Dans le monde de l’opéra, certains metteurs en scène considèrent la partition d’un compositeur comme le Saint Graal, convaincus qu’il n’y a qu’une seule manière d’honorer le compositeur et la tradition d’une œuvre. D’autres acquièrent une notoriété en « révisant » des œuvres en insérant un concept favori sur une partition, de sorte que l’intention du créateur et le sens de l’œuvre sont presque complètement oblitérés. Le champ de bataille avait été sensiblement le même au théâtre, avec le canon de Shakespeare. Mais, à partir du milieu du XXe siècle, l’essor des productions « d’auteur » a dominé, souvent davantage à cause de l’ego du réalisateur que de l’œuvre elle-même. (Dans le cas de Shakespeare, j’ai souvent voulu demander à un réalisateur ce qu’il pensait d’une production shakespearienne : « Avez-vous déjà lu le quatrième acte ? » Être inattentif à un acte IV peut être une pure folie ; c’est généralement là que une approche conceptuelle lourde de fer s’effondre.)
Il existe maintenant un troisième groupe de metteurs en scène qui semblent, comme des acrobates au-dessus d’une arène, danser entre les deux extrêmes et, même si la mise en scène est toujours un sport dangereux, l’expérience peut s’avérer fascinante et même parfois révélatrice pour les personnes présentes. ci-dessous. Timothy Nelson, directeur artistique d’IN Series, à son meilleur, est connu pour réaliser un tel ballet aérien.
J’ai eu la chance de m’asseoir avec Tim, qui ouvre sa saison avec la première mondiale d’une mise en scène de Alceste, basé sur la pièce d’Euripide Alceste, avec une musique de George Frideric Handel (extraite des deux opéras différents du compositeur sur le sujet) et — attends, mon amour ! —avec des textes pillés aux poètes Ted Hughes et Sylvia Plath, plus matériel supplémentaire conjoint de la dramaturge locale contemporaine Sybil Roberts.
Vous dites que ce travail vous trotte dans la tête depuis plus de dix ans, quel a été votre point d’entrée initial ?
Tim m’a raconté comment, en se promenant dans un marché aux puces, il était tombé sur un mince volume de quatre pièces d’Euripide. Il y avait Alceste. Il bascule jusqu’au bout et est immédiatement arrêté par les dernières paroles du roi Admète, dont l’épouse est ressuscitée et lui est restituée, après avoir été ramenée des Enfers par le courageux Héraclès. Admète clôt la rare tragi-comédie vieille de 2 500 ans avec les mots « Pour l’instant, nous allons refaire notre vie, et elle sera meilleure. »
L’offre d’espoir et d’un nouveau départ lui a parlé à un moment critique de sa vie. « La pièce se termine comme un début, mais nous ne la voyons pas. »
Quelle traduction avez-vous utilisée ? Chez Richmond Lattimore ?
Tim a découvert mon propre exemplaire, et nous avons tous deux été émerveillés pendant un certain temps par le langage de Lattimore et par sa perspicacité dans la sensibilité presque moderne d’Euripide. Le dramaturge du Ve siècle avant notre ère a osé montrer l’homme non pas comme un héros classique idéalisé mais tel qu’il (ou elle) est réellement, plein de complexité et d’émotions changeantes. Aussi, comme l’a dit Tim : « Il y a aussi une notion de grâce qui nous parle aujourd’hui et comment parfois, si nous avons de la chance, la réponse est oui. »
Il y a tellement de mystère dans la pièce, n’est-ce pas ? Pourquoi la reine Alceste se sacrifie-t-elle, accepte-t-elle la mort à la place de son époux ? Et pourquoi accepte-t-il ?
Tim a accepté en disant : « Nous ne savons jamais. Mais c’est pourquoi j’ai senti que j’avais besoin d’autres voix et perspectives. J’ai commencé à comprendre et même à prendre le parti du père d’Admète. Il défie son fils : sa vie a-t-elle moins de valeur simplement parce qu’il est vieux, alors pourquoi devrait-il mourir ?
La pièce, et certainement la deuxième tentative de Haendel pour cet opéra, avec son livret perdu, semble incomplète. Pourquoi ce travail a-t-il retenu votre attention depuis si longtemps ? Et comment avez-vous commencé à reconstruire les fragments perdus ? Et pourquoi l’aborder comme une pièce de théâtre en musique ?
« Le mythe a été beaucoup utilisé à l’opéra. Il y a le premier Haendel et le dernier Haendel. Le dernier avait un livret en anglais, mais comme vous l’avez dit, le livret a été perdu, ce ne sont donc que des fragments. Mais de glorieux éclats ! Il y en a un de Gluck. Il y a un Lully. Mais c’est la pièce qui m’a parlé. Ensuite, j’ai eu du mal à trouver la bonne traduction. Comme nous en avons discuté, j’adore le Lattimore. Mais quand j’ai découvert la version de Ted Hughes, j’ai su que je devais l’utiliser. Le langage était tellement excitant et Hughes va grand et large.
Serait-il juste de qualifier ce projet de « mash-up » ? Et vous n’aimez pas les « purées » ? Admettez-vous également que parfois vos « purées » fonctionnent de manière phénoménale et parfois…
Il m’a interrompu en riant en signe d’accord : « Pas tellement ! Un peu comme de la purée de pommes de terre. Parfois, on ne parvient tout simplement pas à éliminer les grumeaux.
Alors, pourquoi ça marche maintenant ?
Tim a dit que la raison avait changé au fil des ans. « Au début, cela a à voir avec ce qui se passait dans ma vie à l’époque et le besoin de croire en la possibilité d’un nouveau départ et d’une réinvention. Puis, pendant la COVID, c’est vraiment devenu une question de vie et de mort et je me suis posé la question : « Qui peut vivre et pourquoi ? Il y a maintenant un certain retour à l’impulsion originelle, mais sans le désespoir personnel. Quelque chose à propos des implications plus larges et, pour citer Obama, de l’audace de l’espoir. Je suis las des harangues politiques sans fin actuelles et j’aspire à revenir à quelque chose de plus fondamental, de plus simple et de plus puissant, à savoir la capacité d’espoir de l’humanité. Qu’est-ce que croire que le soleil se lève aussi ?
Pourtant, vous avez intégré à la fois Ted Hughes et Sylvia Plath, leurs écrits et quelque chose sur leur relation personnelle. Il faut savoir que ni leurs écrits ni leur mariage n’avaient grand-chose à voir avec l’espoir, alors de quoi s’agit-il ?
Tim avoue : « J’adorerais affirmer que tout cela faisait partie d’une vision originale. J’ai craqué pour la traduction électrique et puissante du poète Hughes. Puis j’ai découvert, comme on le fait à propos de Hughes, qu’il faut beaucoup exciser. Mais jusqu’à ce que nous y travaillions, je ne savais même pas qui il était. Pour découvrir qu’il était le mari de Sylvia Plath, on a fait un ouvrage sur cet homme dont la femme est décédée.
Bien entendu, de nombreuses personnes dans le monde accusent Hughes d’être directement responsable du suicide de sa femme. Êtes-vous en train de dire que le suicide de Plath doit être interprété dans votre vision comme un sacrifice pour lui ?
« Peut-être, oui. Et Hughes/Admetus doit compter avec sa propre culpabilité. Et, aussi subversif que cela puisse paraître, peut-être a-t-il envie de la récupérer d’entre les morts pour qu’ils puissent avoir une seconde chance de vivre ensemble sur cette terre.
Ensuite, il faut aussi savoir qu’après la mort de Plath, la seconde épouse de Ted Hughes, qui était aussi poète, et lui, se sont sentis hantés par Plath. Considérez-vous votre production comme le désir de Hughes de suivre Sylvia jusqu’aux enfers ? Malheureusement, le deuxième mariage de Hughes s’est également terminé par quelque chose qui ressemble à une tragédie grecque. Donc, s’il y a des raisons de croire pourquoi Hughes a fait sa traduction au cours de ses dernières années, y a-t-il un lien avec la raison pour laquelle Tim a réalisé cette œuvre ?
Tim m’a assuré que c’était arrivé providentiellement. Toute son équipe créative était perturbée par le fait qu’il y ait si peu d’Alceste dans la pièce originale d’Euripide avec son nom comme titre. « Ainsi, à mesure que l’histoire Sylvia-Ted devenait plus marquante, Sylvia est devenue le vaisseau dans lequel l’histoire d’aujourd’hui serait l’occasion de donner davantage de voix à Alceste. La poésie de Plath a maintenant été insérée, y compris toute une grande scène dans le monde souterrain où Alceste peut choisir entre la vie et la mort et a un pouvoir d’action dans ce domaine. Mais pour être honnête, nous avons également ajouté d’autres poèmes de Hughes pour compléter cette histoire. D’une certaine manière, c’est devenu la conversation qu’ils n’ont jamais pu avoir.
L’art imite la vie imite l’art ?
Tim me laisse entrer dans un autre choix majeur pour cette production. « Parce qu’il n’y a que trois acteurs principaux et qu’ils jouent des rôles multiples, grâce à l’utilisation de masques, nous pensons que l’objectif utilisé est celui d’une conversation entre un mari et une femme.
Il me laisse également entrer dans la réflexion de ses choix musicaux. Certains passages du chœur ont été mis en musique par Haendel en anglais. Certains mots de Hughes figuraient à l’origine dans l’opéra italien de Haendel, maintenant réinitialisés à des fins de numérisation en anglais.
Je reviens à mon thème, en exploration avec ce directeur artistique qui insiste sur les acrobaties aériennes de haut vol.
Tim, as-tu déjà eu peur de laisser ton public dans la poussière ?
« Oui. » Puis il rit effrontément : « Eh bien, peut-être pas autant que je le devrais ! »
Puis il poursuit sur un ton plus sérieux : « Je suis conscient que parfois c’est le cas, mais je veux que mon public vive une expérience significative. Peut-être que je fais plus confiance au public que je ne le devrais.
«Je m’intéresse de moins en moins à l’aliénation du public. Cependant, vous vous en souviendrez, l’une des premières choses que j’ai faites à Washington DC a été de tourner autour de Verdi, et une petite vieille dame dans le public, dans les cinq premières minutes d’une représentation, est sortie en courant du théâtre en criant : « C’est insupportable ». !’»
Tim relie le processus de développement de sa vision d’une pièce à la trajectoire de son propre développement en tant qu’artiste. « À mesure que je continue de progresser en tant que metteur en scène, j’espère que je m’efforcerai toujours de créer des pièces d’opéra et de théâtre qui fonctionnent à plusieurs niveaux. J’espère qu’au fil des années, je gagnerai la confiance de mon public.
Comparez-vous votre travail à celui d’un archéologue en train de fouiller ou… ?
« Je crois que je suis plutôt un sculpteur travaillant avec des objets trouvés ! Je trouve des choses qui semblent antithétiques les unes par rapport aux autres et j’explore de les assembler pour qu’elles semblent nouvelles. J’aimerais penser que je suis quelqu’un comme quel est son nom… Rausch… »
Rauschenberg ?! Tu es un Rauschie !
La première mondiale de Alceste ouvre les 23 et 24 septembre 2023, au plus profond des entrailles de Dupont Underground, 19 Dupont Circle NW, Washington, DC, à 19h30 le samedi et à 14h30 le dimanche.
Le week-end suivant, l’opéra sera répété au Baltimore Theatre Project, 45 W Preston St, Baltimore, MD, les 29 et 30 septembre à 19h30 et le 1er octobre à 20h.
Ensuite, IN Series revient à DC pour un dernier week-end de représentations au GALA Hispanic Theatre, 3333 14th St NW, Washington, DC, le samedi 7 octobre à 19h30 et le dimanche 8 octobre à 14h30.
Les prix des billets pour le Dupont Underground et le GALA Hispanic Theatre varient entre 35 $ et 65 $ ; les billets pour le Baltimore Theatre Project coûtent entre 20 et 30 dollars. Pour plus d’informations et des billets, rendez-vous sur www.inseries.org/post/alceste
