«Le sang aura du sang», affirme Macbeth, soldat et meurtrier, au milieu de la pièce qui porte son nom. Cette triste et ancienne vérité sur la nature cyclique de la violence est au cœur de la tragédie écossaise de Shakespeare et de la nouvelle production exceptionnelle de la Shakespeare Theatre Company – adaptée par Emily Burns et importée du Royaume-Uni – avec Ralph Fiennes et Indira Varma. Il y a ici un pouvoir de star inhabituel, bien sûr, mais le directeur artistique de STC, Simon Godwin, et un casting remarquable insufflent une nouvelle vie humanisante à cette histoire familière sur les effets déshumanisants de la violence répétée. Remontez jusqu'aux Grecs de l'Antiquité – évoqués ici dans la scénographie classique et simple de Frankie Bradshaw, avec un escalier central et des portes symétriques – et vous verrez cette leçon souvent dramatisée mais jamais apprise. Dans l'interprétation moderne et convaincante de Godwin, interprétée dans les anciens studios de Black Entertainment Television dans le nord-est de DC, le monde entier de Macbeth est le champ de bataille : un seul décor sert pour chaque lieu, et les combattants vont des factions politiques rivales aux amis de confiance, en passant par les conjoints manipulateurs et l'individu. l'âme humaine. Les spectateurs pénètrent eux-mêmes dans cette zone de guerre, traversant une antichambre jonchée de décombres de béton et de carcasse rougeoyante d'une voiture incendiée pour rejoindre l'espace de jeu au-delà. Au-dessus, le paysage sonore des avions de combat et des hélicoptères militaires de Christopher Shutt cède la place aux faibles notes d'une boîte à musique d'enfant. Innocence perdue ? Volé? À l’heure actuelle, nous pouvons tous reconnaître les victimes de la guerre, même si relativement peu d’entre nous en Amérique en ont fait l’expérience.
Parmi les nombreux points forts de cette production exceptionnelle figurent le naturalisme et la clarté de ses interprétations. Plus tard dans la pièce, Macbeth jure de faire des « premiers-nés » de son cœur les « premiers-nés » de sa main. Mais dès le début de cette production, les intentions des personnages, en particulier celles des protagonistes Macbeth (Fiennes) et Lady Macbeth (Varma), ressortent clairement dans la clarté et le naturel de leur expression verbale et physique. Soliloque après soliloque, nous voyons les pensées les plus intimes des Macbeth, livrées avec les rythmes et le rythme du discours ordinaire, extériorisées dans une action simple et sans effort et souvent dirigées vers des membres spécifiques du public. Lorsque Macbeth de Fiennes (habillé comme la plupart des personnages en treillis militaire) imagine pour la première fois la possibilité effrayante d'assassiner le roi Duncan (« Ma pensée, dont le meurtre n'est encore que fantastique », 1.3.141), il sort son couteau militaire comme si par instinct, ce qui nous amène à rappeler qu'il est après tout un homme payé pour tuer. (Macbeth vient de « découdre » quelqu'un de « la nef aux gars » lorsque la pièce commence.) De même, c'est une révélation de voir Lady Macbeth de Varma, en pantalon capri et en pull, passer du plaisir de fille au début de sa vie. célèbre monologue d'ouverture (quand elle reçoit des nouvelles de l'avancement de son mari) dans la femme fatale familière qui reconnaît ce qui peut être fait alors que Duncan dort sous ses créneaux.
Le naturalisme engageant et la retenue de ces performances (pas d'emphase ici) sont renforcés par quelque chose de rarement vu dans les productions de cette pièce sombre et qui nous fait encore plus aimer les Macbeth : l'humour. Qui aurait cru que le Thane de Cawdor en avait le sentiment ? Ou qu'il pourrait ou voudrait danser une gigue, comme il le fait dans la scène du banquet de l'acte trois, scène quatre ? Il y a des moments dans cette production qui sont très drôles, comme lorsque les meurtriers Macbeth ont la conscience d'eux-mêmes pour reconnaître les sombres ironies de leur situation et peuvent se moquer d'eux-mêmes avec un humour d'autodérision. Lorsque Lady Macbeth de Varma remarque que le même alcool qui a enivré les palefreniers de Duncan – et donc incapables de le protéger – a eu l'effet inverse sur elle, une femme (cela « m'a rendue audacieuse », dit-elle), son imperturbable la surprise fait rire. De même, après que sa femme l'a poussé à assassiner Duncan en remettant en question sa virilité, Macbeth – un commandant militaire décoré – reconnaît sa défaite face à une femme en suggérant sarcastiquement à Lady Macbeth «[b]ne font entendre que des hommes et des enfants. Là encore, la prestation discrète et drôle de Fiennes suscite des rires de reconnaissance de la part du public. Un autre mari picoré ? L'humour s'étend également aux personnages mineurs, notamment Lady Macduff (une excellente Rebecca Scroggs) et ses enfants, dans la première partie du quatrième acte, scène deux, dans laquelle les meurtriers de Macbeth descendent sur son château. Le contraste entre les échanges ludiques et drôles de Lady Macduff avec sa fille et la violence que l'on sait à venir est d'autant plus puissant que, sous la direction de Godwin, les Macduff sont vraiment drôle – pas seulement des victimes innocentes qui existent pour souligner un autre point de l'intrigue sur l'étendue du mal de Macbeth. (D'un autre côté, cette production n'inclut pas la seule scène manifestement drôle de la pièce telle qu'elle est écrite, qui est la célèbre scène du portier ivre de l'acte deux, scène trois. Il serait intéressant de voir ce que Godwin aurait pu en faire. )
La scène charnière de cette production, et certainement un tournant dans la pièce elle-même, est peut-être la scène du banquet du troisième acte, scène quatre, dans laquelle apparaît le fantôme de Banquo assassiné. Ici encore, l'économie, la simplicité et le naturalisme règnent en maître. La scénographie suggestive de Bradshaw prévoit une simple table en bois – le seul meuble de la production, à part plusieurs petites chaises – pouvant accueillir jusqu'à six personnes coude à coude. Il ne s’agit pas ici d’un banquet à une échelle royale ; cela ressemble plus à un dîner avec le couple de militaires d'à côté. L'intimité de cette scène – et la façon dont elle oscille elle aussi entre humour et horreur – nous permet de pénétrer dans la vie des Macbeth d'une manière qui n'est pas possible avec des productions à plus grande échelle. (Selon les notes fournies par le dramaturge Drew Lichtenberg de STC, l'intimité était l'une des demandes de Fiennes pour la production, avec l'utilisation d'espaces industriels.) Dans le même ordre d'idées, le fantôme de Banquo n'est pas une présence chenue et en décomposition effrayante, mais quelqu'un qui a l'air avoir été battu (et poignardé) derrière le relais routier local. Le surnaturalisme est ici minimisé au profit d'un naturalisme exacerbé ; Banquo (un impressionnant Steffan Rhodri) se tient peut-être à table, mais Macbeth de Fiennes fait mieux car, entre les crises, il joue le rôle de l'hôte joyeux à la perfection hyperactive. Et lorsque Macbeth dit à ses convives qu'il souffre d'une « étrange infirmité », nous rions en réponse, ne sachant pas s'il parle de ses crises (épilepsie ?) ou de la petite gigue qu'il vient de jouer à table.
Comme l’attestent cette production (et l’actualité), l’effusion de sang nécessite peu de sollicitations surnaturelles. Les sorcières peuvent stimuler l'ambition de Macbeth avec leurs demi-vérités, mais ici, elles sont des victimes de la guerre comme tout le monde, soumises aux mêmes traumatismes violents que Macbeth. (C'est ce que suggère un événement qui donne le coup d'envoi du spectacle et qui laisse des coins du siège de Macbeth, Dunsinane, en ruines.) Habillées par Bradshaw (également costumier) en adolescents contemporains, peut-être habitants d'une ville déchirée par la guerre, les sorcières ( très bien interprétés par Lucy Mangan, Danielle Fiamanya et Lola Shalam) sont plus des observateurs de l'action que des instigateurs, des esprits possédés qui prophétisent mais ne contrôlent pas. (Tout comme un chœur grec, ils apparaissent en marge de l'action tout au long de la pièce.) Lorsque Macbeth les cherche pour se rassurer sur son avenir (dans l'acte quatre, scène un), ce sont ses propres acolytes qui révèlent l'ampleur de la situation. de l'équivoque des sorcières. Eux aussi sont possédés, comme Macbeth et Lady Macbeth, par les traumatismes de la violence. C’est ce que la guerre nous fait, semble suggérer Godwin. Si ses sorcières sont des « sœurs étranges », c’est peut-être parce qu’elles sont des victimes d’atrocités psychiquement plus brisées que des êtres surnaturels.
Ailleurs aussi, Godwin réalise avec une touche habile. La composition visuelle de nombreuses scènes – le banquet, le château de Macduff, les sorcières sur les marches, Banquo réfléchissant à l'ascension de Macbeth au trône – a une qualité picturale. Le rythme est rapide, mais pas précipité, ne ralentissant que lorsque cela est nécessaire pour un effet dramatique, comme lorsque Macduff apprend les meurtres de sa femme et de ses enfants et est trop choqué pour parler. Des scènes comme celle-ci, qui peuvent être difficiles à mettre en scène efficacement – y compris l'attaque du château de Macduff et le combat à l'épée culminant entre Macduff et Macbeth (avec la tête coupée de Macbeth) – sont réalisées avec le naturel, la simplicité et la suggestivité évocatrice qui sont emblématique de cette production.
Il en va de même à mesure que nous nous dirigeons vers la disparition inévitable de Macbeth. Son discours nihiliste « J'ai vécu assez longtemps » (5.3), prononcé avant la mort de Lady Macbeth, est ici prononcé devant un jeune camarade comme s'il s'agissait d'un avertissement sur le mode de vie de Macbeth. (Le Macbeth de Fiennes est un personnage parfaitement las et désillusionné dans le dernier acte de la pièce.) Une telle intimité et une telle empathie imaginative ne sont pas non plus perdues à l'approche du combat fatal avec Macbeth avec Macduff. Comme Brutus sur le champ de bataille de Philippes, qui voit le fantôme de César, Macbeth a ici une vision de sa femme décédée juste avant que Macduff n'arrive pour exiger justice. Ou est-ce une vengeance ? Macduff, merveilleusement sensible, de Ben Turner, ne semble ni heureux ni justifié d'avoir ôté la vie à l'homme qui a pris celles de sa femme et de ses enfants. Au lieu de cela, il se replie sur lui-même, comme s’il prenait soudain conscience de sa propre participation au cycle de violence qui a déstabilisé le royaume d’Écosse. Lui aussi est un tueur. Lorsque, dans ses dernières lignes, Macduff déclare le temps « libre » et salue Malcolm, le nouveau roi d’Écosse, on a du mal à le croire. Il n'y a ni joie ni soulagement ici, quelles que soient les promesses offertes par Malcolm dans le grandiose discours de clôture de la pièce. Dans ce monde semé de catastrophes, il n'y a que pressentiment et incertitude, alors que les étranges sœurs montent les escaliers centraux et prennent place dans une veillée silencieuse aux côtés de la dernière victime de « l'exécution sanglante ».
Durée : Environ deux heures et 45 minutes avec un entracte
Macbeth joue jusqu'au 5 mai 2024, présenté par la Shakespeare Theatre Company au 1301 W. Street, NE, Washington, DC. (Notez que ce n'est pas dans les cinémas STC habituels.) Pour les billets et les informations, y compris les FAQ sur la salle, rendez-vous sur en ligne. (Le spectacle est généralement complet, mais certains billets aller-retour/annulations peuvent être disponibles. Voir le site Web pour plus de détails.)
Le programme Asides pour Macbeth est en ligne ici.
Sécurité COVID : Les masques ne sont pas obligatoires, mais les clients sont invités à les porter s'ils le souhaitent.
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