Les théâtres de DC et du pays s’appuient fortement sur les comédies musicales de l’âge d’or. En ce moment, Fiddler on the Roof danse sur les tables du Signature Theatre, et Hello Dolly ! se pavane sur la scène du Olney Theatre Center, tandis que les Damn Yankees ont récemment fait leur dernière sortie du parc à l’Arena Stage. Maintenant ajoutée à ce jeu, la comédie musicale classique de 1950 sur scène au Harman Hall de la Shakespeare Theatre Company, Guys and Dolls, transforme le tiercé musical de l’âge d’or du DMV en une superfecta.
Et Guys and Dolls remporte le jackpot – pour insister sur les métaphores du jeu. Je ne dirais pas du tout que c’est la comédie musicale « parfaite », mais c’est une sacrément bonne comédie musicale, remplie de chansons classiques, de numéros de danse énergiques, de choristes aux longues jambes et de gangsters coriaces mais adorables en devenir. Il faudra peut-être une certaine incrédulité suspendue pour rire de certains personnages, lignes et paroles misogynes du livre de Joe Swerling/Abe Burrows et des paroles de Frank Loesser. Mais cela fonctionne de manière gagnante si vous laissez la production vous ramener à une époque où les femmes étaient des poupées et les hommes des hommes, et où tout le monde voulait une fin heureuse, même si « le cours du véritable amour ne s’est jamais déroulé sans heurts ».
La directrice artistique de l’Opéra de Washington, Francesca Zambello, élève ce spectacle populaire avec ses succès humilables – « A Bushel and a Peck », « Luck Be a Lady » et « Sit Down, You’re Rockin’ the Boat » – à une apothéose presque parfaite. Si vous ne rentrez pas chez vous en fredonnant et en souriant, qui vous a fait du sale boulot ?
Guys and Dolls s’inspire de l’auteur du début du XXe siècle, Damon Runyon, journaliste sportif, chroniqueur de journal et nouvelliste. Runyon était fasciné par les gens qui peuplaient les quartiers les plus miteux de la ville : les ivrognes, les clochards, les joueurs et les dames de mauvaise réputation. Et ses récits colorés sur le monde souterrain ont donné vie à ces personnages bruts en utilisant la diction caractéristique de Runyon : un langage haut de gamme qui évite les contractions, entrecoupé de l’argot de la rue de l’époque. « Doll », utilisée tout au long du spectacle, est évidemment une jolie jeune femme, et bien que le terme soit infantilisant, ici, dans son contexte, c’est un compliment. Dans certains cercles, il y a 75 ans, la poupée était aussi omniprésente pour les femmes que le frère pourrait l’être aujourd’hui pour les hommes et le reste d’entre nous. Le langage coloré du jeu, du jeu de craps au marqueur (une reconnaissance de dette), en passant par l’argot de l’argent, de la pâte à la laitue en passant par les G (gros argent), jusqu’aux yiddishismes comme no-goodnik et nu, le langage des chansons et des conversations chante avec différents niveaux de l’accent new-yorkais classique du milieu du siècle.
Dans le rôle de Sarah Brown, l’ingénue de Save-a-Soul Mission, la rayonnante Julie Benko est la cible parfaite pour un pari à gros enjeux entre les rivaux du jeu Nathan Detroit et Sky Masterson, car dans le New York du milieu du siècle, que ferait un joueur d’autre que de parier qu’il pourrait emmener une poupée dans les casinos cubains ? Nathan, le meneur et escroc en herbe, joué par le rusé mais adorable Rob Colletti, dirige « le plus ancien jeu de merde flottant permanent établi à New York », une phrase qui, lorsqu’elle est chantée, semble poétique. Jacob Dickey dans le rôle du high-roller Sky Masterson distribue à parts égales charme et bravade, un mâle alpha qui aime la chasse autant que le prix. Et son prix n’est pas seulement l’argent qu’il est certain de gagner en courtisant la missionnaire droite Sarah Brown, mais aussi la poupée elle-même.
En tant qu’intérêt amoureux de Nathan, la danseuse burlesque perpétuellement fiancée Miss Adelaide est parfaitement interprétée par Hayley Podschun ; sa soprano nasillarde et grinçante est délicieusement «poifect» pour un «poyson (qui) pourrait développer un rhume», comme elle le chante dans sa lamentation du premier acte. Le lieutenant Brannigan de Todd Scofield se vante d’une incompétence bourrue alors que le flic suit ce jeu de dés illégal dans toute la ville, comme une poursuite dans un film Keystone Cops. Le général Cartwright de Holly Twyford capture une réserve inébranlable en tant que chef de l’équipe missionnaire déterminée à sauver des âmes dans ce coin délabré de Times Square, à la limite de Hell’s Kitchen. Et parmi un casting remarquable, Kyle Taylor Parker brille de mille feux dans le rôle du saccharine Nicely Nicely, alors qu’il affiche son sourire sincère et ses claquettes de danse soyeuses.
Guys and Dolls n’est rien sans son trio gagnant de chanteurs/danseurs/acteurs, chacun imprégnant son rôle de spécificité sans éclipser les principaux. Soutenus par l’excellent orchestre, ils livrent chaque numéro de chœur avec le son corsé d’une distribution de Broadway. Félicitations à James Lowe pour sa direction musicale et double bravo au chorégraphe Joshua Bergasse, qui fait ressortir le meilleur des danseurs, en particulier dans le numéro époustouflant « Lady Luck », qu’il a rempli de postures et de virages classiques du jazz des années 1950, laissant ces joueurs sortir le grand jeu avec des hijinks – sauts séparés en flèche, pirouettes décalées, sauts de main, flips et autres étonnements. Et puis il y a les Hot Box Girls, un quatuor aux longues jambes qui soutiennent Adélaïde avec un mélange parfait de sex-appeal et de ridicule dans « A Bushel and a Peck » de l’acte 1, et le strip-tease raffiné de type gitan de l’acte 2 – le tout interprété avec un clin d’œil et un rire.
Le scénographe Walt Spangler a trouvé une solution parfaite pour le décor de la mission de la vitrine, aujourd’hui disparue. La mission Save-a-Soul a été repensée comme une friperie encombrée, semblable à celle de l’Armée du Salut, avec des étagères de manteaux et de robes usagés, des étagères de valises délabrées et d’autres détritus, ainsi que des chaises en bois pliables pour des réunions de sauvetage d’âmes. Lorsque le design épuré, avec des ventilations visibles et des sols et des murs crasseux, se transforme en égout pour un jeu de merde, le public donne au théâtre Shakespeare son moment d’applaudissements omniprésent.
La costumière Constance Hoffman conserve les uniformes bien ajustés des sauveurs d’âmes dans un bleu royal traditionnel avec une touche de bordure rouge. Elle se penche sur la couleur lorsqu’elle habille les joueurs avec des costumes Zoot modifiés de nuances vertes, de bleus vifs, de bronzage, de bordeaux, rehaussés de chemises roses, de manteaux violets et de fedoras tout autour. Nicely Nicely garde une carte à jouer porte-bonheur dans son bandeau, l’un des nombreux petits détails qui rehaussent cette production. Les Hot Box Girls ont l’air parfaites : immaculées et sexy avec des perruques parfaitement coiffées, des résilles ornées de strass, des talons LaDuca et des tenues qui vont de timide à extravagante.
Cette production Guys and Dolls – à la fois élégante et terreuse – rend hommage aux mœurs, aux modes et au statut social du milieu du XXe siècle. En fait, avec sa distribution culturellement diversifiée qui ressemble aujourd’hui à Washington ou à New York, on peut presque croire que les années 1950 étaient une époque plus douce et plus douce. Bien sûr, nous le savons mieux car nous avons vu des mouvements en faveur des droits et libertés civiques, des femmes, des homosexuels, des immigrants et une multitude d’autres droits et libertés changer notre nation pour le mieux depuis lors.
En haut du spectacle, le directeur artistique de la Shakespeare Theatre Company, Simon Godwin, a déclaré que Guys and Dolls parlait de « changement et de rédemption ». Alors que l’intrigue se déroule avec la cohérence d’une comédie shakespearienne, nous faisons un voyage d’un lieu de banalité au chaos d’un tripot d’égouts – pour Shakespeare, cela aurait été une forêt ou un naufrage – avant que tout ne soit remis en place à la conclusion fortuite. Et puis il y a cette bataille pour l’amour durement gagné à la Katherine et Petruchio de Taming of the Shrew. Regarder Sarah Brown tourner une épaule glaciale face aux avances pleines de motivations de Sky Masterson offre une teinte des disputes shakespeariennes décousues entre les couples. Et la conviction machiste de Masterson selon laquelle il peut conquérir même la poupée la plus dure rappelle également cette époque où les hommes étaient censés régner sur le perchoir. L’approche de Zambello envers ce classique reconnaît avec des nuances roses la joie que procurent ces comédies musicales de contes. Peut-être que le monde peint par Loesser, Burrows et Swerling semble un peu démodé à une époque où dominent la consommation ostentatoire, les relations numériques et les cycles d’information 24h/24 et 7j/7. Mais, tout comme Shakespeare offre toujours des moments d’émerveillement, de joie et de résolution, le théâtre musical, en particulier des classiques comme celui-ci, nous donne le temps de croire que, enfin sur scène, tout est possible, même une romance inattendue où une poupée de grande classe tombe amoureuse d’un joueur aux enjeux élevés. Heureusement pour toujours, c’est aussi parfait à l’époque de Shakespeare que dans Guys and Dolls.
Durée : Environ deux heures et 30 minutes avec un entracte de 15 minutes.
Guys and Dolls joue jusqu’au 8 janvier 2026 au Harman Hall de la Shakespeare Theatre Company, 610 F St NW, Washington, DC. Les billets (à partir de 39 $) peuvent être achetés en ligne, en appelant la billetterie au 202-547-1122 ou via TodayTix.
Le programme Asides est en ligne ici.
Les gars et les poupées
Basé sur une histoire et des personnages de Damon Runyon
Musique et paroles de Frank Loesser
Livre de Jo Swerling et Abe Burrows
Chorégraphié par Joshua Bergasse
Réalisé par Francesca Zambello
VOIR AUSSI :
La Shakespeare Theatre Company annonce le casting de « Guys and Dolls » (actualité, 18 septembre 2025)
