Dans la nouvelle production solo de Hamlet, jouant actuellement un engagement Off-Broadway limité et déjà prolongé, pour la plupart à guichets fermés, à Greenwich House, la star de la scène et du cinéma Eddie Izzard a suivi le conseil convaincant de Shakespeare d’« adapter l’action à la parole, la parole à l’action ». Sous la direction active de Selina Cadell, Izzard incarne 23 personnages disparates – hommes et femmes, membres de la famille royale et courtisans, fantômes et fossoyeurs, famille, amis et ennemis – dans la nouvelle adaptation par son frère aîné Mark Izzard de la tragédie historique de vengeance ( les Izzards et Cadell ont déjà collaboré l’année dernière sur la série à guichets fermés acclamée par la critique du film solo De grandes attentes au même endroit), avec des voix, des accents et des modèles de discours individualisés pour raconter le récit intemporel, combinés à des expressions faciales, des gestes et des mouvements facilement lisibles (direction du mouvement par Didi Hopkins) qui donnent vie visuellement et physiquement au récit.
Avec près de 30 000 « mots, mots, mots » Hamlet est la pièce de Shakespeare la plus longue et l’exploit d’Izzard est monumental. Même s’il y avait encore quelques répliques ratées lors de l’avant-première de presse à laquelle j’ai assisté (dont l’artiste vétéran s’est remis rapidement et en douceur), l’action – qu’elle soit subreptice, explosive, inactive ou fatale – était impeccable et tout a été magistralement accompli sans l’utilisation de des accessoires, des changements de costumes ou un décor meublé, sur une scène à deux niveaux pratiquement nue avec seulement trois murs beiges panachés, trois ouvertures de fenêtres verticales, une étroite bande de plancher surélevé à l’arrière et des marches en aval menant aux allées du théâtre (décorées par Tom Piper ).
Se déplaçant dans l’espace et, parfois, dans le public, Izzard passe avec fluidité d’un personnage à l’autre, des soliloques aux dialogues, des conversations aux combats, avec une précision non-stop, attirant tout le monde et injectant de l’humour dans le film. performance, y compris une réflexion silencieuse sur certains des commentaires les plus concis de la pièce (par exemple, « Pour que toi-même soit vrai », acte I, scène 3) avec une pause et un regard pensif, en utilisant des marionnettes à mains nues pour représenter Rosencrantz et Guildenstern en train de parler , et embrassant pleinement le soulagement comique des plaisanteries sardoniques des fossoyeurs sur la vie et la mort – qui ont toutes suscité de grands rires de la part de la foule reconnaissante.
Parmi les autres caractérisations impressionnantes d’Izzard figurent celles de la « disposition antique » feinte d’Hamlet (une folie pour laquelle, note Polonius, il y a une méthode) ; son combat avec Laertes, avec Izzard luttant de manière exhaustive des deux côtés avec des rapières mimées, respirant lourdement et produisant les sons sifflants des épées (direction du combat par J. Allen Suddeth) ; les graves déclarations de l’apparition du père d’Hamlet, assassiné par son propre frère Claudius, pour usurper à la fois le trône et Gertrude, sa reine ; et la douceur et la vulnérabilité magnifiquement capturées d’Ophélie. Mais, alors que la production inclut la scène d’elle distribuant des herbes et des fleurs dans son état perturbé, elle omet étonnamment l’éloge émouvant et inspiré de son frère Laertes (Acte V, Scène 1 : « Déposez-la en terre/Et de sa chair belle et non polluée /Que les violettes jaillissent »). Il existe également une version abrégée du monologue emblématique d’Hamlet « Quelle œuvre que l’homme » (Acte II, scène 2) ; l’ajout de quelques dénigrements opportuns (faisant référence aux « masses irrationnelles ») qui rendent le contenu universel de Shakespeare encore plus immédiat pour notre époque actuelle de divisions socio-politiques ; et le choix du multilingue Izzard d’adopter un accent cockney pour les travailleurs des classes inférieures et un accent irlandais pour les Norvégiens, afin de distinguer leur discours étranger du plus grand raffinement (linguistique, sinon comportemental) de ceux de la cour danoise (tous , bien sûr, parlant un anglais shakespearien approfondi).
Les ambiances changeantes de la pièce sont renforcées par un éclairage évocateur de Tyler Elich, qui va de la lumière du jour aux éclairs effrayants en passant par l’obscurité sinistre avec des projecteurs dirigés et des ombres menaçantes, et des couleurs émotives saturant les murs et dans tout l’espace (l’ambiance verte pour le spectacle spectral). la présence du père de Hamlet est particulièrement effrayante). La musique originale d’époque d’Eliza Thompson donne un ton courtois, avec un paysage sonore effrayant qui souligne le drame. Le costume d’Izzard dans les tons de noir, avec Piper et Libby DaCosta comme stylistes, est actuel, bien que rappelant vaguement le passé historique, mais, pour moi, j’ai trouvé le rouge à lèvres rouge vif et le vernis à ongles une distraction anachronique inutile.
Dans les notes du programme du réalisateur, Cadell a observé l’importance du lien fondamental entre les acteurs et le public dans l’expérience partagée du théâtre, tant à l’époque de Shakespeare qu’aujourd’hui. Izzard fait ce lien. Pour ceux qui ne connaissent pas bien Hamletsuivre l’évolution des personnages et des lieux de l’histoire peut être un défi (alors lisez au moins un synopsis avant de partir), mais tout le monde appréciera sûrement le talent singulier d’Izzard, ses représentations individualisées et ses performances engageantes.
Durée : Environ deux heures et 15 minutes, entracte compris.
Celui d’Eddie Izzard Hamlet joue jusqu’au dimanche 10 mars 2024 au Greenwich House Theatre, 27 Barrow Street, New York. Pour les billets (à partir de 77 $, plus frais), rendez-vous en ligne. Aucun remboursement ni échange. La plupart des représentations sont complètes, mais vous pouvez revenir la veille et le jour du spectacle, au cas où des billets seraient disponibles.
