C’est toujours excitant d’avoir un aperçu de l’avenir, même si cet aperçu est quelque peu trouble – comme c’est décidément le cas pour le personnage de Macbeth dans la pièce écossaise de Shakespeare. Heureusement, ce n’est pas le cas avec la présentation du répertoire d’été de Macbeth par la Shakespeare Theatre Company Academy, où – à en juger par les performances et la production – l’avenir brille à la fois pour la classe d’acteurs de 2026 et pour ceux qui ont contribué à développer les compétences actuellement exposées sur la scène du Klein Theatre de STC.
Chaque été, les nouveaux diplômés de l’académie de théâtre classique de STC présentent deux productions généralement contrastées comme projet culminant de leur programme de formation intensif. Cet été, les diplômés présenteront Macbeth et Twelfth Night au répertoire, avec des acteurs jouant des rôles dans les deux pièces. On ne sait jamais ce que peut offrir une présentation étudiante. Dans ce cas, il s’agit d’un jeu d’acteur solide, souvent remarquable ; une mise en scène forte et imaginative ; clarté inhabituelle de la prestation et de l’interprétation de la ligne ; chorégraphie, conception sonore et d’éclairage accrocheuses ; et d’énormes marionnettes bunraku !
Le directeur de la STC Academy, Alec Wild, qui dirige également cette production, attire notre attention dès le début et ne la lâche jamais. Il visualise l’exposition de la pièce avec une scène de bataille chorégraphiée de manière impressionnante dans laquelle des guerriers fatigués par l’armée brandissent d’énormes perches de bambou à la manière des arts martiaux. Pendant ce temps, les exploits héroïques de Macbeth sont racontés lors d’une conférence de presse dans une salle de briefing politique supervisée par le roi Duncan (une Anna Marzullo suffisamment forte, dans un rôle traditionnellement masculin). La chorégraphie martiale, reprise dans la bataille décisive à la fin de la pièce, fait vibrer ; la conférence de presse (une vanité répétée au début du deuxième acte de la production) souligne le fait qu’il s’agit d’une histoire sur la politique ainsi que sur l’ambition personnelle, sur comment et par qui une histoire est racontée. (Les membres de l’auditoire se souviendront peut-être d’un certain président américain et des personnes qui faisaient la une de ses conférences de presse.)
Wild fait un certain nombre de choix de mise en scène importants dans cette production au cadrage serré. L’une d’entre elles est le casting d’actrices dans les rôles traditionnellement masculins de Duncan et des princes Malcolm et Donalbain (interprétés respectivement par Kira Cornell et Sofia Hernandez Morales). Lady Macbeth n’est pas la seule femme à avoir du pouvoir dans cette production. Une autre chose que fait Wild est de trouver des moyens créatifs pour éclairer la psychologie de Macbeth et de Lady Macbeth. Un bon exemple se trouve dans l’acte 2, scène 1, lorsque Macbeth (un Michael Girts résolu) pense voir un « poignard de l’esprit » fantomatique le conduisant vers la chambre à coucher de Duncan. Ceci est généralement accompli avec divers effets spéciaux, mais ici, c’est Lady Macbeth elle-même (une Bridget Campbell expressive et puissante) qui brandit le poignard qui « rassemble » son mari vers le meurtre de Duncan. Nous savons qu’elle exerce un pouvoir particulier sur son mari dans les premières scènes de la pièce ; ici, ce pouvoir est visualisé à travers une métaphore parfaite.
Wild trouve également des moyens d’ouvrir les motifs de la pièce. Nous voyons, et nous n’entendons pas seulement parler, l’accession de Macbeth au trône d’Écosse à travers une scène de pantomime où lui et Lady Macbeth sont couronnés conjointement. Et Wild propose une observation plus approfondie de la désintégration psychologique de Lady Macbeth que celle trouvée dans de nombreuses productions (et, diraient certains, dans la pièce elle-même). Des fissures dans son sang-froid deviennent apparentes dès que son mari commence à parler de nouveaux meurtres. Parfois, nous la voyons seule, de l’autre côté de la scène, sous les projecteurs, regardant Macbeth et le centre de l’action. Après la scène désastreuse du banquet, dans laquelle Macbeth voit (ou croit voir) le fantôme de Banquo, la Lady M de Campbell se précipite vers cet avant-poste solitaire pour siroter un gobelet de vin – tout ce qui peut calmer ses nerfs de plus en plus ébranlés. Le sex-appeal et l’obsession mutuelle du pouvoir qui unissaient autrefois Macbeth et Lady Macbeth se sont transformés en suspicion, voire en terreur. Au moment où Lady Macbeth réapparaît dans la scène du somnambulisme (acte 5, scène 1, merveilleusement présentée ici), il n’est pas surprenant de constater qu’elle est devenue folle. Et Campbell apporte à cette représentation la même clarté et la même intensité qu’à Lady Macbeth, plus recueillie, plus tôt dans la pièce.
En revanche, Macbeth de Michael Girts est quelque peu opaque. Malgré une ligne merveilleusement claire – une caractéristique de toute la production – nous ne voyons pas toujours les émotions changeantes en dessous. Dans une certaine mesure, ce caractère impénétrable est intégré à la caractérisation de Macbeth par la production. C’est un tueur qui aime bien rire et qui peut faire du shadowboxing avec Fleance, le fils de Banquo – et apparemment s’amuser – quelques instants avant de lancer ses acolytes meurtriers sur le garçon et son père. À d’autres égards, Macbeth de Girts conserve un sentiment d’innocence perdue et même de vulnérabilité sympathique, au moins jusqu’aux scènes finales de la pièce.
Tous les enfants personnages de la pièce, y compris Fleance, sont interprétés avec des marionnettes. La sagesse de ceci, pas tout à fait claire au début, devient évidente dans l’attaque du château de Macduff dans l’acte 4, scène 2. L’extrême violence de cette scène – le massacre d’enfants avec des adultes – est difficile à mettre en scène et à regarder, tandis qu’une partie du dialogue entre Lady Macduff et son fils, censé préfigurer des événements à venir, peut paraître mélodramatique à un public moderne. Wild évite ces problèmes en employant des marionnettes, qui incarnent l’innocence enfantine tout en offrant la sécurité de la distance. Nous savons qu’ils ne sont pas réels. Néanmoins, le meurtre de marionnettes – des mères porteuses pour enfants – dans cette scène est profondément émouvant, en particulier celui du fils de Macduff. Il est manipulé par Julian Cividanes, qui joue lui-même Macduff. Alors que nous observons le fils fantoche dans ses tremblements mortels, nous ne pouvons nous empêcher de nous demander à quoi pense le « père ».
Ce lien ajoute une puissance émotionnelle à la scène suivante (acte 4, scène 3), dans laquelle Macduff, exilé à la cour anglaise, apprend le meurtre de sa femme et de ses enfants. C’est l’une des séquences les plus puissantes de la pièce et un moment pour Cividanes de briller, ce qu’il fait. Son chagrin est palpable, pour nous comme pour les autres personnages sur scène, et Wild donne judicieusement au moment de respirer. Ici comme ailleurs, un rythme réfléchi souligne la teneur émotionnelle de l’action.
Wild utilise également des marionnettes pour les sorcières, qui sont de grandes marionnettes de style bunraku avec des visages et des bras noueux. Néanmoins, ils parlent sur un ton quelque peu doux, nous rappelant leur attrait particulier pour Macbeth, non seulement en tant que prestidigitateurs, mais aussi – du moins dans cette production – en tant que sources séduisantes du pouvoir féminin, comme son épouse. Il convient particulièrement de noter la marionnette géante d’Hécate, principale des sorcières, qui montre à Macbeth l’avenir dans une série de silhouettes fantastiques. (Le design impressionnant de la marionnette est signé Ksenya Litvak.)
Il y a beaucoup d’autres choses à applaudir dans cette production, y compris la conception lumineuse de Minjoo Kim (éclairs, silhouettes, projection de canevas arrière), les costumes militaires de Cidney Forkpah (avec une touche de tartan pour les Écossais) et la conception sonore atmosphérique de Matt Nielson, qui donne le ton émotionnel et nous secoue dans nos sièges lorsque l’on frappe aux portes de la célèbre scène du portier (acte 2, scène 3). Là, Claire Hilton se vante, cajole et plaisante avec le public dans un rôle comique qui chevauche la terreur de chaque côté.
S’il est une pièce qui cherche à deviner l’avenir, c’est bien Macbeth. Dans cette production bien menée, bien jouée et bien conçue, nous savons que l’avenir est beau. Félicitations à ceux qui ne sont plus étudiants !
Durée : Environ deux heures et demie, entracte compris.
Macbeth, produit par la Shakespeare Theatre Company Academy, joue les 22, 24 et 25 juillet 2026 au Klein Theatre, 450 7th Street NW, Washington, DC, dans le répertoire de Twelfth Night. Les billets (25 $ ; 40 $ pour Macbeth et Twelfth Night) sont disponibles en ligne.
Macbeth
Réalisé par Alec Wild
Les notes de programme et les crédits des acteurs et de l’équipe créative sont ici.
Le programme STC Academy Summer Repertory 2026 est en ligne ici.
VOIR AUSSI :
Un monde merveilleux et amusant dans « Twelfth Night » de STC Academy (critique de Sophia Howes, 21 juillet 2026)
