Deux questions planent sur la production de Ma belle dame actuellement en tournée au National, un ancien, un nouveau.
L’ancien a tourmenté la pièce depuis avant était ma belle dame, à partir du moment où George Bernard Shaw a écrit sa source, Pygmalion, basé sur le mythe classique d’un sculpteur qui donne vie à sa création et tombe amoureux d’elle, il y a 110 ans. Comment conciliez-vous l’histoire d’une femme qui accède à l’indépendance avec les genres de la comédie, de la romance et de la comédie musicale, qui exigent presque que les protagonistes se mettent en couple à la fin ?
La nouvelle est de savoir comment mettre à jour un spectacle classique de près de 70 ans à notre époque tout en conservant le charme qui a amené certains à l’appeler la comédie musicale parfaite de Broadway?
Traitons d’abord du second. Ce Ma belle dame a tous les éléments qui ont ravi le public pendant des décennies, ce qui a valu à cette renaissance 10 nominations aux Tony au Lincoln Center en 2018.
À partir du moment où le public entre dans le théâtre et voit l’impressionnante aquarelle du dôme emblématique de Londres, Saint-Paul, sur le canevas, nous savons que les valeurs de production seront élevées. L’ensemble de Michael Yeargan, qui alterne entre des appartements mobiles mais finement peints et illuminés et une bibliothèque coulissante à deux étages et lambrissée, est à la fois flexible et somptueux. Les changements de scène sont accomplis en douceur par les personnages costumés, généralement découpés sur un cyclorama coloré. Une touche gracieuse implique trois lampadaires de différentes hauteurs, qui s’arrêtent périodiquement au centre d’une ligne avant d’être poussés vers leurs nouvelles positions. L’ensemble de la bibliothèque possède une impressionnante fenêtre en arc à double hauteur avec un arbre et un espace de jeu derrière, bien que l’éclairage de Donald Holder, par ailleurs excellent, pourrait mieux indiquer ce qui semblait être son objectif principal : faire la différence entre le jour et la nuit. Et dans l’un des rares choix déconcertants du réalisateur Bartlett Sher, un policier ayant un rendez-vous à l’extérieur de la fenêtre éclipse totalement les directeurs pendant la scène de la « tasse de thé », simplement pour contourner le fait qu’il n’y a pas d’oiseau dans la cage à oiseaux d’Eliza pour que Higgins se nourrisse. gâteau à. Certaines réinterprétations posent plus de problèmes qu’elles n’en résolvent.
Le directeur musical/chef d’orchestre David Andrews Rogers fait sonner l’orchestre de 10 musiciens plus gros en jouant la partition luxuriante mais ne submerge pas les chanteurs, grâce à la conception sonore de Marc Salzberg et Beth Lake. En outre, certains numéros qui peuvent sembler stridents, tels que « The Servants Chorus » (alias « Poor Professor Higgins »), ont ici un registre inférieur satisfaisant.
Les costumes de Catherine Zuber méritent amplement leur victoire aux Tony Awards 2018. Situés en 1912, à la frontière de l’Art nouveau et de l’Art déco, ils ressemblent à des imprimés de mode Erté qui prennent vie en tourbillonnant. Dans la scène d’Ascot, qui commence par une silhouette à couper le souffle, les robes brillent doucement dans un gris tourterelle en sourdine, différenciées uniquement par leurs formes, et il y a quelques touches d’humour visuel impliquant des jupes et des traînes entravées. La tenue d’Eliza se démarque à elle seule avec son corsage noir (mais aurait été plus efficace sans son embellissement en dentelle froofy). Dans la scène de la salle de bal, les silhouettes sont les mêmes, mais les couleurs sont de magnifiques tons de bijoux, contre lesquels l’ensemble doré-abricot d’Eliza joue à merveille. Son maniement magistral de son train dans les séquences de danse diffuse sa nouvelle confiance.
Tout cela alimente la soif du public pour une histoire riche et nostalgique Ma belle dame, mais la renaissance mise à jour de Sher nous amène carrément dans le présent. Tout d’abord, le casting est convenablement diversifié, et bien que les principaux soient tous blancs, les deux doublures d’Eliza sont des femmes de couleur. La mise en scène, elle aussi, laisse présager une nouvelle interprétation dès le départ. Tout d’abord, les suffragettes défilent dans l’ensemble dans «Wouldn’t It Be Loverly», nous rappelant que c’est précisément l’époque où les femmes militent pour les droits, la liberté et une voix.
Mais alors le plaisir commence vraiment. Zoltan Karparthy (Daniel James Canaday), dans une moustache en tire-bouchon tout à fait délicieuse qui rebondit quand il parle (perruque et cheveux Design par Tom Watson) et le colonel Pickering (John Adkinson) apparaissent comme glorieusement gay. La conversation téléphonique de Pickering avec « Boozy », son « ami de la vieille école », n’a jamais eu autant de sens auparavant.
Et le clou de la soirée, « Je me marie le matin », dirigé par l’excellent Michael Hegarty dans le rôle d’Alfred P. Doolittle, prouve que ce n’est certainement pas celui de vos grands-parents. Ma belle dame. L’alcool de la salle de danse devient plus sauvage au fur et à mesure que l’enterrement de vie de garçon de Doolittle se poursuit, culminant dans une ligne de chœur de « filles » cancan travesties (qui font des séparations impressionnantes !) Et une drag queen et un roi en tant que mariés. La chorégraphie coquine de Christopher Gattelli fait passer le nombre trop vite. L’image emblématique de Doolittle emporté à son mariage comme un raide orné de fleurs et chèrement décédé gagne en puissance de la part des porteurs vêtus de corsets et de caleçons.
L’intersection du nouveau et de l’ancien nous ramène à notre deuxième question – si Eliza et Higgins devraient finir ensemble.
Dans la conception originale de Shaw, il était catégorique sur le fait qu’ils ne devraient pas. Il y avait suffisamment de pression, même au début, pour que l’histoire se termine « heureusement », Shaw a écrit un essai post-scriptum, « Ce qui s’est passé ensuite », à la version 1916 du scénario, et en 1920, il a écrit une note à l’actrice principale, insistant , « Quand Eliza s’émancipe – quand Galatée prend vie – elle ne doit pas rechuter. Elle doit conserver sa fierté et son triomphe jusqu’au bout.
Cette Eliza, Madeline Powell, qui n’a quitté l’université que depuis deux ans et qui fait ses débuts sur le circuit national, montre bien cette fierté et cette indépendance. Elle est déterminée, volontaire et maîtresse d’elle-même dès le départ. Sur plusieurs lignes où Higgins lui dit d’arrêter de « huer », elle ne semble pas avoir pleuré du tout. C’est une rousse fougueuse dans une longue lignée d’Elizas en noir et blanc. Sa voix a un fort registre grave qu’elle utilise abondamment (même parfois inutilement, comme lorsqu’elle coupe les extrémités de ses « amants » alors qu’elle est encore dans son personnage de Cockney). Lorsqu’elle arrive dans les aigus, sa soprano est sans force, mais manque parfois de puissance, comme à la fin du « Show Me » diaboliquement difficile. Mais elle est une Eliza confiante dès le départ.
Ce qui est tout aussi bien, compte tenu de son Higgins. Jonathan Grunert (qui fait également ses débuts sur le National Tour) nous livre un Professeur qui s’avère la seule déception de la soirée. Il est difficile de dire si sa représentation en bois est un choix de personnage ou un défaut d’acteur, mais dans les deux cas, il ressemble et bouge comme une marionnette, jusqu’à sa bouche rectangulaire qui s’ouvre et se ferme comme un casse-noisette. Son énonciation est trop exagérée, ses émotions trop refoulées. Même dans sa scène triomphante après le bal, son expression change à peine. Il a la vertu d’être plus proche en âge d’Eliza que ce qui est souvent décrit, et sa voix chantante est bonne. Mais comme beaucoup de Higgins essayant de se différencier de la représentation emblématique de Rex Harrison, il semble déterminé à chanter chaque note de la partition, même si certaines seraient plus efficaces si elles étaient prononcées. Higgins est, sans aucun doute, un personnage grossier, sexiste et odieux, et pour cette raison même, il doit dépeindre un certain charme et vulnérabilité pour qu’il y ait même une possibilité, et encore moins une raison, pour qu’Eliza tombe amoureuse de lui. Le fait qu’elle le fasse avec ce Higgins semble plutôt être le syndrome de Stockholm que la romance.
Alors, le font-ils ou non ? Cela a toujours été la question. J’ai vu une production où, lorsque Higgins prononce cet exaspérant et final « Eliza, où sont mes pantoufles », ils sont par terre, et elle pointe simplement du doigt, l’obligeant à se mettre à genoux devant elle pour les récupérer. . Cela semblait être un juste compromis. Mais dans cette production, Eliza s’approche de Higgins, place doucement une main sur le côté de son visage, comme si elle était sur le point de l’embrasser – un geste audacieux en soi – puis se tourne brusquement, descend à grands pas, regarde triomphalement le public, et se dirige vers son avenir, quel qu’il soit. Higgins est laissé glisser vers l’arrière, avec l’ensemble, dans l’insignifiance.
Maintenant que les comédies musicales n’ont plus besoin de fins heureuses, je pense que ce sera la résolution définitive à l’avenir – comme Shaw l’avait initialement prévu.
Parfois, l’ancien et le nouveau vont de pair.
Durée : Environ 2h55 avec un entracte de 15 minutes.
Ma belle dame se joue jusqu’au 9 avril 2023 (19h30 en soirée et 13h30 en matinée), au National Theatre situé au 1321 Pennsylvania Ave NW, Washington, DC. Des billets (à partir de 60 $) sont disponibles en ligne ou en appelant la billetterie au (202) 628-6161.
Recommandé à partir de 10 ans.
Crédits de distribution et de création pour la tournée nord-américaine de Ma belle dame peut être trouvé ici.
Sécurité COVID : Les masques sont fortement recommandés mais pas obligatoires pour tous les détenteurs de billets. Pour le protocole COVID complet, rendez-vous ici.
