Unbound Japan est une série d’interviews mettant en vedette des professionnels de l’industrie du divertissement basés à l’étranger et ceux qui diffusent la musique japonaise dans le monde. Cet épisode présente le producteur de musique Taka Perry. Né et élevé en Australie d’un père américain et d’une mère japonaise, il y a construit sa carrière de producteur avant d’étendre son travail au Japon. En 2024, « Touch » du groupe international de filles KATSEYE, qu’il a écrit et produit, est devenu un énorme succès. Le producteur de 28 ans a parlé de sa carrière et de son processus créatif dans cette interview avec Billboard Japan et a expliqué à quoi il ressemble à la musique japonaise en tant que personne née en Australie et élevée dans la culture musicale occidentale.
Vous avez lancé votre carrière en Australie, d’où vous êtes originaire.
Je suis né et j’ai grandi à Canberra et j’y ai vécu jusqu’au lycée. Canberra est la capitale, mais sa population est relativement peu nombreuse. Je voulais faire de la musique depuis le lycée, mais en Australie, la plupart des gens qui souhaitent faire de la musique vont à Sydney ou à Melbourne pour le faire. J’ai choisi Sydney et j’y ai déménagé peu de temps après avoir obtenu mon diplôme d’études secondaires.
Quand avez-vous commencé à vous intéresser à la production musicale ?
J’ai joué de la clarinette dès l’école primaire, mais au collège, j’ai commencé à apprendre la guitare en autodidacte parce que je voulais faire partie d’un groupe de rock n roll. À partir de là, je me suis tourné vers la basse et le piano, et j’ai formé un groupe avec des amis reprenant Red Hot Chilli Peppers et Nirvana. Je voulais enregistrer nos propres chansons, et après que mes parents m’ont acheté une DAW pour mes 12 ans, je suis devenu accro à l’écriture et à la production de chansons. Puis, peu à peu, je suis devenu plus attiré par le travail en coulisses que par le fait de faire partie d’un groupe.
Quand avez-vous commencé à vous développer au Japon ?
J’ai commencé à réfléchir sérieusement à travailler au Japon vers 2019-2020, juste avant le COVID. J’étais alors producteur en Australie depuis quatre ou cinq ans et j’obtenais d’excellents résultats. Mais l’industrie y est de taille limitée, donc une fois que votre carrière atteint un certain point, beaucoup de gens déménagent à Los Angeles ou à Londres, ou plus récemment en Corée du Sud. Je parle japonais et je connais la culture japonaise, j’ai donc pensé que ce serait un gaspillage de ne pas m’impliquer dans la scène japonaise.
À l’époque, j’admirais JP THE WAVY et WILYWNKA et j’ai commencé à faire des sessions au Japon dans le but de devenir un beat-maker hip-hop. Je venais au Japon trois ou quatre fois par an, pour trois ou quatre semaines à chaque fois. Je DM avec des artistes, je fais des séances avec eux, puis je rentre chez moi. Au fur et à mesure que je continuais, je me suis retrouvé avec plus de travail en provenance du Japon que d’Australie. J’ai décidé que je devais vivre au Japon, à la fois pour ma carrière et personnellement, j’ai donc déménagé ici l’année dernière.
Après avoir travaillé sur la scène musicale australienne, avez-vous rencontré des difficultés lorsque vous avez commencé à travailler sur la scène musicale japonaise ?
Au moment où j’ai décidé de commencer à faire de la musique au Japon, j’ai eu la chance d’avoir déjà eu des résultats et des crédits en tant que producteur en Australie. Si j’avais amené cela aux États-Unis, disons, cela se serait répercuté dans une certaine mesure, puisque les deux sont de la musique occidentale et que les deux sont anglophones. Mais quand je suis arrivé au Japon, la plupart du temps, je n’ai pas trouvé d’artistes ou de gens de l’industrie japonais. Le plus difficile pour moi et pour mes dirigeants de longue date a donc été de reconstruire la carrière que j’avais bâtie à partir de zéro. Le faire sans éditeur pour nous aider à naviguer dans un secteur aussi unique est quelque chose dont nous sommes incroyablement fiers.
Nous aimerions également entendre parler de certaines des chansons que vous avez produites. « Younger » de l’artiste australien Ruel, sorti en juin 2018, a remporté le prix Breakthrough Artist aux ARIA Music Awards d’Australie et a été certifié multi-platine par l’Australian Recording Industry Association (ARIA). Comment en êtes-vous arrivé à participer à sa production ?
J’ai rencontré M-Phazes, qui était le producteur de Ruel depuis des années, une fois lors d’un camp de co-écriture. Après cela, je lui ai régulièrement envoyé des démos et des playlists. Quand il travaillait sur l’EP de Ruel, il m’a invité en me disant : « Si tu es partant, pourquoi ne viens-tu pas en studio quelques jours et on fera des trucs ensemble ? Je ne savais pas comment les choses que nous avions faites au cours de ces deux jours seraient utilisées, mais plus tard, il m’a dit : « Nous avons décidé d’utiliser vos parties de cette chanson et de cette chanson. » C’étaient « Plus jeune » et « Je ne pense pas à toi ». Après la sortie, ils ont commencé à figurer dans les charts, et « Younger » a été certifié multi-platine quand j’avais 20 ans.
Et puis il y a « Touch » de KATSEYE qui est devenu un énorme succès mondial. Avez-vous eu l’impression que la chanson s’est répandue dans le monde entier au fur et à mesure qu’elle se produisait ?
Je l’ai fait. J’étais un fan de NewJeans et je voulais faire des morceaux dans le style de NewJeans, alors j’ai fait une session à Sydney avec un ami auteur-compositeur pour écrire quelques toplines sur certaines de mes idées musicales. L’une des chansons de cette session était la version démo de « Touch ». Mon ami l’a envoyé au producteur Cashmere Cat, qui l’a également aimé. Il l’a joué pour le patron de HYBE, qu’il connaissait. Il l’a également aimé et a dit qu’il voulait l’utiliser comme chanson signature pour un groupe de pré-début appelé KATSEYE. Mais comme ils n’avaient pas encore fait leurs débuts, je n’avais aucune idée à ce moment-là de l’ampleur de cette sortie. Donc, jusqu’à ce qu’il soit publié et commence à devenir viral dans différents pays, je n’avais aucun moyen de prédire ce qui allait se passer. Je regardais les réseaux sociaux en temps réel tous les jours et je me disais : « Ce sont encore les groupes les plus écoutés au monde aujourd’hui ! »
Ce fut donc un grand succès né de relations personnelles. Travaillez-vous sur beaucoup de projets K-pop comme celui-là ?
Je produis également régulièrement en Corée du Sud. Juste après la sortie de « Touch » de KATSEYE, j’y allais pour des sessions à peu près autant qu’au Japon. Une partie de ce travail a conduit à des sorties, mais en Corée, presque tout passe par des présentations compétitives. Et depuis que la K-pop est devenue une activité mondiale, elle ne concerne pas uniquement les producteurs et auteurs-compositeurs coréens. Je pense que les Américains, les Britanniques, les Suédois et d’autres font des séances à Séoul tous les jours.
Ces derniers temps, les artistes japonais ont une vision de plus en plus ouverte sur le monde. Pensez-vous à inclure des éléments destinés aux marchés étrangers ?
Ce n’est pas quelque chose que je fais délibérément, mais je fais de la musique qui garde une ambiance japonaise tout en ayant un son véritablement global et facile à comprendre pour les auditeurs étrangers. C’est un équilibre dont je suis personnellement satisfait.
D’où pensez-vous que vient cette « sensation japonaise » ?
Concrètement, il s’agit de choses comme emballer beaucoup d’informations ou avoir le changement de tonalité dans le refrain. Je pense que la musique japonaise a des paroles fortes. À l’étranger, il est presque rare que les paroles changent entre le premier et le deuxième refrain. Ou que la tonalité ne change que dans le troisième refrain. La musique japonaise est complexe. Je pense que c’est une bonne chose, car cela fait partie de son identité.
Nous espérons que les personnes visant la scène mondiale liront cette série et en repartiront encouragées. Si vous deviez donner des conseils à quelqu’un qui souhaite relever un défi à l’étranger, que diriez-vous ?
Tout d’abord, si vous souhaitez relever un défi à l’étranger, je pense qu’il est très important de vous rendre là où vous souhaitez le faire. De nos jours, vous pouvez nouer toutes sortes de relations sur les réseaux sociaux, mais si vous souhaitez travailler à Los Angeles, par exemple, allez à Los Angeles et établissez des liens là-bas. En termes de production musicale, les collaborations peuvent désormais se faire entièrement à distance. Malgré cela, je pense que travailler face à face, où l’on peut voir les expressions de chacun, produit des chansons avec une âme plus créative. C’est important d’aller dans toutes sortes d’endroits, d’entrer en contact avec toutes sortes de personnes et de composer des chansons ensemble.
Y a-t-il quelque chose que vous aimeriez entreprendre ensuite ?
Je serais vraiment heureux si je pouvais jouer un rôle actif en faisant progresser la scène musicale japonaise sur la scène mondiale. Je ne pense pas qu’il existe de nombreux producteurs bilingues basés au Japon qui s’intéressent énormément à ce sujet. J’aimerais mettre mes atouts uniques à profit dans ces situations, forger davantage de collaborations entre le Japon et d’autres pays et présenter davantage de musique japonaise aux artistes à l’étranger.
—Cette interview de Sakika Kumagai est apparue pour la première fois sur Billboard Japan
