Fremont Ave. de Reggie D. White — qui fait maintenant sa première mondiale à Arena Stage en coproduction avec South Coast Repertory — capture quelque chose de rarement vu sur scène : les liens changeants, tendres et turbulents entre les hommes noirs à travers les générations.
L'histoire se déroule en trois actes qui s'étendent sur six décennies. Dans le premier acte (1968), George Plique (Bradley Gibson) tombe amoureux d'Audrey, une femme de ménage volontaire qui élève son fils Robert. Dans le deuxième acte (années 1990), le beau-fils de George, Robert (Gibson), se réunit avec les vieux amis de George – Frank, Walter et Tony – pour un autre de leurs jeux de cartes légendaires. Et dans le troisième acte (années 2020), George et Robert plus âgés comptent sur leur héritage familial à travers le fils de Robert, Joseph (encore Gibson), qui est gay, et l'amant de Joseph, Damon, le fils du vieil ami de George, Walter. (Gibson joue de manière impressionnante trois rôles – George, Robert et Joseph – au fil du temps.)
Cette simple ligne directrice fonde une pièce tentaculaire, drôle et émotionnellement brute. Le scénario de White est à la fois vaste et spécifique – enraciné dans le langage, l'humour et les rituels qui entretiennent les amitiés masculines noires, même lorsque les mots piquent.
À la base, Fremont Ave. célèbre la camaraderie : les discussions trash sur les tables de cartes, les rires faciles, l'attention constante qui sous-tend même les arguments les plus durs. Les hommes s'interpellent, se parlent, blessent et pardonnent dans un rythme qui semble vécu.
George ancre tout. Gibson lui donne une douceur désarmante en 1968 en jeune musicothérapeute aux rêves créatifs et à la croyance presque naïve en l'amour. Sa romance provisoire avec Audrey (Jerrika Hinton, vive et sans sentimentalité) déclenche le fondement émotionnel de la pièce. Audrey est pratique, meurtrie par la vie et craintive d'être secourue. Lorsqu'elle sort en trombe après que George ait avoué son amour, nous craignons que ce soit fini – mais son éventuel retour, humble et ouvert, devient le point d'origine de la saga de la famille Plique.
Autour d'eux gravitent les copains de George pour les soirées de cartes : Frank, le gardien de la paix de Wildlin Pierrevil, Tony le sensible de Jeffrey Rashad et Walter, le fanfaron de Stanley Andrew Jackson. Ce sont des professionnels – avocats et cadres – mais leur lien transcende les classes sociales. La mise en scène habile de Lili-Anne Brown maintient les plaisanteries fluides et musicales, avec des jeux de cartes qui semblent danser à travers le temps.
Au deuxième acte, le décor s'est déplacé vers les années 1990 et l'ensemble brille au fur et à mesure que le relais générationnel passe. Gibson réapparaît sous le nom de Robert, qui fait désormais partie du cercle des tables de cartes. Le scénario ondule aux rythmes de l'âge et de l'héritage : qui a réalisé son potentiel, qui s'est déçu et qui fait semblant de s'en moquer. La conception sonore d'André Pluess relie les époques avec une bande-son dynamique – du disco au R&B en passant par la house – ancrant l'évolution des hommes dans une chronologie culturelle vivante.
L'acte final de la pièce, qui se déroule dans les années 2020, change encore une fois de ton et d'orientation. George plus âgé (Doug Brown) et Robert plus âgé (Kevin Mambo) font face aux comptes émotionnels qui accompagnent l'âge, l'héritage et le regret. Pendant ce temps, le fils de Robert, Joseph, a du mal à vivre authentiquement avec son partenaire, Damon (un Galen J. Williams magnétique), qui fait irruption avec une énergie flamboyante inspirée de Vogue. Leur alchimie – à parts égales tendre et provocante – semble être la prochaine frontière de la longue méditation de l’histoire sur la masculinité noire.
Parfois, Fremont Ave. oscille sur le territoire de la sitcom – en particulier dans son humour tardif et son intermède sexuel au timing discordant – mais White ramène toujours l'attention sur l'amour et la survie. La portée générationnelle est ambitieuse et, même si certaines transitions sont floues, le fil conducteur émotionnel reste fort.
Un fil conducteur plus faible est le portrait d'Audrey, qui se lit parfois comme une réprimande unidimensionnelle avant de se transformer en une sainte matriarche dans les coulisses. Pourtant, Hinton la fonde dans la douleur et la fierté, et le costumier Jos N. Banks donne à son look de « dame d'église » plus tard dans sa vie une autorité visuelle qui correspond à son évolution.
L'ensemble polyvalent de Tim Mackabee, avec ses meubles du milieu du siècle et ses lignes architecturales épurées, se transforme avec élégance à travers les époques. La conceptrice d'éclairage Kathy A. Perkins déplace l'action de manière fluide à travers des décennies – la lumière du soleil s'incline sur les vitres arrière dans un acte, les bleus sombres signalant la réflexion dans un autre. Chaque élément renforce le rythme rythmique de Brown et le pouls musical de la pièce.
S’il manque un moment historique, c’est bien les turbulences plus larges de 1968. L’assassinat du Dr King et le chagrin national qui a suivi ne sont pas mentionnés – une omission surprenante dans un ouvrage si investi dans la vie émotionnelle des hommes noirs. Même une brève référence aurait pu contextualiser la profonde douleur du premier acte et l’optimisme fier du troisième acte de l’ère Obama.
Pourtant, la pièce apparaît comme un triomphe de l’esprit. Le scénario de White capture à la fois le sacré et le ridicule de l'amitié masculine. Ses personnages se battent, pardonnent, boivent, flirtent et vieillissent ensemble. L'ampleur de la production – dix rôles entièrement dessinés, plusieurs chronologies et un sens de l'humour direct – donne à Fremont Ave. un sentiment à la fois intime et lyrique.
Au moment où les hommes plus âgés réfléchissent à leur vie, les rires et la musique résonnent comme de vieux souvenirs. Ce qui reste, c’est le lien – la fraternité incassable qui perdure malgré les chagrins, l’évolution des normes et des décennies de changement. À l’occasion du 30e anniversaire de la Million Man March de 1995, Fremont Ave. semble non seulement opportun mais nécessaire : une lettre d’amour jubilatoire et compliquée aux hommes noirs qui se montrent les uns pour les autres, génération après génération.
Durée : Deux heures et 30 minutes, dont un entracte de 15 minutes.
Fremont Ave. joue jusqu'au 23 novembre 2025 au Kreeger Theatre de l'Arena Stage du Mead Center for American Theatre, 1101 Sixth St SW, Washington, DC. Les billets (49 $ à 118 $) sont disponibles en ligne ou via TodayTix. Les billets peuvent également être achetés auprès du bureau des ventes par téléphone au 202-488-3300, du mardi au dimanche, de 12h à 20h, ou en personne au 1101 Sixth Street SW, Washington, DC, du mardi au dimanche, deux heures avant le début du spectacle les jours de représentation.
Les nombreux programmes d'économies d'Arena Stage incluent des billets « payez votre âge » pour les personnes âgées de 35 ans et moins ; réductions pour les militaires, les premiers intervenants et les éducateurs ; réductions pour étudiants; et « Nuits du Sud-Ouest » pour ceux qui vivent et travaillent dans le quartier sud-ouest du district. Pour en savoir plus, visitez arenastage.org/ savings-programs.
Le programme est en ligne ici.
Avenue Fremont.
Une coproduction avec South Coast Repertory
Par Reggie D. White
Réalisé par Lili-Anne Brown
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Arena Stage annonce le casting et l'équipe créative pour la première mondiale de « Fremont Ave ». (reportage, 16 septembre 2025)
