Célébration décalée et typiquement queer de l’amour, de la libération et de la vie vécue à haute voix, Head Over Heels constitue un amalgame amusant pour les âges combinant trois éléments uniques mais aussi intrinsèquement liés : 1) une histoire basée sur la romance en prose pastorale du XVIe siècle de Sir Philip Sidney, The Countess of Pembroke’s Arcadia ; 2) la musique du groupe pop-rock classique des années 80 The Go-Go’s ; et 3) une forte représentation LGBTQIA+. Conçue à l’origine par Jeff Whitty et adaptée par James Magruder, la comédie musicale enjouée et jubilatoire de juke-box Head Over Heels est maintenant jouée au Prince William Little Theatre sous la direction de Melanie McGuin.
L’œuvre de Sir Philip Sidney existe en deux versions, connues sous le nom de Old Arcadia et New Arcadia. Cette production de Head Over Heels concentre son intrigue sur la vieille Arcadia, plus dépouillé, tout en incorporant des éléments tonals des dilemmes éthiques présentés dans New Arcadia. L’histoire suit la famille royale d’Arcadie qui, après avoir reçu quatre prophéties imminentes d’un mystérieux oracle, s’est lancée dans un long voyage de découverte de soi.
Le spectacle est récité principalement en pentamètre iambique, dont une grande partie sous forme de rimes, s’inscrivant donc parfaitement dans le thème d’un royaume connu pour son « rythme ». On pourrait penser qu’un écart de 400 ans entre les dialogues de 1580 et la musique de 1980 créerait une juxtaposition plus intense ; cependant, la nature lyrique du dialogue permet une transition en douceur entre la prose élisabéthaine et la bande originale des années 80.
Le groupe jouant ces succès pop classiques était positionné au-dessus de la scène, ce qui nous permettait de regarder à l’occasion et de repérer le chef d’orchestre Matthew Scarborough gardant le rythme en tapotant doucement sa poitrine. Il a dirigé avec précision et passion, donnant vie à l’ensemble du spectacle, non seulement à travers les chansons à succès, mais aussi à travers des moments instrumentaux supplémentaires tels qu’un battement de cœur musical entendu entre deux amants. Le spectacle a également été rehaussé par les danseurs/chanteurs de fond. Deux artistes en particulier, Sydney Morefield et Cristina Casais, incarnaient véritablement la philosophie du royaume consistant à maintenir le « beat » vivant.
Bien que la nature parodie du spectacle ait rendu plusieurs performances vocales forcées, il reste de nombreux moments marquants. La vedette vocale de la soirée est définitivement venue de Grace Miller dans le rôle de la princesse Philoclea, la plus jeune des deux sœurs, en particulier lors de son interprétation de « Good Girl ». En harmonie avec sa sœur aînée, la princesse Pamela (Brittany Washington), et la femme de chambre et éventuelle amante de Pamela, Mopsa (Meredith Kilmartin) a donné naissance à des moments époustouflants. Cependant, en tant qu’interprète constante tout au long du spectacle, Miller a maintenu le contrôle le plus strict sur sa large gamme et sa dynamique.
La performance de Jolene Vettese dans le rôle de la reine Gynecia dans « This Old Feeling » a été un autre moment fort. Son ton vocal rappelait étrangement celui d’Olivia Newton-John dans le rôle de Sandy dans Grease, ce qui m’a fait sourire. Ensuite, il y a l’oracle non binaire et infiniment élégant Pythio (Clayton Alex James). Il brillait absolument à chaque fois qu’il traversait la scène, et pas seulement à cause des multiples tenues ornées de bijoux qu’il portait, mais aussi à cause de son énergie glamour et rayonnante. Sa voix était mieux mise en valeur lors de « Heaven Is a Place on Earth », une chanson parfaitement adaptée à sa gamme de mezzo-soprano.
Les costumes de James n’étaient pas les seules pièces amusantes des costumières Susy Moorstein et Riley Leonhardt. Le roi Basilius (Chris Anderson) portait une paire de mocassins bordeaux matelassés d’aspect velours pour lesquels je venais de mourir. L’ensemble du casting, cependant, était habillé dans des tons vifs et précieux, indicatifs d’un arc-en-ciel – mettant en valeur les symboles LGBTQIA+ qui étaient également incorporés à travers des accessoires, ainsi que le maquillage de la maquilleuse Melissa Jo York-Tilley et les accessoires des maîtresses des propriétés Draconia Craig et Melanie McCleerey.
Les costumes, le maquillage et les accessoires ont joué sur la juxtaposition campagnarde du récit fantastique de la Grèce antique avec le ton/les thèmes de l’ère moderne en incorporant diverses pièces de chaque catégorie. Cela a été vu avec Musidorus (Nathan Peck), un humble berger, portant une toge mais associé à des chaussettes synthétiques et des chaussures de style oxford. Musidorus, déguisé en son homologue féminine, Cléophile (une prétendue guerrière amazonienne), a également revêtu les accessoires de la plus célèbre guerrière amazonienne qui se trouve être une icône LGBTQIA+ – Wonder Woman. Il (ou plutôt elle) a accessoirisé la ceinture, les poignets et le lasso dorés classiques.
Les éléments fantastiques étaient également présents dans le décor, renforcés par les images projetées sur un écran au centre de la scène. Les concepteurs multimédias de projection Laura Mills et Melissa Jo York-Tilly ont inclus diverses images fantastiques aux arrêts au sol tout au long du voyage de nos personnages, comme des forêts enchantées ou des campings royaux ressemblant à l’Elysée. Ils ont également utilisé l’écran comme outil d’intrigue pour renforcer les moments comiques, comme dans « Beautiful », lorsque des photos du visage de la princesse Pamela, obsédée par elle-même, étaient superposées à des peintures célèbres comme La Joconde.
L’ensemble construit pour ressembler à une structure de château de conte de fées était très amusant. Malheureusement, je me suis retrouvé à plisser les yeux sur scène à plusieurs reprises car l’éclairage était vraiment trop lumineux. Les quatre ou cinq premiers rangs semblaient aussi illuminés que les acteurs sur scène. Nous aurions probablement gagné à ce que plusieurs plafonniers soient éteints ou considérablement atténués.
Au début, je me suis retrouvé curieux de savoir pourquoi la musique de Go-Go avait été choisie pour accompagner cette histoire. Mais c’est en fait assez simple. En tant que groupe entièrement féminin, les Go-Go’s existaient comme une pure représentation du « girl power », du défi des normes et de l’expression de sa vérité, et c’est en grande partie ce qu’est Head Over Heels. C’est vraiment une lettre d’amour à la communauté queer. C’est une histoire d’expression de soi. Il s’agit d’accepter l’identité ; l’acceptation de nous-mêmes ainsi que de celle de ceux qui nous entourent. Il s’agit de l’amour sous toutes ses formes nombreuses, merveilleuses et glorieuses.
Durée : Deux heures et 15 minutes, dont un entracte de 15 minutes.
Head Over Heels joue jusqu’au 22 mars 2026, présenté par Prince William Little Theatre, au Gregory Family Theatre, Hylton Performing Arts Center, 10960 George Mason Cir, Manassas, VA. Les clients peuvent acheter leurs billets en ligne à l’avance : 35 $ par adulte ; 29 $ senior, étudiant ; 24 $ pour les jeunes (12 ans et moins) et les militaires (actifs). Les prix incluent les frais.
Le programme est en ligne ici.
Fou sur les talons
Chansons de The Go-Go’s
Basé sur L’Arcadia de Sir Philip Sidney
Conçu et avec un livre original de Jeff Whitty
Adapté par James Magruder
