Par Bob Bartlett
Il y a quelques étés, j’ai eu la chance de suivre un atelier dirigé par EM Lewis au Kennedy Center. Après l’avoir rencontrée et entendu parler de son travail, je me suis précipité pour lire quelques-unes de ses pièces, puis je suis allé à New York pour voir sa pièce remarquable. Le spectacle d’armes à feu. Depuis lors, nous sommes devenus des collègues et de bons amis, et parfois des copains d’écriture – elle m’a laissé l’entraîner dans une websérie loufoque Zoom à deux mains, Port de canard, que 1st Stage a duré quelques mois au cours du deuxième été de COVID, et que nous avons écrit ensemble chaque semaine pour une performance hebdomadaire en direct sans répétition. Il n’est donc pas surprenant que j’aie été plus que ravi de voir l’une de ses dernières pièces, Comment la lumière entreune belle histoire d’un écrivain voyageur qui ne voyage jamais et qui ouvre ce week-end au 1er Stade.
J’ai eu la chance de discuter cette semaine avec Ellen de sa pièce. Comme la plupart des écrivains, je suis toujours curieux de connaître le processus d’un autre écrivain – et comment se déroule la narration pour la scène – et surtout le processus d’un ami.
Alors Ellen. Bienvenue à Virginia et dans la région de DC pour le week-end d’ouverture de Comment la lumière entre. Je suis curieux de connaître les origines de la pièce. Comment cela a-t-il commencé ?
Eh bien, pour être honnête, je traversais des trucs. Il y a six ans, j’ai reçu un diagnostic médical assez brutal et absolument inattendu. Et quelque part entre les rendez-vous chez le médecin et les chirurgies et radiothérapies, ces personnages sont arrivés dans ma tête pour me tenir compagnie. J’étais vraiment reconnaissant pour eux parce qu’être malade est une sorte de travail solitaire. Et effrayant. Et accablant. J’essayais de marcher tous les jours pendant le rayonnement, de haut en bas de cette belle colline près de chez moi dans l’Oregon, et je me souviens avoir dû faire une pause pour griffonner de petits morceaux de dialogue sur le papier dans ma poche, alors que les personnages commençaient à me parler, et les uns aux autres.
Le jeu est-il venu facilement?
C’est venu vite, ce qui n’est pas exactement la même chose. Je pense que j’ai eu un brouillon désordonné dans environ six mois, et j’ai eu une lecture de ce brouillon au Fertile Ground Festival de Portland. Je l’ai développé plus avant avec les gens formidables de Boston Court Pasadena, en Californie. Cela faisait partie de leur nouveau festival de pièces de théâtre, puis nous l’avons emmené à Chautauqua à New York, puis il y a eu sa première mondiale en 2019. Pendant tout ce temps, j’écrivais et réécrivais. Tout au long des aperçus, nous apportions des modifications. Trouver des choses ! La pièce a ensuite remporté le Steinberg New Play Award de l’American Theatre Critics Association et a été publiée par Samuel French.
Pourquoi avez-vous eu besoin d’écrire cette histoire ?
Quand j’enseigne l’écriture dramatique – ce que je fais parfois – je dis à mes élèves que les pièces sont faites par des dramaturges. Nous mettons tout ce que nous sommes dans nos histoires – nos peurs et nos désirs, les choses que nous apprécions, les choses qui nous font rire, nos grandes questions sur l’univers… toutes sortes de choses ! J’étais un peu en morceaux quand j’ai commencé à écrire cette histoire, et le processus d’écriture m’a aidé à me reconstituer.
Êtes-vous dans l’un des personnages de la pièce ? (Vous n’êtes pas obligé de répondre à celle-ci. Vraiment.)
Il y a une part de moi dans tous ces personnages. J’imagine que ce serait facile pour les gens de supposer que je suis Grace, mais ce n’est pas vraiment comme ça que ça marche pour moi quand j’écris. Nous avons des choses en commun, mais elle est sa propre personne. Et j’ai aussi des choses assez fondamentales en commun avec Haruki – même si vous ne le devinez peut-être pas en me regardant ! J’aime beaucoup ces quatre personnages et je suis content qu’ils se retrouvent au cours de la pièce. Je suis content qu’ils se connaissent.
Le titre de votre pièce, bien sûr, est tiré de la chanson « Anthem » de Leonard Cohen. (j’ai acheté l’album [The Future] le jour de sa sortie en 1992 !) La chanson – et les paroles – sont-elles avec vous depuis longtemps ? Qu’est-ce qui est venu en premier pour vous : la chanson ou votre histoire ? À quel moment de votre processus le titre est-il venu ?
J’aime Léonard Cohen ! Il y a quelque chose dans ses chansons qui donne un temps égal au sacré et au profane, au corps et à l’âme, qui m’y ramène encore et encore. (J’ai en fait nommé trois ou quatre personnages dans différentes pièces Leonard ! Ha !). J’adore son « Hallelujah », bien sûr, et la chanson « Famous Blue Raincoat » qui est une lettre. « Chelsea Hotel #2 » est mon préféré ! Mais cette ligne de « Anthem » a sonné dans ma tête comme une cloche à un moment donné, au début, quand je travaillais dessus.
Sonnez les cloches qui peuvent encore sonnerOubliez votre offre parfaiteIl y a une fissure, une fissure dans toutC’est ainsi que la lumière entre
Je savais que c’était mon titre. Je trouve généralement mes titres assez tôt dans le processus d’écriture, et ils changent rarement.
Ce n’est pas la première fois que votre travail est produit par 1st Stage. Comment vous et Alex Levy, le réalisateur de Comment la lumière entre et le directeur artistique de 1st Stage, se rencontrent ? Qu’est-ce que ça fait de travailler avec un réalisateur qui vous connaît si bien, vous et votre travail ?
Alex et moi nous connaissons depuis quelques années maintenant ! Nous nous sommes rencontrés à peu près au moment où il est devenu directeur artistique de 1st Stage. Je ne me souviens pas exactement qui nous a présentés. Je me souviens d’une merveilleuse première conversation avec lui dans la gare de DC. Nous avons travaillé intensément ensemble sur la première de ma pièce Vient maintenant la nuit, qu’il a mis en scène dans le cadre du DC Women’s Voices Theatre Festival. C’est une pièce très intense sur la guerre, l’amitié, la culpabilité et les fantômes. Je pense que ça nous a liés ! Et puis il a apporté notre production de Portland de Le spectacle d’armes à feu au Festival de Logan. Et puis, il a travaillé avec vous et moi pour créer notre web série Port de canard! J’adore travailler avec Alex. Il comprend mes personnages. Nous avons tous les deux un amour profond pour la magie du théâtre. Il est si intelligent, mais il a aussi des tripes et du cœur. J’ai quelques réalisateurs maintenant, à ce stade de ma carrière, avec qui j’ai pu travailler sur plusieurs projets, au fil des années d’amitié et de travail acharné, de renforcement de la confiance et de narration. C’est un super cadeau. Je suis un dramaturge reconnaissant !
Parce que ce n’est pas la première production de la pièce – et que vous vivez sur la côte ouest – j’imagine que vous n’avez pas eu beaucoup d’interaction avec Alex, les acteurs et les concepteurs. Comment vous préparez-vous à entrer dans un théâtre et à voir une histoire, et les humains et le monde que vous avez imaginé/créé, construit sans vous ?
Alex m’a invité à zoomer sur la première répétition, j’ai donc pu voir les acteurs et certaines des présentations de conception. Mais vous avez raison de dire que cette deuxième production a été construite en grande partie sans moi. Ou je suppose qu’il est plus exact de dire, avec seulement ce que je leur ai proposé sur la page. Je ressens toutes les émotions, alors que je vole vers l’est pour voir ce qu’ils ont fait de mon histoire ! Et une partie de cela est due au fait qu’il y a vraiment des trucs personnels tissés dedans, une partie de ma propre obscurité et de ma lutte pour trouver la lumière. C’est une dramaturge chanceuse qui a l’opportunité de voir son travail sortir dans le monde sans elle et de trouver de nouvelles maisons sur des scènes plus lointaines ! Et j’ai une profonde confiance en Alex Levy. C’est la quatrième fois que nous avons l’opportunité de travailler ensemble ! J’ai l’impression qu’il est une âme sœur, un réalisateur audacieux et au grand cœur et un bon nouveau type. Je suis content que ce soit lui qui se charge de la deuxième production de cette pièce.
L’histoire que vous racontez dans la pièce est puissante et tellement belle. Je n’ai pas encore vu la production (j’amène un groupe de mes élèves ce week-end !), mais j’ai pleuré en lisant la pièce. Qu’espérez-vous que le public ressentira en quittant le théâtre ?
Merci pour ça! Qu’est-ce que j’espère que le public ressentira en quittant le théâtre ? Eh bien, au cours des dernières années, en particulier, il y a eu beaucoup de pertes dans nos communautés, beaucoup de fractures et de ruptures, beaucoup d’isolement. Ce fut une période solitaire et déconcertante. J’ai entendu une fois Edward Albee dire [quoting the phrase] que les jeux devraient « affliger les confortables ou réconforter les affligés ». J’espère que les gens sortiront du théâtre après avoir vu cette pièce en se sentant plus courageux, plus connectés les uns aux autres et pleins de joie. C’est une histoire d’amour, après tout ! Quels que soient les défis auxquels les personnages sont confrontés en cours de route, cela devrait se terminer dans la joie.
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Bob Bartlett est dramaturge et professeur de théâtre à la Bowie State University dans le Maryland. Ses pièces comprennent syndicatune nouvelle pièce sur les années de vie et d’amour de Walt Whitman à Washington, DC, pendant la guerre civile ; Le Régulier (Finaliste O’Neill 2022; Conférence des dramaturges Seven Devils 2020); E2une adaptation de Christopher Marlowe Edouard II, qui a récemment fait sa première au Maryland’s Rep Stage; Nager avec les baleines (1ère étape); bonheur (et autres raisons de mourir) (Les Soudeurs); et L’ours accidenté (L’Avenue Laverie). Sa pièce d’horreur, Lýkos Anthroposrécemment créée dans une clairière boisée du centre du Maryland, et sa dernière comédie romantique vraiment intelligente, L’amour et le vinyle, premières plus tard ce printemps à KA-CHUNK !! Records au centre-ville d’Annapolis. (bob-bartlett.com)
Comment le Lumière Obtient Dans se joue jusqu’au 19 mars 2023 (les jeudis à 19h30, les vendredis à 20h, les samedis à 14h et 20h et les dimanches à 14h), au 1er étage, 1524 Spring Hill Road, Tysons, VA. Pour acheter des billets (15 $, étudiant, militaire, éducateurs; 47 $, aînés; 50 $, admission générale; 35 $, jeudi soir), rendez-vous en ligne ou appelez le 703-854-1856. Les 20 premiers billets pour chaque représentation ne coûtent que 20 $. De plus, un pass YES pour les lycéens du comté de Fairfax offre des abonnements gratuits. Voir les détails ici.
Des sous-titres et une description audio seront proposés pour certaines performances. Vérifiez 1stStage.org pour le calendrier.
S’y rendre.
Sécurité COVID : Tous les clients, bénévoles et membres du personnel doivent être masqués lorsqu’ils se trouvent à l’intérieur des installations du 1st Stage Theatre. Consultez les informations complètes sur la sécurité COVID de 1st Stage ici.
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