Par Deryl Davis
Beaucoup des plus grands artistes du monde, comme le poète et dramaturge irlandais William Butler Yeats, se sont inspirés de mythes et légendes anciens. Mais tandis que les jeunes contemporains de Yeats, James Joyce et TS Eliot, se sont tournés vers l’épopée homérique et la romance arthurienne, Yeats – qui s’est également inspiré d’Homère – a extrait des sources plus proches de chez lui dans d’anciennes sagas sur le guerrier irlandais Cuchulain. Théâtre Scena Trois de Yeats explore cette mythologie nationale dans trois courtes pièces que Yeats a écrites dans les premières décennies du XXe siècle, alors que l’Irlande menait une guerre sanglante pour l’indépendance de la Grande-Bretagne.
Le mythe peut être un territoire dangereux, bien que passionnant, pour la création théâtrale. Ses histoires sont souvent fantastiques, ses personnages plus vrais que nature, ses décors grandioses sinon surnaturels. Cela exige presque une toile expansive. Vous pouvez soit aller grand, comme on dit, soit rentrer chez vous. Ou vous pouvez écrire des drames en vers expressément pour le salon, comme Yeats l’a fait dans la première des pièces proposées ici – Au puits du faucon (1915) – privilégiant la langue et le son sur l’action extérieure. Laissez l’imagination fournir la grandeur héroïque. Cela nous amène à ce qui est presque un aléa professionnel pour les poètes qui écrivent des drames en vers : qu’est-ce qui est le plus important, la langue ou l’action ? Où est l’attention du public ?
Ce n’est pas entièrement la faute de Scena Theatre si le court-métrage joue dans Trois de Yeats apparaissent plus comme des drames cachés mieux lus et entendus que comme des pièces à part entière destinées à la scène. Les pièces ou saynètes — Au puits du faucon (1915), La mort de Cuchulain (1939), et Purgatoire (1938) – mettent l’accent sur le langage et l’histoire mais offrent peu de développement du personnage ou d’implication émotionnelle dans l’action sur scène. Quand le vieil homme dans Purgatoire raconte à son fils adolescent la disparition de leur famille – illustrée dans le rasage littéral du manoir familial – et du meurtre de son propre père, nous pouvons presque voir comment l’histoire fantomatique se terminera, mais nous ne le ressentons pas vraiment. De même, la rencontre entre Cuchulain et un vieil homme au puits du faucon – un endroit dont l’eau est censée transmettre l’immortalité, pourrait-on la boire – ne transmet pas la menace à laquelle on est amené à s’attendre. La dernière pièce de la série, La mort de Cuchulain, se sent lourd d’exposition, alors que des personnages de la vie de Cuchulain, y compris son ancien amant Eithne, une déesse de la guerre à tête de corbeau, et un aveugle narguent tous le guerrier mourant à travers des références à son passé qui peuvent sembler obscures pour le public contemporain. En conséquence, les acteurs de Scena ont une gamme limitée de matériel de personnage à explorer et peuvent parfois être tentés de surjouer. Heureusement, ce n’est pas souvent.
En train de regarder Trois par Yeats, on a le sentiment que le grand poète ne se soucie pas vraiment des éléments dramatiques habituels de tension, de catharsis ou même de connexion émotionnelle. Au contraire, il semble donner une leçon de folklore traditionnel et de mythologie aux personnes qui seront bientôt les citoyens d’une nation nouvellement indépendante nécessitant ses propres pierres de touche culturelles – comme les contes de Cuchulain. Entre les première et deuxième pièces, le réalisateur Robert McNamara, sous les traits d’un des premiers réalisateurs flamboyants de ces œuvres, vient en informer le public, décrivant une partie du contexte culturel des drames et reconnaissant à plusieurs reprises qu’ils sont maintenant « démodé », mais il est difficile à entendre et son commentaire semble étranger. Mieux vaut peut-être un cadrage historique de ces pièces comme une sorte de propagande culturelle, exécutée par l’un des plus grands poètes du monde, dans une tentative de reconnecter le public irlandais avec un passé folklorique qui lui est entièrement propre. (Après des centaines d’années de domination anglaise, un tel effort de récupération culturelle était sans aucun doute indispensable.) On pourrait imaginer une discussion post-émission très intéressante autour de ce sujet.
Si la mise en scène de ces pièces par Scena n’a pas l’ampleur épique que le matériau semblerait exiger, la compagnie tente de le compenser en faisant un clin d’œil au mouvement stylisé et à l’atmosphère rituelle d’un drame nô japonais, l’une des influences reconnues de Yeats. Entre les mains d’un maître chorégraphe et de danseurs hautement qualifiés, comme ceux régulièrement employés par le Synetic Theatre d’Arlington, cette stylisation et cette abstraction peuvent imprégner même le drame le plus simple d’une touche d’un autre monde. Ici, des considérations artistiques et peut-être des limitations spatiales dans le très petit théâtre du DC Arts Center rendent ce type de transport insaisissable. Au lieu de cela, la danse du Gardien du Puits dans Au puits du faucon — un moment de signal dans le court drame que Yeats lui-même a remarqué – peut sembler forcé, et les effets vocaux en direct des membres de la distribution semblent moins qu’efficaces. On pourrait souhaiter une conception sonore plus solide pour soutenir les moments de transition entre les pièces et dans l’action et, peut-être, un ensemble musical plus robuste que l’offre actuelle de pennywhistle et de petits tambours, bien que David Johnson, Robert Sheire et Aniko Olah fassent un travail adéquat. travailler avec ce qu’ils ont. De même, on souhaiterait peut-être faire plus avec le panneau de bois (peint en rouge) à l’arrière de la petite scène, qui est le seul décor significatif. Représente-t-il l’effusion de sang, qui est une idée importante dans au moins deux des pièces ? Pourrait-il être fait pour représenter certains des aspects mythologiques des histoires elles-mêmes, ou même suggérer l’écran délicat d’un drame nô japonais ?
Les éloges doivent aller au Scena Theatre, à son directeur, ainsi qu’aux acteurs et à l’équipe de Trois de Yeats pour mettre en scène des œuvres poétiques qui sont, presque certainement, plus souvent lues que vues. C’est une tâche épique, entreprise avec un engagement et des ressources limitées. S’ils n’ont pas entièrement gagné la journée, eh bien, Cuchulain non plus.
Durée : Environ 75 minutes, sans entracte.
Trois par Yeats joue jusqu’au 4 juin 2023 (du jeudi au samedi à 19h30, dimanche à 14h30), présenté par Scena Theatre au DC Arts Center, 2438 18th St. NW, Washington, DC. Achetez des billets (40 $) en ligne.
Sécurité COVID : Les masques sont facultatifs.
Trois de William Butler Yeats
MOULÉS
Au puits du faucon
Chanteurs : Danielle Davy, Aniko Olah et Melissa Robinson
Vieil homme : Ron Litman
Jeune homme : Lee Ordeman
Gardien du Puits : Ellie Nicoll
Doublures : Kim Curtis « Old Man » ; Aniko Olah « Gardien » Danse
Purgatoire
Vieil homme : Buck O’Leary
Garçon : Robert Sheire
La mort de Cuchulain
Musicien : David Johnson
Vieil homme : Robert McNamara
Cuchulain : Lee Ordeman
Eithne Inguba : Danielle Davy
Aoife: Ellie Nicoll
Emer : Aniko Olah
Le Morrigu : Melissa Robinson
Un aveugle : Ron Litman
Un serviteur : Robert Sheire
Chanteuse : Danielle Davy
Un chanteur, joueur de cornemuse, batteur : David Johnson, Robert Sheire et Aniko Olah
Doublures : Kim Curtis « Cuchulain » ; Anne Nottage « Le Morrigu » ;
Stacy Whittle « Aoife »‘ Aniko Olah « La danse Morrigu »
CONCEPTEURS
Mise en scène et direction artistique : Robert McNamara, direction musicale : Scott Morrison, conception sonore : Denise Rose, conception lumière : Marianne Meadows, conception costumes : Mei Chen, consultante costumes : Alisa Mandel, scénographie/masques : John D. Antone, chorégraphe : Kim Curtis, coach de mouvement/danse : Lee Ordeman, assistante à la mise en scène : Anne Nottage, régisseuse : Sarah Graham
