Le retour au festival Glimmerglass, situé sur le lac Oswego dans le nord de l’État de New York, lieu d’« innovation, de créativité et de communauté » dans le domaine du théâtre musical, m’a donné l’impression d’un retour aux sources. Il y avait de nombreux passages à pleurer, mais de nouvelles lumières à célébrer. « La petite juge » est partie, la juge de la Cour suprême Ruth Bader Ginsburg, qui était traitée ici comme une sorte de rock star, qui bourdonnait dans une voiturette de golf et tenait une audience dans un programme qu’elle ancrait sur « l’opéra et le droit ». L’ancienne directrice artistique Francesca Zambello, qui a jonglé pendant de nombreuses années avec les tâches redoutables de la direction de deux compagnies, Glimmerglass et le Washington National Opera, est également partie. Mais à sa place à Glimmerglass, le nouveau directeur artistique et général Rob Ainsley a pris la relève en 2022, et, de l’avis général, il a été un choix judicieux, s’engageant à plein temps dans la communauté locale et construisant minutieusement sur la réputation et l’héritage de Glimmerglass en tant que compagnie estivale de premier plan pour développer l’opéra, ses artistes et son public pour le 21e siècle.
Clairement dans son élément, Rob Ainsley Il s'est assis avec moi pour parler des raisons pour lesquelles cela lui a semblé être une bonne décision. Il a partagé son enthousiasme à se faire des amis dans la communauté et, plus important encore, à assurer un avenir à Glimmerglass, à cultiver des donateurs. Pendant l'intersaison, il a déjà établi un excellent bilan en voyageant d'un océan à l'autre pour passer des auditions et dénicher des talents vocaux impressionnants pour le programme des jeunes artistes du festival. Il est tout aussi enthousiaste à propos de son personnel administratif et de production. « L'équipe est la meilleure du pays et une grande partie des dirigeants sont des femmes », s'est-il vanté avec joie. « Je ne pourrais pas être plus fier. »
Ainsley apporte une énergie nouvelle et un sens de l'amusement effervescent à son travail. La première nuit où j'ai assisté à un programme le week-end dernier, il est sorti pour prononcer son discours d'avant-rideau portant un nez de clown rouge et une perruque aux couleurs de l'arc-en-ciel. (Bon, donc le spectacle était Pagliacci.) Bien joué, Rob !
Ainsley entretient également de bonnes relations avec le directeur musical et chef d'orchestre principal du festival, Joseph Colaneri. Peut-être parce qu'ils sont tous deux musiciens, leur relation de longue date est fondée sur un respect mutuel et une profonde passion pour le répertoire lyrique classique. On sent qu'ils sont en phase et on imagine qu'ils partagent le point de vue selon lequel la musique dans l'opéra vient en premier et ne devrait probablement pas être recouverte du lourd manteau d'un concept radical. Colaneri a prononcé le deuxième discours d'avant-rideau du week-end alors que « Maestro Rob Ainsley » se dirigeait « vers le podium » dans la fosse d'orchestre pour diriger l'orchestre. La Calisto.
Ainsley avait fourni la nouvelle orchestration pour La Calisto et a encore renforcé son rôle de leader en jouant également du clavecin avec son collègue claveciniste J. Bradley Baker et en ancrant l'ensemble instrumental convenablement épuré. (Je dois également mentionner que l'orchestre comprenait le magnifique son de deux théorbesInstruments de luth baroques joués par Michael Leopold et Adam Cockerham.) Pour regarder Ainsley diriger tout en jouant du clavecin, en faisant une sorte de headbanging au ralenti pour indiquer le temps fort et déplacer le récitatif passages en avant, ajoutaient au plaisir de la soirée et à mon admiration de voir cet artiste à l'œuvre.
La Calisto est un opéra baroque écrit en 1651 par le compositeur Francesco Cavalli sur un livret de Giovanni Faustini. C'est une œuvre magnifique pour le Festival avec sa généreuse distribution de personnages, qui donne aux jeunes chanteurs l'occasion de briller dans des solos dans une musique pas trop exigeante pour la voix et leur permet de pratiquer des techniques particulières d'ornementation vocale baroque comme le trille (souvent appelé le « trille de chèvre », une attaque staccato répétée rapidement sur une seule note qui ressemble un peu à un bêlement).
Le scénographe Charlie Corcoran a encadré l'ensemble de la scène en rouge vénitien avec de lourdes ornementations architecturales dorées. C'est là que s'arrête le clin d'œil à la gloire d'une époque révolue. Au lieu de cela, Corcoran a repris le principe de la passion baroque pour la symétrie, mais l'a mis en œuvre à travers une scénographie épurée et contemporaine, utilisant de fins passepoils verticaux en néon, qui sont ensuite incorporés dans l'élégant éclairage d'Amith Chandrashaker, changeant de couleur tout au long de la soirée, passant du rouge au violet puis au bleu ciel, puis à l'orange et de nouveau au rouge, et utilisant un motif néon similaire dans un triangle isocèle géant sur le sol. Le scénographe Carlos Soto a habillé de nombreux acteurs avec de ravissants tissus aux tons de pierres précieuses et des silhouettes d'époque. D'autres, comme dans le monde des dieux, il les a parés comme s'ils étaient sur un tapis rouge hollywoodien ou à un gala du Met.
La metteure en scène Mo Zhou, lauréate d'une bourse Opera America 2023 pour les femmes metteurs en scène, dirige l'opéra avec un sens de la retenue pour les airs, ramenant les chanteurs au centre de la scène pour laisser l'art vocal régner. Ce faisant, elle favorise également un sentiment d'intimité entre le chanteur et le public afin que rien ne vienne perturber l'expansion émotionnelle d'une chanson.
L'opéra est plein de déguisements et d'identités erronées, avec une intrigue qui change constamment de point de vue. Jupiter, roi du panthéon des dieux romains, descend sur terre après une catastrophe non spécifiée, apparemment pour apporter la guérison, mais il se retrouve bientôt à ses vieilles habitudes de coureur de jupons avec des jeunes filles mortelles. Il semble que plus elles sont difficiles à obtenir, plus il veut les faire tomber. Dans ce cas, Calisto est une jeune fille qui se consacre à la déesse Diane et a fait vœu de chasteté en son nom. Alors, Zeus lui rend visite sous les traits de Diane et la séduit rapidement. Pendant ce temps, le berger Endymion est tombé amoureux de la vraie déesse. Étonnamment, Diane tombe amoureuse Salutm et lutte avec acharnement pour maintenir sa réputation de célibataire.
Le désir est un thème majeur de cet opéra, et on nous montre qu'il se déchaîne et grandit de manière exponentielle alors que Pan et une foule de nymphes et de satyres manifestent leur propre libertinage. On se retrouve à la limite d'une histoire d'amour baroque, jusqu'à ce que Junon apparaisse, venant sur terre pour maîtriser le comportement de son mari Jupiter. C'est une vieille histoire d'enfer sans fureur, et cette femme lésée cherche à se venger.
Craig Irvin est magistral dans le rôle de Jupiter, avec ses notes de basse riches et sa superbe clarté de diction. Emilie Kealani et Kyle Sanchez Tingzon sont les deux jeunes principaux mortels, et tous deux montrent qu'ils excellent déjà dans le son pur, agile et brillant de l'opéra baroque.
D'autres performances sont remarquables. Schyler Vargas vole presque la vedette dans le rôle de Mercure, l'acolyte et partenaire de séduction de Jupiter. Vêtu d'une combinaison métallique couleur cuivre, il porte le caducée identifiable de Mercure, une sorte de baguette magique ou de bâton, et en joue comme s'il s'agissait d'une guitare électrique et lui d'une rock star. L'alchimie qu'il affiche avec Irvin fait de leur relation une sorte de bromance entre garçons et de prédation masculine qui semble amusante. Taylor Raven chante le double rôle de Diane et de Jupiter en tant que Diane avec brio et passe de déesse glaciale à séductrice brûlante.
Eve Gigliotti est parfaitement choisie pour incarner Junon, apportant une grande autorité au rôle, mais elle transmet également la douleur qu'une femme ressent en vivant avec un mari coureur de jupons récidiviste. Malheureusement, nous voyons la déesse courroucée, tout comme dans notre propre société, déterminée à punir la victime féminine. La mortelle, désormais enceinte, Calisto est chassée dans le firmament, « libérée » sous forme d'étoile.
Namarea Randolf-Yosea est une merveilleuse Pan. Elle et l’ensemble des danseurs – Kailee Reagan Brandt, Peter Murphy, Blaise Rossmann, Emma Sucato et Truman Tinius, sous la direction chorégraphique extraordinaire d’Eric Sean Fogel – donnent vie à la scène avec un mélange radical de gestes baroques et de mouvements de danse populaires brûlants et fumants. Ils forment une équipe magnifiquement androgyne et, par une série de changements rapides de costumes, entrent sur scène transformées tantôt en nymphes féminines, tantôt en faunes et satyres masculins « broyeurs », tantôt en servantes statuaires de telle ou telle déesse.
L'année prochaine marquera le 50e anniversaire du Festival Glimmerglass, qui promet une fois de plus de faire progresser cette forme d'art en programmant un avant-goût de l'étendue de l'opéra du 21e siècle ; en combinant des offres du répertoire hérité et de nouvelles œuvres croisées ; en offrant des opportunités aux jeunes chanteurs-acteurs talentueux ; et en encadrant par l'exemple des sommités qui perfectionnent leur art de l'opéra..
Durée : Deux heures et 25 minutes.
Le festival Glimmerglass 2024 se poursuit jusqu'au 20 août 2024. Pour les billets et plus d'informations, visitez Glimmerglass.org ou appelez le 607-547-2255.
