Combinaison confuse d'effrayant, de campement et d'incohérence dans 'Grey House' au Lyceum Theatre de Broadway

Nous sommes en 1977, une tempête de neige fait rage à l’extérieur et un couple perdu écrase sa voiture contre un cerf sur une route de montagne, le laissant mort, lui blessé, eux bloqués et cherchant refuge dans une cabane isolée avec un groupe d’étranges habitants. Ainsi commence la première à Broadway du dramaturge Levi Holloway Maison grise au Lycée Théâtre. Ce qui se passe au cours de la prochaine heure et demie contient tous les ingrédients prévisibles d’une histoire d’horreur surnaturelle stéréotypée – éclairage et brume étranges, sons effrayants, comportement bizarre et événements étranges – tout sauf une intrigue cohérente ou un message cohérent.

Réalisée par Joe Mantello, la pièce, ainsi que les tropes requis du genre, injecte des touches de comédie noire et d’humour de potence (qui a fait rire tôt le public lors de la représentation à laquelle j’ai assisté), alors que le mari blessé Henry (qui note avec mordant que il a déjà vu ça et ils ne sortent pas) et sa femme Max (qui conduisait fatalement) rencontrent les personnages inhabituels (quatre filles, un garçon et leur peut-être/peut-être pas mère) et jouent avec leurs commentaires étranges (sur poignarder une personne dans l’œil), manque de précision (souvent en levant les bras ou en répondant « parfois ») et chansons et jeux inquiétants (« Si tu mens, une mère mourra »).

Pour moi, le spectacle, qui devient de plus en plus grave, aurait peut-être mieux fonctionné comme une parodie complète, qu’un calcul macabre et sanglant de l’inhumanité de l’homme, faisant référence obliquement à tout, de l’Holocauste aux abus sexuels par sa conclusion moralisatrice discordante. Au moins, je pense que c’est de cela qu’il s’agissait (difficile à dire; la rumeur circule dans la communauté théâtrale que la production a envoyé des e-mails explicatifs à certains membres de la presse pour clarifier ce qui aurait dû être clair pour les critiques en le regardant, pas en lisant l’intention réelle du dramaturge par la suite).

Un casting «parfois» drôle, «parfois» effrayant de neuf personnes livre le matériel et les caractérisations «parfois» évidents, «parfois» cryptiques, dirigé par Laurie Metcalf, deux fois lauréate de Tony, dans le rôle de Raleigh accueillant mais caustique, qui s’occupe des enfants, Claire Karpen en tant que Max acceptant (remplaçant Tatiana Maslany, qui a raté de nombreuses dates de presse en raison de COVID), Sophia Anne Caruso en tant que menaçante alpha girl Marlow – toutes les trois femmes mais inexplicablement données des noms masculins – et Paul Sparks en tant que le malheureux Henry (appelé Hank par les enfants), qui l’a appelé dès le départ.

Ils reçoivent un soutien comique / effrayant de Millicent Simmonds dans le rôle de Bernie (une actrice et avocate sourde qui livre de manière expressive son rôle dans la langue des signes américaine, sous la direction ASL d’Andrew Morrill), Colby Kipnes dans Squirrel et Alyssa Emily Marvin dans A1656 – le des filles aux noms étranges qui attendent leur libération de cette maison de transition pour âmes torturées avec l’exigence de la vengeance – avec le jeune et silencieux Eamon Patrick O’Connell dans le rôle du garçon. Il y a aussi une femme plus âgée, jouée par Cyndi Coyne et identifiée dans le programme comme « The Ancient » – une apparition fantomatique qui se présente de temps en temps, principalement pour terroriser Henry. Tous font un travail louable avec le matériel et les personnages qui leur ont été confiés (parmi les scènes les plus effrayantes figurent les chansons et les harmonies a cappella de plus en plus intenses et bien exécutées des filles, avec la supervision musicale et les arrangements d’Or Matias et le mouvement de plus en plus féroce de Ellenore Scott), dans ce mélange incohérent de rires, de frayeurs et d’appels à la masculinité toxique.

Bien sûr, pour qu’un spectacle d’effroi soit efficace, la conception artistique est essentielle. Scott Pask fournit un ensemble effrayant, avec une porte de sous-sol (ou « bouche vers l’enfer ») qui s’ouvre sur des effets de lumière et de brouillard aveuglants, un réfrigérateur délabré rempli de bocaux Mason du « moonshine » Hank est donné à boire (qui , en fait, est en fait « le nectar des hommes morts »), et un tissage en surplomb de parties internes du corps, entre autres éléments horribles. L’éclairage de Natasha Katz passe du sombre au brillant en passant par des coupures de courant soudaines, le son de Tom Gibbons est mystérieux et dérangeant, et les costumes de Rudy Mance, les cheveux et les perruques de Katie Gell et Robert Pinkins, et le maquillage de Christina Grant sont révélateurs de la vie , les personnages morts et bientôt morts qui les portent.

Maison grise chevauche précairement la zone grise entre l’horreur d’un autre monde, la comédie noire et le commentaire sociopolitique sans synthétiser complètement les trois, le rendant ainsi plus effroyablement vague et décousu que vraiment effrayant.

Durée : environ 1h40 sans entracte.

Maison grise joue une série ouverte au Lyceum Theatre, 149 West 45e Rue, New York. Pour les billets (au prix de 49 à 278 $, plus les frais), rendez-vous en ligne. Les masques ne sont plus obligatoires mais sont recommandés.

A lire également