Après que son fils et manager Naphtali ait réservé sa mère célibataire et artiste de performance de renommée mondiale Miriam pour un spectacle au MoMA, elle disparaît soudainement. À son retour inattendu sept ans plus tard, elle offre peu de réponses sur l’endroit où elle était et pourquoi elle est partie, mais n’hésite pas à exprimer son attente invétérée à son égard dans la première mondiale Off-Broadway du New Group du passage à l’âge adulte non linéaire. jeu de mémoire La disparition de sept ans au Pershing Square Signature Center.
Écrit par Jordan Seavey et réalisé par Scott Elliott, le duo met en vedette Cynthia Nixon dans son formidable retour dans The New Group et Taylor Trensch dans un début profondément émouvant avec la société. Nixon apparaît non seulement dans le rôle de Miriam, mais aussi dans celui de huit autres personnages de la vie de Naph, qui a été abandonnée par elle sans un mot, laissée à elle-même et pour trouver l’amour, le réconfort et un but auprès d’autres – amis, amoureux et collègues dans son passage du monde de l’art au soutien politique et à la défense des droits LGBTQ – tous des substituts à la mère absente qu’il voit en eux (comme le suggère le casting significatif). À son sentiment d’isolement s’ajoute un père qu’il n’a jamais connu et dont Miriam, motivée par son ego, ne lui a rien dit, qui voit la vie et l’exploite, comme aliment pour ses performances artistiques de longue durée, dans un regard critique sur notre post-moderne. l’ère de la documentation incessante et du partage excessif de ce qui devrait être privé, pour la consommation publique et la gratification narcissique.
Lorsque la salle s’ouvre, les acteurs sont déjà assis aux extrémités opposées d’une table sur la scène sombre (mise en scène minimaliste par Derek McLane), immobiles et silencieux, comme s’ils étaient l’une de ses œuvres d’art dévorantes, avec d’énormes multiples projections du nom « MIRIAM » derrière eux (projections de John Narun). Une chronologie d’avant-spectacle des thèmes et des dates s’étend également sur le mur arrière des écrans vidéo, pour aider le public à suivre le récit. L’histoire est ensuite présentée comme une série de scènes dans une configuration achronologique, avec le titre de chaque segment individuel projeté à droite de la scène, des images en gros plan à grande échelle et des vidéos en direct des personnages à l’arrière-scène, et les acteurs parlant souvent à des microphones de sol, qui évoquent une fois de plus les styles conceptuels de l’art de la performance, l’importance primordiale de la conception artistique du spectacle et l’observation d’Oscar Wilde selon laquelle « la vie imite l’art bien plus que l’art n’imite la vie ».
Outre les références éclatantes aux artistes célèbres qui ont influencé Miriam et avec lesquels elle rivalise de manière ridicule, les sujets importants abordés et mis en scène vont du sens de l’art à l’élection présidentielle de 2016, des rencontres sexuelles au VIH et au sida, avec des révélations progressives que donnez-nous un aperçu de la psychologie et des antécédents des personnages et de leurs relations, dans une combinaison convaincante d’humour, de drame et de mystère.
Nixon passe facilement d’un rôle à l’autre, changeant de sexe, d’âge et d’accent (avec Deborah Hecht comme coach de dialectes), enfilant une paire de lunettes ou une casquette de baseball, et variant son comportement, et, dans sa mère-et- Son fils dialogue, élevant le niveau de décibels, la colère et la manipulation de Naphtali (qui, nous dit-il, est l’hébreu pour « mon combat, mon conflit »). Trensch dresse un portrait déchirant du fils gay blessé, qui réplique, admet qu’il est « foutu » à cause d’elle, qu’il a trop souvent été laissé seul, mais qu’il est désormais « une personne différente de ce qu’il était il y a sept ans ». Ou est-il toujours sous son contrôle et participe-t-il à son art ?
Les deux acteurs portent la même combinaison noire à manches longues et de lourdes bottes de construction tout au long des différentes scènes et dates (costumes de Qween Jean), qui se mélangent au design principalement en noir et blanc, n’offrent aucune distraction de leurs visages, voix et mains expressifs. , et les mouvements (direction de combat et d’intimité par Fight-House d’UnkleDave), et renforcent le format du spectacle en tant qu’exposition d’artistes de performance, renforcée par un son clair de Rob Milburn et Michael Bodeen et un éclairage de Jeff Croiter qui signale les changements de scènes. .
La disparition de sept ans est une exploration engageante et provocante de l’importance de l’art et de son impact à la fois sur les artistes qui le créent et sur la culture qu’il représente, avec un niveau artistique, de performance et d’intrigue qui répond aux normes les plus élevées et qui en font une production tout à fait captivante. .
Durée : Environ 90 minutes, sans entracte.
La disparition de sept ans joue jusqu’au dimanche 31 mars 2024 au New Group, au Pershing Square Signature Center, 480 West 42sd Rue, New York. Pour les billets (au prix de 72 à 112 $, frais compris), appelez le (917) 935-4242) ou rendez-vous en ligne.
