dans les opéras traditionnels selon laquelle l’émotion l’emporte sur la logique, l’intrigue est relativement simpliste ; cependant, les motifs classiques de l’amour, de la perte, du désir, du souvenir et du repentir sont mis au premier plan pour alimenter le récit instrumental.
La chanson de Śakuntala est composée comme une longue chanson, une sorte de méditation, un voyage en boucle dans lequel vous entrez en tant qu’individu et ressortez en tant qu’autre. Nelson utilise un instrument indien classique, le tanpura, comme dispositif tonal pour fournir la partition sous-jacente et cohérente du spectacle. Le bourdonnement continu et harmonieux rayonnant du tanpura a jeté les bases de la gamme unique de mouvements instrumentaux du spectacle.
Les instruments présentaient également des effets sonores pour planter le décor, comme des percussions faisant écho aux sons des animaux de la forêt qui s’animent ou aux battements de cœur de nos amoureux en herbe qui se découvrent pour la première fois charnellement. Les changements aléatoires de tempo reflètent les pensées et les sentiments internes des personnages alors que leur énergie nerveuse jaillit de l’amour et de la peur. Les instruments baroques, tels que le violon joué par Emily Grace Konkle et la viole de gambe jouée par Niccolo Seligmann, fournissent également des mouvements fascinants qui renforcent le développement des personnages et la structure narrative.
L’opéra est structuré dans le style indien traditionnel en sept actes, plutôt que dans la structure standard en trois ou cinq actes de ses homologues occidentaux. Au début de chacun des sept actes, Wayne, dans le rôle de Bharata, exprimait les actions narratives sur le point de se dérouler devant le public, permettant ainsi aux chanteurs et instrumentistes de se concentrer sur la résonance émotionnelle de la scène plutôt que sur l’intrigue.
La voix chaleureuse et équilibrée de Wayne résonnait dans le microphone, se faufilant entre les tons constants du tanpura, accompagnés de paysages sonores instrumentaux. Wayne, en tant que guide de méditation, a distribué ses paroles avec un rythme rythmique magique, nous plongeant dans un état de pleine conscience envoûtant. Lorsqu’il a finalement chanté dans l’acte VII, c’était comme s’il avait mérité ce moment pour nous avoir guidés avec douceur et succès tout au long de nos voyages individuels et collectifs jusqu’à présent.
Wayne était assis au milieu parmi les instrumentistes, mais à chaque extrémité de la scène au sol se trouvaient nos deux protagonistes, nos deux amants – Śakuntalā (Ferrare) et Dusyanta (Burrs). Burrs a ouvert le spectacle avec sa superbe voix de mezzo-soprano/alto. Sa capacité magistrale à construire un crescendo avec un contrôle et une fluidité étonnants a été particulièrement mémorable. Par moments, la voix de Burrs se fondait dans les sons riches du hautbois joué par Stephanie Ying, comme si deux sœurs étaient réunies. Souvent, l’opéra semble confier aux altos féminines de petits rôles et/ou des rôles comiques, mais Burrs a endossé le rôle de l’homme principal et a porté le spectacle sur des épaules inébranlables avec une voix vraiment unique que je n’avais jamais entendue auparavant, mais que j’aurais pu écouter toute la nuit.
La voix alto de Burrs permettait suffisamment de juxtaposition avec la soprano d’opéra classique de Ferrara pour créer des duos complexes. Bien que Ferrara, comme Śakuntalā chantait principalement dans des octaves de soprano, elle possédait une tessiture incroyable, devenant parfois une chanteuse complètement différente et entrant facilement des cordes de notes graves. Au cours de l’acte IV, point culminant de la série, Śakuntalā est seule, enceinte, le cœur brisé et contemplant la vie. La musique s’est calmée tandis que le bourdonnement du tanpura s’estompait et, pour la première fois, c’était simplement Ferrara chantant a cappella. Sa voix vibrait de désir viscéral, de désespoir et d’agonie dans un état émotionnel puissamment palpable.
Lors des duos, Ferrara et Burrs se complétaient et s’opposaient tous deux avec des harmonies contradictoires, ne laissant jamais vraiment au public le soulagement d’une mélodie résolue. Une grande partie de la série m’a semblé déstabilisante de cette façon, mais cela m’a aussi donné envie de plus – à l’aise dans mon inconfort. Les deux femmes entretenaient des riffs longs et compliqués qui, bien que soigneusement coordonnés avec une précision mathématique, semblaient toujours spontanés. Je pourrais écouter ces notes complexes et nuancées pour toujours. Cependant, tout le monde n’est pas comme moi – heureux de se perdre dans le flux incessant de la musique – donc on pourrait affirmer que pour un public plus général, ces riffs ont peut-être été légèrement retirés.
Et pourtant, l’une des choses que j’ai le plus appréciée dans cette série, c’est qu’elle ne plait pas au public. C’est complexe, cérébral et honnête. Les longs moments lyriques, animés par des accords mineurs concurrents, créaient une énergie presque comparable à celle de diverses cérémonies religieuses. Le spectacle a eu lieu dans l’arrière-salle d’un théâtre plus grand; un petit espace simple et immersif, sans besoin de gros éléments de production éclatants car la musique était suffisante pour compléter le voyage. C’était comme si nous étions tous au courant de quelque chose de magnifiquement privé et intime.
Le concepteur lumière Paul Callahan a éclairé la petite scène et l’ensemble pour utiliser à la fois la lumière et l’ombre, créant un paysage onirique presque psychédélique. Les paroles chantées par les chanteurs étaient projetées sur l’écran derrière les interprètes. Je me suis souvent retrouvé déchiré entre lire l’incroyable poésie ou fermer les yeux et laisser la musique m’envelopper comme un rêve, en regardant les couleurs nées par la musique danser dans mon esprit.
Le Chant de Śakuntalā se termine par une boucle parfaite. Le numéro d’ouverture est réentendu dans l’acte final, remplissant ainsi la nature exprimée de cet opéra comme une chanson unique et perpétuelle. Opéra moderne fondé sur de nombreux textes, structures et instruments classiques, The Song of Śakuntalā est une expérience musicale et émotionnelle viscérale pour ceux qui ont soif de complexité.
Durée : Environ une heure et 45 minutes, sans entracte.
Song of Śakuntalā, présenté par IN Series, sera joué jusqu’au 14 juin 2026 au Atlas Performing Arts Center, 1333 H St NE, Washington, DC, et du 19 au 21 juin 2026 au Baltimore Theatre Project, 45 W. Preston St, Baltimore, MD. Les représentations ont lieu les vendredis et samedis à 19h00 et les dimanches à 14h30. Les billets pour les représentations de DC vont de 40 $ à 75 $, avec un nombre limité de billets d’admission générale à 40 $ disponibles avec le code GENERAL40 et des billets à 25 $ pour les étudiants et les artistes disponibles avec le code COMMUNITY25. Achetez des billets DC en ligne ici. Les billets pour les spectacles de Baltimore coûtent 35 $ en admission générale, 25 $ pour les étudiants. Achetez des billets pour Baltimore en ligne ici.
Chanson de Śakuntalā
Musique de Timothy Nelson
Textes de Sarojini Naidu Rabindranath Tagore, Vidyapati
Avec Aryssa Leigh Burrs, Teresa Ferrara, Marvin Wayne Allen
Avec Rajib Karmakar, Nitin Mitta, Emily Grace Konkle, Niccolo Seligmann, Stephanie Ying
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