Le saignement de nez, écrit et réalisé par Aya Ogawa, traite de la manière dont nous échouons – ou croyons que nous échouons – nos familles et nous-mêmes. À vrai dire, dans cette production, contrairement à de nombreuses productions auxquelles vous pourriez assister, le «nous» qui fait l’objet de cette exploration n’est pas un «nous» générique, universel ou royal. La production est structurée de manière à ce que chaque personne dans le public ait la possibilité d’identifier, pour elle-même, des moments de sa propre relation familiale sur lesquels il y a des questions qui n’ont pas été abordées. Chaque personne peut ensuite poser sa question dans l’intimité qu’offrent le crayon et le papier. L’un des moments les plus touchants de la production est la façon dont, sans violer la vie privée ou la sécurité, ces questions deviennent une partie d’un rituel de deuil le soir.
Le saignement de nez La performance se compose à la fois de théâtre scénarisé et de récits communautaires non scénarisés auxquels participent à la fois les interprètes sur scène et les membres du public. C’est intelligent, ludique, tendre et poétique. Et drôle. Il est magnifiquement conçu à la fois dans la performance et la mise en scène.
Un jour où Aya se rend dans la chambre de son fils pour savoir pourquoi il pleure, elle découvre que l’enfant saigne du nez. Le saignement de nez du fils amène Aya à penser à sa propre compétence en tant que parent, et cela la pousse à se souvenir de sa relation avec ses propres parents. L’histoire centrale de la pièce est celle de la relation d’Aya avec ses parents et les questions non posées et sans réponse concernant la relation de ses parents et les attentes de ses parents. Ces dynamiques familiales sont aggravées par la relation de la famille avec les États-Unis en tant qu’immigrants japonais et la dynamique impliquée dans le fait de grandir en tant que personne non blanche aux États-Unis.
Le dramaturge utilise une combinaison de techniques du psychodrame, du théâtre de lecture, du théâtre des opprimés, ainsi que du théâtre conventionnel, qui nous donnent en tant que public la permission d’être conscients du bagage très humain que, d’une manière experte, nous portons tous , nos bagages cachés dans des sacs à dos invisibles.
Ce voyage est accompagné d’une compagnie d’acteurs talentueux et très polyvalents (Ashil Lee, Kaili Y. Turner, Saori Tsukada, Drae Campbell, Cody Nickell) qui incarnent incisivement Aya et interagissent de temps à autre avec le public. Ogawa elle-même incarne tour à tour son fils qui saigne du nez et son propre père plein d’exigences, d’espoirs, d’attentes et de silence. Chaque acteur interagit avec le public à différents moments pour poser des questions telles que « Qui ici a un père? » Ou pour inviter les membres du public à participer de manière plus active.
Étant donné qu’il s’agit d’une émission sur nos vies et comment nous les vivons, je ne pense pas que ce soit un spoiler de dire que le père meurt. C’est cette connaissance universelle de la mort inévitable qui donne de l’urgence à la fois aux questions qu’Aya se rend compte qu’elle doit poser à son père et aux questions que les acteurs nous demandent, au public, d’écrire de nos propres vies. Cette connaissance universelle de la mort et de la relation espérée donne également lieu à 1) une spectaculaire séquence de transformation vers la fin de la pièce (le scénographe Jian Jung et la conceptrice lumière Jeanette Oi-Suk Yew) et 2) un rituel poignant reliant le spectateur questions pour leurs différents pères avec les questions d’Aya pour son père.
L’idée du besoin d’« histoire » et de « narration » est très populaire de nos jours en politique et en développement communautaire. Cela est particulièrement vrai dans les zones où l’hyper-gentrification menace d’effacer la mémoire et les preuves des personnes qui vivent dans une certaine zone depuis des générations. C’est aussi pertinent alors que nous nous battons pour savoir ce qu’est la « vraie » Amérique. Le besoin d’histoires ou de mythes partagés alors que nous négocions la direction que prendra notre société est palpable. Les processus qui Saignement de nez emploie pour nous permettre, à nous le public, de reconnaître les histoires que nous portons en nous-mêmes peut indiquer un changement de paradigme à la fois dans le contenu et dans le processus de narration d’histoires que nous pouvons tous partager.
Durée : 75 minutes sans entracte.
Le saignement de nez joue jusqu’au 23 avril 2023 à la Woolly Mammoth Theatre Company, 641 D Street NW, Washington, DC. Les billets (20 $ à 70 $) peuvent être achetés en lignepar téléphone au 202-393-3939 (du mercredi au dimanche, de 12h00 à 18h00) ou en personne au bureau des ventes au 641 D Street NW, Washington, DC (du mercredi au dimanche, de 12h00 à 18h00). :00h).
L’affiche numérique pour Le saignement de nez est ici.
Sécurité COVID : Tous les membres du public et du personnel sont tenus de porter un masque à l’intérieur de l’espace du théâtre. Les masques sont fortement recommandés dans tout le bâtiment.
Le saignement de nez
Écrit et réalisé par Aya Ogawa
JETER
Aya 0 : Aya Ogawa
Aya 1 : Ashil Lee
Aya 2 : Kaili Y. Turner
Aya 3 : Saori Tsukada
Aya 4 : Drae Cambell
Homme blanc : Cody Nickell
Doublure (Aya 0-4) : Manatsu Tanaka
ÉQUIPAGE ET ASSOCIÉS DE CONCEPTION
Scénographe et costumier : Jian Jung
Concepteur lumière : Jeanette Oi-Suk Yew
Concepteur sonore : Megumi Katayama
Régisseur : Madolyn Friedman
Régisseur adjoint : Jazzy Davis
Responsable de la sécurité COVID : Briana Padgett
Programmeur lumière : Scott Monnin
Opérateur lumière et son : Jaimee Fricklaas
Superviseur de la production sonore : Levi Manners
Dresseur : Thopmas Nagata
Couverture de l’équipe : Sarah Greenberg
Électriciens : Jaimee Fricklasa, Milan Robinson, Angela Armstrong, Sydney Bronaugh
Directrice associée/BOLD Rising Director : Nailah Unole didanas’ea Harper-Malveaux
Conceptrice lumière associée : Christina Tang
Concepteur sonore associé : Bryn Scharenberg
