Cette année, J. Ernest Green célèbre 40 ans en tant que directeur artistique de Live Arts Maryland, un organisme à but non lucratif apportant de la musique différente dans la région d'Annapolis. Il a récemment parlé avec l'écrivain DC Theatre Arts Charles Green (pas de relation) de son voyage vers Live Arts, de son dernier lieu au Mall Annapolis et de ses espoirs pour l'avenir. (Cette interview a été modifiée pour la longueur et la clarté.)
Charles Green: Comment êtes-vous venu à vivre Arts Maryland?
J. Ernest Green: Je suis venu vivre des arts frais de l'école supérieure de Peabody, car l'un de mes professeurs m'a suggéré. J'étais déterminé à rester de cinq à huit ans; Je me dirigeais en Amérique du Sud ainsi que d'autres invités qui dirigent. Maintenant 40 ans plus tard, je suis toujours là. C'est cette superbe ligne de Harold Hill de L'homme de musique: « Cette fois, j'ai mis le pied coincé dans la porte. » Mais j'ai l'impression de l'avoir mis là-bas intentionnellement parce que peu de temps après mon arrivée, je suis tombé amoureux de ce groupe et de ce que nous avons fait ensemble. Donc, même si je fais un certain nombre d'autres choses, par exemple, invité conduisant l'opéra Toledo pour Pacifique SudJe suis toujours ce qui se passe avec l'Annapolis Chorale.
Live Arts Maryland a commencé comme Annapolis Chorale, qui a célébré l'année dernière sa 50e saison. L'Annapolis Chorale était un refrain communautaire typique, et nous avions un grand public. Vers la fin des années 80, nous avons commencé à faire des choses plus créatives, présentant d'autres groupes musicaux: un quatuor à cordes du Brésil, un ensemble de jazz, théâtre musical. Nous avons remarqué que notre public ne comprenait pas toujours pourquoi le chorale présentait des choses mais ne chantait pas. Quand Larry Molinéro a fait l'accompagnement du film silencieux Phantom de l'opéranous l'avons annoncé comme «les cadeaux d'Annapolis Chorale», mais les gens n'arrêtaient pas de demander si le chorale chantait. Ensuite, nous avons ajouté des arts vivants au sommet des promotions pour éliminer toute confusion. Maintenant, c'est un parapluie pour des groupes comme l'Annapolis Chorale, l'Orchestre de la Chambre Annapolis et un refrain féminin dirigé par ma collègue Lori Hayes.
Chez Peabody, j'étais l'adjointe d'orchestre conductrice et j'ai été invitée à affronter l'assistant de chœur, ce que je ne voulais pas. Je pensais qu'ils voulaient que je passe de l'orchestre en chœur, mais ils voulaient vraiment me donner un assistanat supplémentaire, ce qui m'a donné suffisamment d'argent pour manger et payer le loyer en même temps. J'ai répété avec le refrain et je suis juste tombé amoureux de la musique chorale et de travailler avec des chanteurs et je n'ai jamais regardé en arrière. Cela a établi le cours pour ma vie musicale d'une manière à laquelle je ne m'attendais pas. Peu importe où je suis, ce que je fais, l'Annapolis Chorale est au cœur de ce que je fais. Ils ont eu une répétition hier soir sans moi; Espérons qu'ils ne s'amusaient pas trop!
Live Arts propose une variété de musique, des ensembles résidents de l'Annapolis Chorale and Chamber Orchestra à des artistes invités comme Le casse-noisette de bluegrass et Paul Schaffer. Comment décidez-vous de la programmation de chaque saison?
Je plaisante que des groupes comme les nôtres font les mêmes 40 pièces encore et encore. Très peu sont contemporains, ou s'ils le sont, ils sont tellement du public ésotérique ne peut pas les saisir. Donc, je fais de la programmation en morceaux séparés. Je pense d'abord au chorale, pas seulement ce que je veux qu'ils chantent, mais ce que je veux qu'ils chantent maintenant qui leur donnera les outils et les concepts musicaux vocaux pour les aider à chanter de futures pièces. Par exemple, ce printemps, nous faisons un cadre musical mondial du «Requiem du compositeur britannique Karl Jenkins. « Le refrain chante en latin, anglais, translittération hébraïque, haïku japonais. Je pense constamment à ce qui leur sera bénéfique musicalement, artistiquement et de manière créative. Et la partie la plus importante: ce qui est amusant, car à la minute où il cesse d'être amusant et devient une corvée, nous avons absolument fini.
Je programme également en trouvant des pièces contemporaines et en les mélangeant à des pièces traditionnelles. Sur un programme l'année dernière, j'ai fait le cadre de «Gloria» par Karl Jenkins avec «Te deum» de Bruckner, deux énormes pièces évoquant les éloges et la majesté, une des années 1880, une des années 2000. L'idée est de montrer que la musique chorale évolue toujours.
Nous avons un partenariat vraiment excitant avec l'église de Saint Anne, mélangeant des mondes sacrés et laïques. Nous tirons des gens de l'église au chorale et au chœur et tirons des gens de la communauté dans l'église. Les deux groupes se nourrissent.
Enfin, nous considérons les pops et la programmation de théâtre musical. Cette année est la première fois depuis longtemps, nous ne faisons pas une grande production de théâtre musical, mais nous ferons des spectacles plus petits au studio pour garder la sensation des concerts et des comédies musicales de Broadway.
Nous ne pouvons pas continuer à faire la même chose encore et encore. Nous avons besoin de changement et j'utilise ce besoin pour aider à stimuler la programmation. Nous avons acheté Paul Shaffer ici la saison dernière parce qu'il est un ami, et je suis aussi son chef d'orchestre. Au fil des ans, nous avons fait appel à des gens comme Marvin Hamlisch, Lindsay Mendez, Derek Davis et Lucie Arnaz. La chose la plus importante lorsque vous travaillez sur la programmation avec eux est de demander: «Quelles sont les pièces qui signifient quelque chose pour vous?» Cela vous indique qui ils sont en tant qu'artiste et aident à comprendre le reste du puzzle. Par exemple, pour le concert des Fêtes avec Derek Davis, j'ai demandé: « Y a-t-il quelque chose de particulier que vous voulez chanter? » C'est ainsi que nous nous sommes retrouvés avec sa version de « Mes choses préférées » parce qu'il a dit: « J'adore cette chanson; Je ne peux jamais vraiment le chanter. J'ai appelé un arrangeur avec lequel je travaille et j'ai dit: « Je veux cette chanson en mineur, je veux que Derek chante le verset, puis je veux une pause en solo. » Les concerts pops doivent être très collaboratifs, mais beaucoup connaît les artistes avec lesquels vous travaillez; Si vous les connaissez et ce qu'ils veulent, vous êtes en avance sur le jeu.
Et encore une fois, je veux que ce soit amusant – pour les chanteurs, l'orchestre, le soliste et le public. Vous avez besoin de cette raison supplémentaire pour faire un morceau. Je pense que c'est l'une des raisons pour lesquelles nous sommes restés en vie au fil des ans, étant vraiment difficile de trouver cette raison.
Vous jouez dans différents espaces: Maryland Hall, St. Anne's Church et The Live Arts Studio à Annapolis Mall. Comment le studio est-il né?
Cela a commencé il y a des années lorsque je faisais une tournée d'opéra en Europe. Lors d'un arrêt dans le nord de l'Espagne, je suis passé devant une vitrine où il y avait un piano à queue et certaines personnes se produisant. Si j'avais du temps, j'aurais adoré passer et voir ce qu'ils faisaient. Je me demandais si nous pouvions trouver un moyen de changer la façon dont nous présentons et consommerons la musique, en faisant moins une destination et plus sur la spontanéité. Des années plus tard, Covid Hit, et une fois que nous avons réalisé que nous ne rouvrions pas de sitôt, nous avons commencé à enregistrer de la musique. Nous avons enregistré le premier mouvement du «Requiem for the Living» de Dan Forest sur une pelouse arrière, apportant 16 personnes à la fois, chacune avec son propre Mike et ses écouteurs. Ils ont tous enregistré individuellement dans leur propre microphone, puis nous avons amené les 16 prochaines personnes, superposant le son les uns sur les autres.
Après un certain temps, j'ai appelé le centre commercial Annapolis pour dire: «J'aimerais mettre un studio de musique dans le centre commercial où nous pourrions créer de nouvelles performances tout en gardant tout le monde socialement distant.» Ils ont aimé l'idée et nous ont mis dans une vitrine vide, qui devait être complètement vidé, mais nous y avons produit des concerts.
Maintenant, le studio est un lieu de destination. Nous avons des gens dans toute la région qui viennent au centre commercial Annapolis parce qu'ils ont entendu dire que nous avons cet espace de studio. Nous avons plusieurs centaines de personnes qui achètent de la nourriture et des trucs dans les magasins qui nous entourent et voient ensuite un concert. C'est devenu une place de la ville où la communauté se réunit et est engagée. Ce printemps, nous avons Paul Cullen, le bassiste de Bad Company, venant pour un mini-concert.
Quels sont vos espoirs pour l'avenir des arts vivants?
Il y a deux réponses. La bonne réponse est que je veux que le groupe continue de se développer, d'explorer de nouvelles façons de créer de la musique et d'apporter de la bonne musique à la communauté. C'est une donnée. Ce que je veux vraiment, c'est que les arts en direct deviennent un phare où les gens peuvent venir découvrir la musique traditionnelle de nouvelles façons. Par exemple, ce printemps, nous faisons un ensemble de quatre concerts autour de la musique qui était important pour moi alors que j'ai grandi avec ce groupe, un grand répertoire, mais d'une manière qui ressemble plus à une performance de chambre. Nous ferons le «Requiem» de Fauré et que le public s'asseoir au milieu du refrain. Pour moi, il s'agit de trouver des moyens de faire en sorte que le public, le refrain et l'interprète expérimentent uniques et prospectives. Je ne veux pas revenir en arrière dans les années 1800 et 1900; Je veux aller de l'avant et voir quelles nouvelles choses nous pouvons trouver.
Pour plus d'informations sur Live Arts Maryland et à venir, visitez leur site Web.
