Les couloirs sont ornés de houx, les cadeaux sont emballés avec soin et papa a même laissé maman sortir de prison pour les vacances. C’est un Noël à l’ancienne famille Plantagenêt, et la trahison et la manipulation coulent aussi librement que le vin chaud.
Le Lion en hiver suit la famille agitée du roi médiéval Henri II, dur à cuire, alors qu’ils se réunissent pour un Noël inoubliable. Les trois garçons Plantagenêt ont la même chose en tête de leur liste de Noël : la couronne de papa. Maintenant que le fils aîné et héritier est mort, la couronne pourrait revenir à n’importe lequel d’entre eux – un fait que les deux parents utilisent comme monnaie d’échange constante. Imaginez deux heures et demie de jeux de pouvoir de plus en plus élaborés, avec des armes et des mots maniés dans une égale mesure.
Si cela vous semble un peu familier, vous pensez peut-être à la série télévisée à succès Empire, qui est en fait une adaptation directe de The Lion in Winter. (Le nom de famille de la famille est même « Lyon ! ») Ou peut-être Succession vous vient-elle à l’esprit. Les plus littéraires penseront peut-être au roi Lear, auquel Henry lui-même fait référence à un moment donné. Ce genre de drame familial classique semble presque mythique et, en effet, la famille Plantagenêt peut être aussi arbitraire et brutale que n’importe quel panthéon de dieux antiques. Dans le scénario de James Goldman, cependant, ils sont aussi terriblement drôles, armés d’un barrage incessant de répliques pleines d’esprit et de barbelés.
Ce n’est en aucun cas un jeu court, et après environ le 18ème double-cross, vos yeux peuvent aussi commencer à se croiser. Mais dans la production de Rude Mechanicals, l’intrigue avance à un rythme rapide grâce au réalisateur Stephen Cox. Tout au long de la production, les blocages et les mouvements sont fluides et confiants, faisant bon usage de l’espace intime.
Dès l’instant où vous entrez dans le confortable théâtre boîte noire du Greenbelt Arts Center, les Rude Mechanicals transportent le public dans le temps jusqu’au 12e siècle. Des tapisseries de licornes sont suspendues le long du passage sombre, éclairées uniquement par la lumière vacillante d’un petit sapin de Noël, tandis qu’une playlist de mélodies médiévales entraînantes donne le ton. (La conception sonore de Wes Dennis intègre avec goût un accent thématique tout au long de la pièce, ajoutant du punch supplémentaire aux moments dramatiques sans détourner l’attention des performances.)
Un mur de pierre joliment peint (Jaki Demarest et Maddie Tinsley-Hayward), orné de banderoles et de tapisseries, sert de toile de fond au véritable point central : le trône d’Henri. Dans une ingénierie astucieuse d’Alan Duda, les colonnes de support derrière lui se déplient et transforment la zone du trône en un lit à baldaquin.
À juste titre, Duda incarne également le roi Henry, un homme qui modifie constamment la situation autour de lui. Il dépeint le patriarche de la famille avec moins d’emphase et de fanfaronnades que ce à quoi on pourrait s’attendre, mais son Henry est toujours clairement un ennemi dangereux, un scintillement espiègle dans ses yeux et tout. Il élève très rarement la voix, mais quand il le fait, c’est au bon moment.
L’épouse de Henry, Aliénor d’Acquitaine, est la seule à pouvoir le déjouer, c’est pourquoi il l’a enfermée en prison depuis une dizaine d’années. C’est aussi pourquoi leur alchimie est si bonne. Interprétée par Jaki Demarest, Eleanor est une femme d’une détermination inébranlable et d’un charisme magnétique. Même si elle laisse échapper sa façade indomptable juste assez pour révéler des moments clés de vulnérabilité, sa performance implique également que ces moments peuvent eux aussi tous être calculés. Elle peut lâcher une seule larme avec les meilleurs d’entre eux. Demarest a également un don merveilleux pour lancer des répliques, et vous ne pouvez pas vous empêcher d’aimer Eleanor même si vous ne pouvez pas lui faire confiance autant que vous pouvez lui lancer.
Ses trois fils ne lui font certainement pas confiance, même si elle les couvre d’accolades maternelles. «Je n’aime pas beaucoup nos enfants», avoue-t-elle à Henry à un moment donné. On ne peut pas lui en vouloir : ils forment tous une bande plutôt vicieuse, élevés à l’image de leurs parents.
Le fils aîné Richard Cœur de Lion (un Tone Arce étroitement enroulé) est un guerrier talentueux et le favori de maman pour le trône, mais il est également maussade et querelleur. Le bébé de la famille et le favori de papa, John, est un gamin pleurnicheur et idiot – et qui manque cruellement du service d’hygiène (les taches sur son costume sont une touche amusante). Charlie Suchi le joue avec délectation. Ensuite, il y a le classique enfant du milieu négligé, Geoffrey, un intrigant accompli qui aime monter les membres de sa famille les uns contre les autres. Lucian Clarkewallis apporte une élégance distante au rôle, chaque geste ou mouvement oculaire étant soigneusement contrôlé.
La plupart des représentations ici sont bien adaptées à la petite taille du théâtre, donnant à l’ensemble de la production une sensation cinématographique. Même si certains acteurs trébuchent parfois sur les répliques et les noms de ce scénario très verbeux, ils avancent avec détermination et maintiennent les enjeux élevés.
La seule chose plus inconfortable que de passer Noël avec vos parents divorcés est de faire entrer en scène la nouvelle petite amie de papa, surtout lorsque ladite « petite amie » est techniquement votre propre fiancée. Alais est une charmante jeune princesse française dont la main en mariage fait partie d’un forfait avec la couronne. Sa liaison de plusieurs années avec Henry complique quelque peu l’affaire, tout comme l’incertitude quant au frère qu’elle est censée épouser. Maddie Tinsley-Hayward rend Alais affectueusement sympathique, mais en aucun cas une fleur fanée. Elle n’a pas peur de montrer un côté impitoyable à la princesse.
Les choses deviennent encore plus tendues lorsque le petit frère d’Alais, le roi Philippe de France, se présente pour exiger que soit Alais se marie immédiatement avec quelqu’un, soit qu’Henry lui restitue la généreuse dot. Philip n’a qu’un an de plus que le bébé John, mais il est un intrigant bien plus compétent, et Sarah Pfanz capture à la fois sa jeunesse et sa détermination. Bien qu’elle transmette un sentiment d’impériosité hautaine, il y a aussi un soupçon d’adolescente moderne dans son discours moqueur, complété par des roulements d’yeux occasionnels. Pfanz exprime également habilement quand Philip se sent un peu perdu, secouant ses nerfs avant de saluer froidement son prochain adversaire ou de boire d’interminables tasses de cognac.
Au milieu de tout cela, quatre acteurs costumés font également office d’ensemble de serviteurs et d’équipe de scène, réinitialisant la scène pour chaque scène avec des interactions chorégraphiées (Nic Adams). Un moine ivre sirotant chaque verre, il enlève ajoute une touche d’amusement. Ils déplacent également des pièces sur un échiquier placé au premier plan de la scène, avec lequel l’ensemble du casting interagit tout au long. Certains utilisent des mouvements d’échecs pour souligner un point, tandis que d’autres envisagent une stratégie seuls. Si l’utilisation des manœuvres d’échecs commence à sembler un peu prévisible, Richard les mélange aux halètements audibles du public en renversant une poignée de pièces d’un seul coup.
Il est rare qu’une production théâtrale puisse attribuer à un membre de l’équipe créative la chorégraphie d’une partie d’échecs ; ici, cet honneur appartient à Alan Duda, une responsabilité appropriée pour le maître du jeu ultime, le roi Henry. C’est rafraîchissant de voir les acteurs jouer également un rôle important dans la création du monde physique de la pièce. L’attention portée aux détails est forte tout au long de cette production. De riches costumes d’époque (achetés par Jaki Demarest et montés par Nic Adams et Sarah Pfanz) créent une impression cohérente de temps et de lieu, et l’arsenal de bijoux de la reine Eleanor est particulièrement éblouissant dans l’éclairage de Jeff Poretzky et Liana Olear. Bien que le programme ne mentionne pas de coiffeur, la coiffure d’époque ornée de perles d’Alais est la touche princesse parfaite.
Même s’il peut sembler un peu étrange d’assister à une pièce de théâtre de Noël par une douce journée à 85 degrés, ce n’est certainement pas plus étrange que d’enfermer les membres de votre famille dans le donjon. La vraie royauté sort des sentiers battus. Et même si les Plantagenêt semblent tous avoir du charbon dans leurs bas cette année, cette production pleine d’esprit et intime ressemble à un cadeau pour les fans d’intrigues médiévales et de drames familiaux désordonnés.
Durée : Deux heures et 30 minutes, avec un entracte de 15 minutes.
The Lion in Winter joue les vendredi et samedi 18 et 19 septembre 2026, présenté par The Rude Mechanicals, au Greenbelt Arts Center, 123 Centerway, Greenbelt, MD. Pour acheter des billets (24 $, admission générale ; 22 $, senior/militaire ; 12 $, enfant/étudiant), appelez le (301) 317-7964 ou allez en ligne.
Le casting complet et l’équipe créative sont disponibles ici.
