« Beetlejuice, Beetlejuice, Beetlejuice ! » Après avoir fait ses débuts au National Theatre lors d’une tournée pré-Broadway en 2018, le « fantôme avec le plus » revient à DC ce mois-ci pour une tournée nationale au même endroit. Présentant un livre de Scott Brown et Anthony King avec une musique et des paroles d’Eddie Perfect, la comédie musicale donne vie au film emblématique de 1988 dans une adaptation théâtrale unique. Julia Tucker de DC Theatre Arts s’est entretenue avec la directrice de la tournée, Catie Davis, du processus créatif consistant à amener le film légendaire sur scène et à la logistique de la réalisation d’une comédie musicale dans une variété de lieux. Cette interview a été éditée pour plus de clarté, de longueur et de fluidité.
Julia Tucker : Beetlejuice est un phénomène de la culture pop depuis près de 40 ans. Quels ont été les plus grands défis et récompenses liés à la mise en scène d’une propriété aussi appréciée ?
Catie Davis : Je pense que dans tout phénomène qui a un public intégré de personnes qui aiment déjà ces personnages, le style et le monde de la série, il y a une certaine attente de répondre à la nostalgie – les attentes des membres du public – et je pense que c’est à la fois un défi et une bénédiction. Il y a une sorte d’enthousiasme et de fandom intégrés autour de quelque chose comme Beetlejuice, et c’est ensuite à l’équipe créative de livrer et de donner aux gens ce qu’ils veulent. Avec Beetlejuice en particulier, nous avons essayé de montrer au public et aux fans que nous l’aimons aussi et de le rendre très clair dès le départ – que nous aimons les mêmes choses que vous aimez dans la série – qu’il s’agisse de petits œufs de Pâques d’autres personnages cachés de Tim Burton ou de certaines des répliques emblématiques du film – il y a donc un sentiment de confiance et de célébration du contenu original tout en le riffant et en le rendant original et nouveau pour la scène.
L’une des récompenses est de voir comment le spectacle continue d’être reçu. J’y travaille depuis 2016 au début du développement, et les superfans qui l’ont soutenu tout au long de son parcours – qui s’étend maintenant sur huit ans depuis que nous étions initialement au Théâtre National – célèbrent chaque casting et chaque acteur qui a une vision différente du rôle, et ils sont vraiment excités de voir ce que tout le monde va en faire. Je pense que ce sentiment d’attendre quelque chose d’unique et de différent vient de ce sentiment de ce que l’équipe créative d’origine a construit : que nous aimons ça, mais que ce sera aussi quelque chose de nouveau et d’excitant. Cela s’est répercuté et je pense que cela a contribué au succès de la série.
Beetlejuice a été à Broadway au Winter Garden Theatre (2019-2020), au Marquis Theatre (2022-2023) et au Palace Theatre (2025-2026) – trois lieux très différents avec des configurations uniques. Qu’implique l’adaptation de la production à chaque espace, et comment ces expériences vous ont-elles préparé à la flexibilité requise lors d’une tournée nationale ?
Les deux premiers théâtres de Broadway (le Winter Garden et le Marquis) étaient en fait la même production physique. Nous avons été fermés au Winter Garden en raison de la fermeture de Broadway par COVID, et l’ensemble du décor, des accessoires, des costumes – tout cela a été stocké. Il y avait beaucoup de travail à faire pour déplacer cette production dans le Marquis, mais effectivement sur scène, nous regardions exactement la même production originale. Nous avons ensuite eu un certain nombre de productions avant de retourner à Broadway au Palace. Nous avons fait notre première tournée nationale, nous sommes allés en Australie, nous avons eu une production sur Norwegian Cruise Lines et en Corée. Ces productions ont fourni des leçons sur la façon de déplacer la série et de l’améliorer par rapport à son itération originale.
Ce que le public a vu au Palais était en fait la première tournée nationale. C’était le casting de la première tournée nationale, avec juste quelques changements. Il s’agissait en grande partie de la même production physique, mais nous l’avons ensuite en quelque sorte amélioré et nous avons ajouté certaines des marionnettes originales de Broadway – des éléments qui avaient été difficiles à visiter et à charger dans et hors d’un théâtre chaque semaine ont été réajoutés dans le spectacle. Chaque production a été un hybride de choses que nous avons apprises et de façons que nous avons dû adapter pour répondre aux demandes. En particulier, les tournées sont la plus ardue de toutes ces façons de mettre en place une production et nous ont obligé à être vraiment flexibles et créatifs dans la façon dont la production physique, qui est vraiment importante dans ce spectacle – c’est un grand spectacle visuel – et pourtant elle doit pouvoir tenir dans cinq ou six camions et être emballée pendant 12 heures et passer à la ville suivante. J’accorde beaucoup de crédit aux gens qui l’ont conçu et à l’équipe qui le déplace de semaine en semaine. Je pense que pour les membres du public, la tournée nationale apporte énormément sur le plan visuel, et elle ressemble à un grand spectacle de Broadway sur scène malgré le fait qu’elle soit capable de se frayer un chemin dans ces camions.
Vous avez réalisé de nombreuses comédies musicales contemporaines, dont de nombreuses nouvelles œuvres. En quoi la réalisation de Beetlejuice, une histoire que le public connaissait et aimait déjà, différait-elle du développement d’une toute nouvelle comédie musicale à partir de zéro ?
Je travaille sur Beetlejuice depuis 2016. J’ai été le réalisateur associé (de notre incroyable réalisateur original, Alex Timbers) tout au long de son développement et de toutes ses productions passées. J’ai tellement appris de lui dans la manière dont il a adapté le spectacle. Comme je l’ai mentionné plus tôt, les défis liés à l’adaptation de quelque chose là où il y a déjà une attente du public – une façon à laquelle nous y avons souvent pensé était d’imaginer que nous créions une fan fiction. Il y a des personnages et des événements que nous connaissons déjà ; certains d’entre eux sont inclus dans notre spectacle ; certains que nous pourrions imaginer se sont produits avant ou après la comédie musicale et font partie du monde de ce que nous faisons. Ensuite, nous y ajoutons et pouvons montrer au public encore plus de vies – les événements de ces personnages que nous connaissons et aimons tous.
Quand je compare cela au développement d’une toute nouvelle comédie musicale, il y a beaucoup de chevauchements. Nous avions l’impression de faire quelque chose de nouveau à bien des égards, même si nous travaillions avec une propriété intellectuelle existante. Nous avions ces attentes du public auxquelles nous devions répondre. C’est une sorte de langage partagé : les gens qui viennent voir Beetlejuice et qui ont une idée de ce qu’était le film original, ils ont une idée de sa fantaisie et de son humour noir. Il y a une compréhension de ce que nous pensons que la série sera sur le plan tonal et une référence partagée au film original. C’est utile à bien des égards, surtout lorsque vous commercialisez quelque chose, de dire : « Nous savons tous déjà ce que c’est ». Je pense que le plus souvent, cela a joué en notre faveur. Je pense que développer et commercialiser une toute nouvelle comédie musicale dont personne n’a entendu parler est beaucoup plus difficile, mais cela comporte également le défi de devoir répondre à ces attentes.
Beetlejuice a fait son essai à l’extérieur de la ville au National Theatre de Washington, DC, en 2018 avant de faire ses débuts à Broadway l’année suivante, et l’équipe créative a apporté des changements importants au cours de ce processus. Pour ceux qui ont vu la production originale de DC, qu’est-ce qui fait que cette version vaut la peine d’être revue ? À quel genre d’expérience théâtrale le public novice peut-il s’attendre ?
Nous avons tellement appris en faisant le spectacle en dehors de la ville de Washington, DC. Nous l’avions développé en quelque sorte dans une bulle : vous développez une comédie musicale avec la même équipe et un petit groupe de personnes qui travaillent dessus. Un essai à l’extérieur de la ville est la première fois que nous rencontrons un public (qui peut ou non savoir quoi que ce soit sur ce qu’il s’apprête à voir) qui vient nous donner son avis. Parfois, vous faites des essais à l’extérieur de la ville et l’équipe n’apporte que des changements mineurs, mais ce qui était si remarquable dans cette équipe de scénaristes et de créatifs, c’est que nous avons fait les essais à l’extérieur de la ville, nous avons beaucoup appris et tout le monde était prêt à retrousser ses manches et à essayer de rendre la série encore meilleure.
Un grand changement par rapport à ce que nous avions initialement présenté au Théâtre National à ce que les gens y verront maintenant est que nous avons centré l’histoire sur Lydia, une adolescente curieuse, sombre et espiègle, ébranlée par la mort soudaine de sa mère. Nous centrons son histoire et sa reconnexion avec son père. Je pense que cela a rendu la série encore plus accessible – non seulement elle offre toute la comédie et les méfaits, avec Beetlejuice toujours au premier plan pendant une grande partie de la série, mais elle a également un réel impact émotionnel auquel je ne pense pas que les gens s’attendent quand ils viennent voir la comédie musicale. Non seulement assister au spectacle et à la comédie, mais aussi être profondément ému par la reconnexion profonde entre un père et sa fille alors qu’ils traversent leur deuil est vraiment touchant. Je pense que c’est pour cela que les gens ont recommandé la série et pourquoi elle dure aussi longtemps. Pour ceux qui l’ont déjà vu, il contient tout ce qu’ils ont aimé de Beetlejuice : le spectacle, les marionnettes et les méfaits. Il y a encore plus de Lydia – il y a de nouvelles chansons, des personnages révisés ; ce n’est vraiment pas le même spectacle qu’ils auraient vu auparavant. Pour ceux qui viennent le voir pour la première fois, le spectacle est hautement théâtral. Il a une valeur de production incroyable, vous allez donc voir un grand spectacle de Broadway avec des marionnettes, des effets spéciaux, du contenu vidéo et toutes les cloches et sifflets. C’est espiègle et sombrement drôle. Nos scénaristes (Scott Brown et Anthony King) écrivent beaucoup pour la télévision et ont un sens de l’humour noir que l’on ne voit pas souvent dans les comédies musicales, donc cela est également très efficace. C’est un spectacle que toute la famille peut apprécier – il n’est pas si violemment inapproprié que vous ne puissiez pas le prendre. Il y a beaucoup de choses pour les adultes qui passeront également au-dessus de la tête des jeunes spectateurs, c’est donc un moment formidable pour tous.
Beetlejuice joue jusqu’au 19 juillet 2026 au National Theatre, 1321 Pennsylvania Ave NW, Washington, DC. Les billets sont disponibles en ligne ou en appelant Broadway at The National au (202) 628-6161. Une performance audio-décrite est proposée le 12 juillet à 19h30, et une performance interprétée en ASL est proposée le 16 juillet à 19h30.
Durée : Environ deux heures et 30 minutes, entracte compris.
Remarque : Recommandé pour les 13 ans et plus. Discrétion parentale conseillée. Contient un langage grossier, des références matures et beaucoup de choses folles et inappropriées que l’on attend d’un démon dérangé.
Les crédits du casting et de la création de la tournée nord-américaine peuvent être trouvés ici.
Jus de Beetle
Musique et paroles d’Eddie Perfect. Livre de Scott Brown et Anthony King. Supervision musicale, orchestrations et musique accessoire par Kris Kukul. Direction de la tournée par Catie Davis ; réalisation originale par Alex Timbers. Chorégraphie de la tournée de Michael Fatica ; chorégraphie originale de Connor Gallagher.
