Parmi les nombreux spectacles de Broadway qui ont débuté en avril au cours de cette saison de récompenses chargée, figurent trois œuvres autobiographiques légèrement romancées d'auteures dramatiques traitant du thème de la maternité célibataire et des enfants abandonnés par leurs pères, qui servent toutes comme une sorte de libération introspective et guérison pour leurs créateurs et ont été acclamés par la critique et plusieurs nominations à des prix. Dans Mary Janejouée pendant une longue période avec MTC au Samuel J. Friedman Theatre jusqu'au 16 juin, Amy Herzog raconte l'histoire édifiante d'une jeune mère aimante, attentionnée et optimiste, bâtissant autour d'elle une communauté solidaire de femmes compatissantes et trouvant la lumière pour y faire face. la maladie incurable de son jeune fils fréquemment hospitalisé. La cuisine de l'enfer, avec la musique et les paroles de l'auteure-compositrice-interprète lauréate d'un Grammy Alicia Keys, actuellement en engagement à durée indéterminée au Shubert Theatre, est une comédie musicale pleine d'énergie sur le passage à l'âge adulte racontée par une jeune fille de dix-sept ans qui a grandi à le quartier éponyme de New York, acceptant l'amour dur d'une mère qui ne veut pas qu'elle commette les mêmes erreurs qu'elle et trouvant sa passion dans la musique. Et Paula Vogel's, lauréate du prix Pulitzer Mère jouerprésenté par Second Stage au Hayes Theatre et qui se déroule jusqu'au 16 juin, prend la forme d'une pièce de mémoire tragi-comique qui explore la dynamique familiale et les dommages et la douleur persistants causés par la mère profondément troublée et inacceptable d'un fils et d'une fille homosexuels.
Comme l'indique son sous-titre, Mother Play : une pièce de théâtre en cinq expulsions se déroule dans une série d'appartements dans le quartier de DC Beltway, dans lesquels Phyllis, une mère de deux enfants divorcée, fumeuse et à court d'argent, a élu domicile de 1964 au 21St siècle, avec les pièces, les meubles du milieu du siècle, les suspensions et les boîtes réarrangées dans des configurations différentes pour chacune (conception scénique de David Zinn). Aujourd'hui adulte, sa fille Martha examine les affaires importantes de son frère Carl, qui tiennent toutes dans une boîte de taille moyenne. Elle retrouve la lettre qu'il lui a écrite avant de mourir du sida en 1988 et commence à déballer les souvenirs que cela déclenche de leur lien fraternel étroit et des nombreux problèmes auxquels ils ont été confrontés aux mains de leur mère dysfonctionnelle.
Sous la direction avisée de Tina Landau, le trio engageant couvre habilement toute la gamme allant du drôle mordant et d'une tendresse touchante au fougueux, combatif et dévastateur, du psychologiquement et émotionnellement pénétrant au flamboyant théâtral et surréaliste (avec des changements dans l'éclairage de Jen Schriever pour distinguer les différents tons et ambiances). Le casting de stars composé de Celia Keenan-Bolger dans le rôle de Martha (de onze ans à la cinquantaine), Jessica Lange dans le rôle de Phyllis (de la trentaine à la vieillesse) et Jim Parsons dans le rôle de Carl (de treize ans jusqu'à sa mort prématurée à 37 ans) livre le tout dans des performances magistrales qui embrassent l'humour, le drame, l'amour, la colère et l'émotion à travers les décennies de souvenirs de Martha et les révélations d'une famille qui n'arrive même pas à s'entendre sur la station de radio à écouter (avec leur musique vintage préférée entendue dans la conception sonore évocatrice de Jill BC Du Boff), alors qu'elle compte les années (avec tous les trois en costumes d'époque de Toni-Leslie James et les cheveux et perruques de Matthew Armentrout), le nombre de mouvements qu'ils ont effectués et le nombre de verres sa mère a consommé, en s'adressant directement au public.
Il est immédiatement clair que les enfants font plus pour la matriarche exigeante (ils font tout le déballage, l'aménagement des appartements et le réemballage, Martha prépare ses martinis, Carl allume ses cigarettes et sort les poubelles infestées d'insectes et de rongeurs) que elle le fait pour eux (en leur lançant un sac de hamburgers et de frites MacDonald avant d'annoncer qu'ils n'ont plus d'argent à dépenser pour quoi que ce soit – bien qu'elle s'achète fièrement un costume Chanel dans une friperie, à propos duquel Carl, un écrivain en herbe extrêmement intelligent, invente une histoire fantastique). Mais ils montrent également des allusions adolescentes à leur identité sexuelle naissante, sur lesquelles Phyllis se moque et les insulte, se demande si c'est « trop demander pour un enfant normal ? », se met en colère et finit par couper les ponts, peu importe tout ce qu'ils ont fait. pour elle ou a tenté de l'éclairer, notamment en l'invitant à des réunions du PFLAG et à une discothèque gay, où elle fait des progrès dans le changement de son attitude homophobe, s'amuse et danse sur « I Will Survive » (dans une scène bouillonnante, avec une chorégraphie de Christopher Gattelli, qui met en valeur la polyvalence et le talent comique de Lange) – jusqu'à ce qu'elle ne le fasse pas.
Nous l'entendons parler sans cesse (et ivre) d'elle-même et de son passé, appelant à plusieurs reprises le concierge de l'immeuble, insensible, pour se plaindre de l'infestation de cafards dans leur appartement au sous-sol (avec des projections effrayantes de Shawn Duan les montrant rampant sur tout, une vidéo de fond absurdement hilarante. d'eux dansant en silhouette dans une ligne de chœur, et Phyllis mettant les cafards morts qu'ils ont tués dans une enveloppe à envoyer au propriétaire avec le chèque de loyer), dictant ses plans pour la vie de ses enfants (Carl ira à l'université ; Martha apprendra à tape pour qu'elle puisse devenir secrétaire puisqu'elle n'est pas assez intelligente pour l'université et qu'elle n'est qu'une femme), et manifeste son intolérance envers qui ils sont.
Mais il y a aussi une longue scène solo dépeignant la désolation et la solitude de Phyllis, seule après s'être aliéné son fils et sa fille, regardant silencieusement dans le vide, allumant et éteignant la télévision, puis la radio, après avoir fait quelques pas de danse au rythme de la musique. de la musique, sortir un jeu de cartes pour une partie de solitaire puis les ranger sans jouer, installer un plateau et des fleurs pour son dîner puis le noyer dans de la sauce piquante et ne pas manger. C'est un regard déchirant sur toutes les choses que personne ne veut faire seul, qui génère de la sympathie pour le personnage peu sympathique et son approche détestable de la maternité. C'est un rôle, révèle-t-elle plus tard sans cœur à Martha, qu'elle n'a jamais voulu mais ne pouvait pas se permettre d'avorter, après lui avoir dit ironiquement plus tôt à quel point la sienne était une mère formidable – suscitant une fois de plus nos hochements de tête et nos rires sardoniques.
Keenan-Bolger et Parsons livrent des portraits tout aussi convaincants de la personnalité distinctive de leurs personnages (leur scène de pratique de la marche est particulièrement amusante), de leurs voyages de coming-out, de leur exaspération envers leur mère (vu dans leurs regards obliques expressifs l'un vers l'autre). ), les souffrances qu'elle leur a causées, leur relation d'amour indélébile, leurs encouragements et leur soutien mutuels sans faille, et leur capacité de compréhension et de pardon, incarnée par leur rassemblement pour les funérailles de leur grand-mère maternelle, où Phyllis les invite à s'asseoir avec et tend la main pour leur tenir la main – un geste significatif de la part d'une femme qui les touchait rarement – et lors des visites hebdomadaires de Martha à la maison de retraite où vivait alors sa mère âgée, souffrant de démence et incapable de reconnaître sa fille, qui lui donne un un bain à l'éponge doux et on lui dit quelque chose qu'on ne lui avait jamais dit auparavant mais qu'elle avait besoin d'entendre.
Mère jouer est une œuvre profondément émouvante, brillamment interprétée et intelligemment mise en scène, dans une saison avec des spectacles exceptionnels mettant en vedette des personnages féminins principaux et leurs histoires personnelles de maternité. C'est ma pièce de Vogel préférée à ce jour, pour son équilibre parfait entre humour tranchant et émotion perçante, alors ne manquez pas ce casting stellaire et cette première hautement recommandée à Broadway.
Durée : Environ une heure et 50 minutes, sans entracte.
Mother Play : une pièce de théâtre en cinq expulsions joue jusqu'au 16 juin 2024 au Hayes Theatre, 240 West 44ème Rue, New York. Pour les billets (au prix de 109 à 239 $, frais compris), appelez le (212) 541-4516 ou rendez-vous en ligne.
