Elizabeth Dinkova, directrice artistique du Spooky Action Theatre, dirige la prochaine production de la School of Theatre, Dance, and Performance Studies (TDPS) de l’Université du Maryland de Mr. Burns: A Post-Electric Play d’Anne Washburn au Clarice Smith Performing Arts Center. Rebecca Calkin, directrice du marketing et des communications pour les arts du spectacle au Collège des arts et des sciences humaines de l’UMD, s’est assise avec elle pour parler de cette pièce post-apocalyptique originale. (Cette conversation a été modifiée pour plus de clarté et de longueur.)
Rebecca Calkin : J’ai vu la production originale de M. Burns à la Woolly Mammoth Theatre Company en 2012, au début de ma carrière théâtrale, et j’ai immédiatement été une grande fan de la pièce. Dix ans plus tard, j’ai rejoint le DMV pour un poste de directeur du marketing chez Woolly Mammoth, en grande partie à cause de mon amour pour cette pièce. Et maintenant, cela se déroule ici au Clarice. Cette pièce me tient donc beaucoup à cœur, et c’est en partie pourquoi je suis particulièrement excité de parler avec vous !
Comment en êtes-vous arrivé à ce projet à l’UMD, surtout au milieu de votre emploi du temps très chargé en tant que directeur artistique du Spooky Action Theatre ?
Elizabeth Dinkova : J’ai été approchée par l’UMD pour diriger un spectacle et on m’a proposé deux options de spectacle pour cette saison, et je n’avais ni lu ni vu la pièce jusqu’à ce que cette opportunité se présente. En tant que réalisateur et écrivain, je porte un intérêt particulier à la manière dont les artistes réagissent aux moments de crise ou de troubles politiques ou sociaux. J’ai fait beaucoup de recherches et j’ai écrit quelques expositions sur les relations des artistes avec des œuvres dangereuses qui en font des cibles pour des régimes politiques oppressifs ou qui ont des conséquences involontaires au-delà de ce que l’artiste avait imaginé.
M. Burns était un témoignage si beau, espiègle et émouvant de l’amour d’un groupe de personnes pour une histoire et de la manière dont une histoire peut se transformer au fil du temps pour prendre une place différente dans la culture. Vous traversez trois périodes différentes où cet épisode particulier des Simpsons, « Cape Feare », commence comme quelque chose de basse culture, utilisé à des fins de divertissement lorsque l’électricité est coupée. À la fin du spectacle, c’est devenu un témoignage de la résilience d’une culture qui a survécu à une apocalypse majeure.
J’aime réfléchir à la façon dont une œuvre d’art se transforme, et aussi à la façon dont elle constitue un peu un test de Rorschach pour les préoccupations d’une communauté. Et comme il peut être émouvant de voir des artistes protéger ces œuvres dans un monde où ces œuvres sont essentielles à la survie.
La dernière fois que nous avons parlé, vous avez mentionné un bon analogue étant Station Eleven (un livre d’Emily St. John Mandel et une mini-série de HBO), qui parle également de la résilience des gens après une situation apocalyptique, en utilisant l’art comme moyen de maintenir une étincelle d’espoir vivante et de communiquer quelque chose de critique sur leur humanité.
Avec M. Burns, je suis arrivé à la pièce à l’origine en tant que fan des Simpsons, mais aussi du conte en tant qu’artiste de théâtre moi-même. Avez-vous un lien avec les Simpsons ? Et sinon, comment voyez-vous les gens qui ne sont pas très familiers avec Les Simpsons se connecter à la pièce ?
Je suis bulgare et je ne suis arrivé aux États-Unis qu’après mes études universitaires. Je n’ai donc jamais vu un épisode complet des Simpsons avant de réaliser cette série. Je connaissais seulement à quoi ils ressemblaient et un peu le ton et l’attachement culturel aux Simpsons. En fait, je l’ai délibérément gardé ainsi tout au long de certaines des premières phases du processus de conception, car il était en fait utile pour moi de répondre aux idées de conception en tant que personne ayant un lien éloigné avec les Simpsons plutôt qu’une connaissance et une familiarité approfondies. Mais à mi-chemin du processus de conception, j’ai commencé à le regarder, en commençant par l’épisode « Cape Feare » mentionné dans la série.
La première fois que j’ai lu la pièce, je ne me suis pas senti aliéné ou confus par ce qui se passait. Cependant, il est vraiment important qu’il s’agisse des Simpsons, car cette série a un impact très large et une longue histoire de reflet des préoccupations populaires de l’époque. Et puis les visuels, non ? Je me souviens avoir lu quelque part qu’Anne Washburn considérait également Friends comme source de cette pièce, mais les visuels ne sont pas aussi emblématiques.
Nous disposons de quelques ressources provenant d’un étudiant dramaturge vraiment talentueux et d’un avant-spectacle qui joue des morceaux déformés des épisodes des Simpsons, donnant au public un avant-goût du ton et des visuels des Simpsons.
Dans le troisième acte, beaucoup de temps s’est écoulé et les personnages sont bien loin de l’époque où ils pouvaient réellement regarder l’épisode. C’est devenu ce jeu de téléphone aux souvenirs déformés. Et à ce propos, si vous regardez l’épisode « Cape Feare » des Simpsons, vous pouvez en profiter sans avoir vu le film Cape Fear, même si l’épisode y fait fortement référence.
Oui, c’est un parallèle formidable et utile ; c’est une adaptation d’une adaptation d’une adaptation.
Avec cette exposition s’étendant sur des décennies et montrant plusieurs étapes de ce monde post-apocalyptique, avec une histoire déformée et modifiée, il existe de nombreuses opportunités amusantes pour les designers. Quels ont été certains des points directeurs des conversations avec les concepteurs pour créer le monde de la pièce ?
L’une des grandes valeurs était sans aucun doute la transformation, surtout en voyant comment les images se transforment au fil de ces trois actes. C’était comme si cette trajectoire pouvait visuellement être parallèle à la trajectoire de transformation de l’histoire des Simpsons elle-même. L’une des images centrales de la production est une tour de transmission électrique qui ne fonctionne plus. Au début, on voit cela se profiler au loin. Au deuxième acte, elle est plus obscurcie. Et puis au troisième acte, cela devient presque un temple des Simpsons et de l’électricité.
De même, en ce qui concerne les conceptions de projection et d’éclairage, c’était cette notion intéressante de savoir comment représenter, dans un espace théâtral intérieur, un monde qui a perdu l’électricité ? Nous avons parlé de trouver des moyens pour que la projection apparaisse comme par magie, des ombres qui commencent à ressembler à des choses différentes, prenant vie d’elles-mêmes. Pour l’éclairage, représentant des environnements plus naturels et des sources localisées.
En ce qui concerne la conception des costumes, les deux premiers actes sont plus continus puisqu’il s’agit des mêmes personnages. Dans le premier acte, nous racontons qui sont ces gens, car il s’agit d’un ensemble de marginaux, d’un groupe constitué de personnes qui se sont rencontrées sur la route. Dans le deuxième acte, ils sont désormais devenus une communauté et construisent également leur propre esthétique dans la façon dont ils traduisent les personnages des Simpsons de manière théâtrale. Et puis dans le troisième acte, voir ce qui se passe une fois que ces personnages des Simpsons se sont métastasés en ces figures héroïques, emblématiques, presque religieuses. Il y a donc ce voyage à travers de nombreux éléments du design, du plus traditionnel au plus sacré dans le troisième acte.
Il y a aussi le son et la musique dans la pièce. Quelques numéros pop amusants dans le deuxième acte, mais nous obtenons ensuite une expérience musicale très différente dans le troisième acte. Le public n’a pas besoin de connaître toutes les références musicales, mais c’est amusant d’entendre des œufs de Pâques composés de chansons et de mélodies que vous avez peut-être déjà entendues. Comment abordez-vous cet hybride entre théâtre et théâtre musical ?
L’une des choses fascinantes dans la pièce est la façon dont notre relation à l’instrumentation change dans un monde sans électricité, parce que nous avons appris à nous fier énormément à l’instrumentation électrique, à l’échantillonnage et au mixage des pistes dans notre culture actuelle.
Il s’agissait d’un exercice similaire de construction du monde dans la pensée du monde sonore : « quels instruments persisteraient et comment les utiliserions-nous ? » Les instruments à cordes resteraient probablement, mais la composition des cordes pourrait changer. Il y a beaucoup de sons étranges dans l’orchestration, cette notion d’orchestre trash où il y a des sons et des textures qui sont produits par des choses qui ne sont pas censées être des instruments de musique. Les voix d’ensemble, tant dans le deuxième acte que dans le troisième acte, sont vraiment cool à entendre, centrant la voix humaine puis augmentant avec ces autres manières intelligentes de ce à quoi peut ressembler un paysage musical post-électrique.
J’ai hâte de savoir comment l’orchestration a été adaptée ! Une dernière question : qu’est-ce que ça fait de travailler avec les étudiants du TDPS et l’équipe de The Clarice ?
L’UMD est l’un des meilleurs programmes de MFA en conception théâtrale du pays, et c’est formidable de pouvoir travailler avec des étudiants qui se trouvent à une phase très particulière de leur développement artistique, où ils ont absorbé tant d’informations de leurs études et peuvent maintenant mettre cela en pratique avec un excellent soutien logistique et de production de l’école. C’est certainement l’une des productions les plus élaborées sur laquelle j’ai travaillé depuis un moment, donc j’apprécie vraiment à quel point nous avons été bien soutenus du côté de la production (à The Clarice).
Et puis, du côté du jeu d’acteur également, c’est formidable de travailler avec des étudiants de premier cycle qui arrivent extrêmement préparés, avec d’excellentes questions, réflexions et idées. La façon dont ils se soutiennent mutuellement et me soutiennent a été vraiment joyeuse. Je suis très enthousiasmé par la façon dont nous, en tant que communauté de créateurs de théâtre, essayant de réaliser cette pièce sur la création théâtrale, nous nous sommes également soutenus mutuellement.
Mr. Burns: A Post Electric Play se déroule les 9, 10, 15, 16 et 18 octobre 2026 au Clarice Smith Performing Arts Center. Les billets sont disponibles sur le site Web de The Clarice, avec des billets étudiants gratuits disponibles pour les étudiants de l’UMD.
