L'harmonie musicale mène à la discorde familiale dans « Les collines de Californie » au Broadhurst Theatre de Broadway

Veronica est mourante, alors sa fille adulte célibataire, Jill, qui n'a jamais quitté la maison de son enfance et a consciencieusement servi de gardienne à sa mère, envoie un message à ses sœurs Ruby, Gloria et Joan pour qu'elles viennent la voir avant son décès imminent, comme elle l'a promis. elle le ferait. Ce qui suit est un mélodrame en trois actes, d'une durée de près de trois heures, avec des injections d'humour noir et sardonique, qui va et vient dans le temps, de 1976 à 1955, tournant autour d'une mère dominatrice motivée par l'ambition aveugle de se lancer, à tout prix. , ses quatre jeunes filles, The Webb Sisters, dans une carrière de chant et de danse sur le modèle des Andrew Sisters (dont la popularité s'estompait alors). Et le coût est élevé, causant des dommages irréparables à ses filles, un dysfonctionnement et un éloignement familial total, et un échec dans l'obtention du succès et de la renommée qu'elle recherchait pour elles. Les collines de Californiela dernière épopée de Jez Butterworth, lauréat des Tony et Olivier Awards (Le passeur), réalisé par Tony, Olivier et l'oscarisé Sam Mendes (Le passeur; La trilogie Lehman).

Se déroulant dans la pension Seaview, désormais délabrée, à Blackpool, en Angleterre, dirigée par Veronica, l'histoire évoque les personnages et les thèmes de gitan et Maman très chèreavec les personnages centraux conçus comme des stéréotypes sexistes désuets sur les femmes et (alerte spoiler) l'une des sœurs mineures présentée non pas comme une victime mais comme une participante consentante à ses abus sexuels par un producteur américain beaucoup plus âgé – un cas flagrant de une victime misogyne qui le blâme, alors que la jeune fille le conduit à l'étage dans une chambre et que sa mère est sciemment assise à côté (dans la première américaine de la nouvelle pièce, en préparation depuis 2012, bien après le début du mouvement #Me Too, et selon le dramaturge , inspiré par les funérailles de la mère de son ami, qui était l'un des trois frères (et non sœurs). Bien que la série présente plusieurs rôles principaux pour les femmes, ce sont des représentations tout sauf flatteuses du contrôle autoritaire, des luttes intestines et des traumatismes psychologiques et émotionnels causés les uns par les autres, chacune avec ses propres souvenirs déterminants du passé.

Les sœurs sont représentées à deux âges différents par huit acteurs différents : dans la trentaine en 1977, avec Helena Wilson dans le rôle de Jill, inébranlable et chaste, Ophelia Lovibond dans le rôle de Ruby anxieuse, Leanne Best dans le rôle de Gloria explosive et pleine de ressentiment, et Laura Donnelly. comme l'enfant sauvage Joan, qui a initié ses jeunes frères et sœurs à la cigarette, a provoqué la rupture de leur numéro lorsqu'elle a quitté la maison pour la Californie et le rêve américain (le titre de la pièce est tiré de la chanson de Johnny Mercer de 1948) après sa rencontre avec le producteur sans scrupules (David Wilson Barnes dans le rôle de Luther St. John), a adopté un accent américain et un personnage rock-and-roll, et n'est pas revenu avant vingt ans ; et en tant qu'enfants de douze à quinze ans, bien joués par Nicola Turner dans le rôle de Jill, Sophia Ally dans le rôle de Ruby, Nancy Allsop dans le rôle de Gloria et Lara McDonnell dans le rôle de Joan, dans leurs flashbacks de 1955. La caméléon Donnelly joue également le rôle de Veronica. à la fin de la trentaine (dont la détermination sans faille de réussir a été transmise à Joan), n'apparaissant que dans les souvenirs de ses filles au milieu du siècle. Tous offrent des incarnations convaincantes des personnages tels qu'ils sont écrits, remplis des émotions intenses qui leur ont été transmises, distinguant leurs personnalités individuelles et révélant leurs histoires, l'angoisse qui en résulte et les raisons profondément enracinées de leur colère, de leurs crises de panique, de leur aliénation. la concurrence et l'incapacité de s'entendre.

Bien que les forts accents anglais des femmes rendent difficile à comprendre une grande partie des dialogues rapides et que les personnages allumant et fumant des cigarettes incessamment remplissent la section de l'orchestre de fumée de tabac qui est inévitablement inhalée par le public, les segments de chanson des deux protagonistes les frères et sœurs adolescents et adultes constituent des points forts du spectacle, démontrant le talent que leur mère exigeante – qui avait à la fois une fille préférée et une fille qu'elle considérait comme remplaçable – leur a inculqué, avec des harmonies à quatre voix précises sur des standards tels que « Boogie ». Woogie Bugle Boy », « Straighten Up and Fly Right » et « Dream a Little Dream of Me » (avec Candida Caldicot en tant que superviseur musical et arrangeur, et chorégraphie d'Ellen Kane).

Un important casting de soutien majoritairement masculin comprend les rôles subsidiaires des maris dociles des sœurs impérieuses (Bill et Dennis, interprétés respectivement par Richard Short et Bryan Dick), le fils adolescent de Gloria, Tony (Liam Bixby), insulté à plusieurs reprises par sa sœur Patty (Allsop apparaissant dans le rôle mineur) et tous deux brutalement disciplinés par leur dure mère, locataires que Veronica ordonne, menace d'expulser et lui interdit d'entrer dans la cuisine où elle et ses filles se rassemblent (parmi elles, Richard Short dans le rôle de M. Halliwell), avec certains des pensionnaires liés aux aspirations show-biz des Webb Sisters (Richard Lumsden dans le rôle de Joe Fogg, qui les accompagne au piano, et Dick revu dans le rôle du comique de style vaudevillien Jack Larken, qui les présente à St. John – et beaucoup d'entre eux dont les répliques sont également difficiles à entendre).

La scénographie du spectacle, réalisée par Rob Howell, capture les espaces publics et privés de Seaview (qui, ironiquement, n'offre aucune vue sur la mer) sur une scène tournante qui tourne depuis le bar Tiki en détérioration et le juke-box cassé du salon des invités jusqu'au salon familial. cuisine, équipée d'un piano, où les filles s'entraînent, avec des changements d'éclairage spectaculaires réalisés par Natasha Chivers, alors que les scènes changent de leurs retrouvailles stressantes en 1976 à leurs souvenirs de 1955. Les deux pièces sont adossées à un imposant grand escalier à plusieurs niveaux. aux étages supérieurs sombres et aux pièces invisibles, chacune portant le nom d'un État américain différent (un autre symbole de leur rêve américain raté), avec un paysage sonore souvent obsédant de Nick Powell (et un son souvent peu clair pour la prestation rapide et le modèle de discours des acteurs ). Les costumes d'époque de Howell sont bien adaptés aux époques et aux personnalités (celui de Joan adulte est particulièrement révélateur de son parcours), tout comme les perruques, les cheveux et le maquillage de Campbell Young Associates.

Si Les collines de Californie visait à dépeindre le pathétique de femmes malheureuses attaquant une société qui les a laissé tomber, à parodier l'archétype de la mère de scène implacablement exigeante ou, du point de vue féministe, à perpétuer le stéréotype de la femme trop émotive et autoritaire. qui ne peut s'entendre avec personne, pas même avec ses plus proches parents, cela a réaffirmé mon bonheur d'avoir été fille unique.

Durée : Environ deux heures et 45 minutes, incluant un entracte et une brève pause.

Les collines de Californie joue jusqu'au dimanche 22 décembre 2024 au Broadhurst Theatre, 235 West 44ème Rue, New York. Pour les billets (au prix de 58 à 351 $, frais compris), rendez-vous en ligne.

A lire également