Ce n’est un secret pour personne comment la tragédie Eurydice prend fin. Il ne devrait pas y avoir de surprise après deux mille ans. Et pourtant, la production de l’American Shakespeare Center m’a fait oublier. J’ai été transporté en regardant Orphée et Eurydice sortir des enfers comme les premiers publics ont dû le faire il y a des millénaires. Au fil des siècles, ma respiration s’est synchronisée par anticipation avec des spectateurs morts depuis longtemps, et pendant un instant, aucun de nous ne savait comment cela se terminerait.
Telle est la magie du voyage dans le temps de Sarah Ruhl Eurydice, qui réinvente le mythe d’Orphée et Eurydice à travers les yeux de son héroïne. Dans l’adaptation de Ruhl, Eurydice (Kayla Carter) est amenée à mourir par un homme méchant et intéressant (Michael Manocchio) le soir de son mariage avec la comédie musicale Orpheus (Topher Embrey).
Aux enfers, son père déjà décédé (Annabelle Rollison) l’attend. Le père – un personnage inspiré par le propre père de Ruhl, décédé pendant ses années d’université – accueille avec impatience sa fille dans le monde souterrain. Il se souvient encore de la vie sur Terre bien qu’il ait été plongé dans le fleuve Léthé, le fleuve de l’oubli dans lequel toutes les âmes mortes sont submergées. Un chœur espiègle de Stones (Summer England, Kenzie Ross et Constance Swain) s’élève de la rivière pour raconter ces retrouvailles ainsi que le chagrin toujours croissant d’Orphée. C’est une histoire d’amour, de chagrin, de mémoire et de choix qui imagine qu’Eurydice avait peut-être plus de raisons de rester dans le monde souterrain que de retourner à la vie avec Orphée.
Dégoulinant de fantaisie et de fantaisie, l’adaptation de Ruhl est parfaitement adaptée à la philosophie du American Shakespeare Center. Connu pour « le faire avec les lumières allumées », ASC présente toutes ses productions dans les mêmes conditions scéniques que les créateurs de théâtre auraient utilisées à la Renaissance. Cela inclut l’utilisation de l’éclairage universel (où les lumières restent allumées pour que le public et les acteurs puissent se voir), le doublage (un acteur jouant plusieurs rôles dans un spectacle), le casting transgenre et les décors minimaux.
Cette approche permet aux acteurs et au public de se concentrer sur le langage, le laissant nous submerger sans les distractions du design. L’histoire, si elle est assez forte, peut se suffire à elle-même. Pas besoin de projections, ni de lumières élaborées, ni de décors d’un million de dollars, ni de toutes les cloches et sifflets que l’on peut trouver dans de nombreuses entreprises axées sur Shakespeare. La langue est suffisante entre les mains d’une distribution qualifiée et d’une équipe créative.
C’était plus que suffisant pour cette équipe dirigée par la réalisatrice Nana Dakin, dont la mise en scène subtile est une masterclass dans la simplicité de la narration. Le scénario de Ruhl regorge de directions scéniques, mais le blocage de Dakin semble naturellement motivé. Son utilisation des sièges au sol et au balcon comme terrains de jeux pour les acteurs a ajouté au sentiment de connexion entre l’acteur et le public déjà établi dans le pré-spectacle, qui comprenait un ensemble de quatre chansons de la compagnie au piano, batterie, basse et mélodica. Plutôt que de s’habiller et de jouer comme leurs personnages, les acteurs ont présenté la musique comme eux-mêmes dans leurs propres vêtements, évoquant les joueurs itinérants d’autrefois qui venaient en ville avec une histoire à raconter.
La direction musicale de Tevin Davis a renforcé le sens de la communauté déjà inhérent à l’emblématique Blackfriars Playhouse, réchauffant doucement le public pour la transformation de la société en personnages dynamiques. La dernière chanson d’avant-spectacle, partagée par Embrey et Carter avant de devenir Orphée et Eurydice, était une danse délicate qui commençait avec eux dos à dos et soulignait la chimie électrique que leurs personnages incarneraient.
La mise en scène tendre de Dakin a été encore renforcée par la conception de costumes fougueux et kaléidoscopique d’Ashleigh Poteat, la chorégraphie d’intimité efficace de Natasia Reinhardt et la maîtrise simple des accessoires d’Alaina Smith. Les créations de Poteat en particulier apportent de tels détails à chaque personnage, élevant de manière éclatante la caractérisation de chaque rôle. Tous les éléments de conception ont été ajoutés à la production sans détourner l’attention des performances, qui étaient extrêmement exquises.
S’il n’y avait pas eu de design du tout, ce groupe d’acteurs aurait pu avoir le même impact – leur connexion et leur interprétation de la poésie de Ruhl étaient si fascinantes. La naïve Eurydice de Carter portait avec elle le poids du chagrin d’avoir manqué les vivants, les morts et l’incertitude que ce genre de conflit contient. Son personnage vit entre le monde souterrain et celui d’en haut, et l’interprétation de Carter tenait habilement cette ambiguïté. Orphée, joué avec élégance par Embrey, offre une agonie riche et passionnée qui pourrait faire pleurer une pierre. En effet, le chœur de pierres – incarnant une physicalité intense et comique – a apporté un soulagement comique au désespoir de vivre dans le monde souterrain pendant 90 minutes.
Alors que le public était assis avec ce chagrin sur scène, et peut-être dans sa propre vie, il n’y avait pas de meilleure incarnation d’un tel chagrin que le père de Rollison. Elle a apporté une touche folklorique du Midwest au rôle qui était fidèle au texte et a souligné sa profonde compréhension de celui-ci. Elle était plus réelle en tant que père que de nombreuses interprétations d’acteurs masculins, et sa performance plaide en faveur d’un casting plus croisé.
Par-dessus tout, cette production témoigne de la mission de l’American Shakespeare Center – avec les conditions de mise en scène de Shakespeare, nous pouvons oublier les décors élaborés et la conception qui peuvent enliser le théâtre moderne. Les classiques peuvent être renouvelés si seulement nous les regardons comme nos ancêtres l’ont fait autrefois – avec les lumières allumées, comme si c’était la première fois.
Durée : 90 minutes, sans entracte. Le pré-spectacle commence 15 minutes avant le rideau.
Eurydice joue jusqu’au 13 mai 2023, présenté par l’American Shakespeare Center au répertoire avec Comme vous l’aimez au Blackfriars Playhouse, 10 South Market Street, Staunton, VA. Pour les billets, appelez la billetterie au (540) 851-3400, ou achetez-les en ligne. https://americanshakespearecenter.com/events/eurydice/.
Crédits pour Euridice sont en ligne ici (cliquez sur « casting » et sur « équipe artistique »).
Sécurité COVID : L’American Shakespeare Center encourage fortement les clients à se masquer lorsque cela est possible. Le guide complet du visiteur de sécurité COVID-19 de NCP est ici.
