Depuis leurs débuts respectifs, la télévision et le cinéma tentent de faire connaître les arts du spectacle au grand public. Une grande partie de la télévision dans les années 1950 n’était que du théâtre en direct avec des caméras pointées vers elle. Des versions filmées de productions de Broadway, notamment Pippin, Into the Woods et Cats, ont été diffusées en vidéo personnelle. Et dans les années 2010, la télévision en réseau a présenté une succession d’événements télévisés en direct de comédies musicales populaires (The Sound of Music, The Wiz, Jesus Christ Superstar, etc.). Le National Theatre Live du Royaume-Uni, entre autres, diffuse régulièrement des films très soignés et produits par des professionnels à partir de productions mises en scène. Et peut-être que le plus grand exemple est Hamilton : An American Musical, sorti en streaming sur Disney+ en 2020, suivi plus tard d’une courte diffusion dans les salles de cinéma.
Cette année, nous avons droit à une autre sortie en salles d’une production scénique primée : Hadestown : The Musical. Les cinéastes ont-ils enfin déchiffré le code sur la meilleure façon de représenter l’expérience théâtrale en direct ?
Photo gracieuseté de Bleecker Street et LD Entertainment.
Créé en 2010 par Anaïs Mitchell à l’origine comme un album concept, Hadestown a fait ses débuts hors Broadway en 2016 (considérablement élargi avec l’aide de la réalisatrice Rachel Chavkin), ses débuts dans le West End en 2018 et ses débuts à Broadway en 2019, où il a été nominé pour 14 Tony Awards, en remportant 8, dont celui de la meilleure comédie musicale.
L’histoire est un mélange moderne de deux contes grecs anciens sur des couples romantiques : Orphée et Eurydice, et Hadès et Perséphone. Les histoires en bref : 1) Orphée et Eurydice se rencontrent et tombent amoureux ; Orphée néglige Eurydice pour se concentrer sur sa musique ; Eurydice est découragée et est séduite aux Enfers par Hadès ; Orphée tente de la sauver. 2) Hadès emprisonne Perséphone comme épouse aux Enfers ; Perséphone conclut un accord selon lequel elle peut revenir à la surface la moitié de l’année ; quand elle revient, c’est le printemps, et quand elle est en bas, c’est l’hiver. Mitchell ajoute les thèmes de la structure de classe et de l’oppression ouvrière tout en s’appuyant sur les idées de foi, d’amour et de nature cyclique de la vie déjà présentes dans les mythes.
Le succès phénoménal d’Hadestown est bien mérité ; cependant, il ne s’agit pas de la première adaptation de ce matériau : de nombreuses œuvres scéniques importantes ont été inspirées par l’histoire d’Orphée et Eurydice. Deux des tout premiers opéras furent Euridice de Jacopo Peri (1600) et L’Orfeo de Claudio Monteverdi (1607). Christoph Willibald Gluck a écrit son opéra Orphée et Eurydice en 1762, et Jacques Offenbach a fait ses débuts avec Orphée aux enfers en 1858 (vous le savez ; il contient de la musique French can-can). L’histoire imprègne également le monde des arts visuels, avec d’importantes peintures et sculptures de Titien et Rodin, entre autres. Le chorégraphe George Balanchine a créé un ballet de l’histoire en 1948. Les cinéastes français de la Nouvelle Vague Jean Cocteau, Marcel Camus et Jacques Demy ont tous adapté des versions uniques de l’histoire pour l’écran. Et plus récemment, la dramaturge Sarah Ruhl a écrit son récit surréaliste du point de vue du personnage féminin dans sa pièce Eurydice (2003).
L’adaptation de Mitchell s’inspire largement de la palette musicale du jazz et du zydeco de la Nouvelle-Orléans du début du XXe siècle tout en conservant les sensibilités influencées par la pop du théâtre musical contemporain. Les instrumentistes dialoguent avec les comédiens et restent sur scène et visibles pendant tout le spectacle. Le résultat est largement festif et exubérant, même lorsque les enjeux sont élevés et la situation désastreuse, ce qui est le cas presque toujours. La ballade « Wait for Me » est devenue un succès sur TikTok et une entrée dans la comédie musicale pour de nombreuses personnes.
Pour la production filmée de 2026 (jouée en direct sur scène à Londres pour un public et plusieurs caméras), les acteurs principaux bien-aimés des productions originales du West End de 2018 et de Broadway de 2019 ont été réunis : Reeve Carney dans le rôle d’Orpheus, Eva Noblezada dans le rôle d’Eurydice, Patrick Page dans le rôle d’Hadès, Amber Gray dans le rôle de Perséphone et André De Shields dans le rôle d’Hermès, le narrateur de l’histoire et maître de cérémonie.
Bien que capturer cet ensemble primé pour la version filmée soit parfaitement logique, j’ai remarqué quelque chose d’intéressant pendant que je regardais la projection. Tout en haut du spectacle, des images d’un public étourdi, captivé par l’attention, attendant avec impatience un moment dont il sait qu’il va arriver. L’impeccablement précis André De Shields entre dans le rôle d’Hermès, prend une position immobile en coulisses et, d’un rapide mouvement, déboutonne sa veste pour révéler un gilet scintillant. Le public rugit. Pour le superfan, c’est le premier d’une longue série de « il a fait le truc ! » célébrations de joie. Pour les non-initiés, c’est le premier d’une longue série de « attendez, qu’est-ce que j’ai raté ? » Moments FOMO. Les plans ultérieurs des membres du public chantant renforcent le fait que nous ne regardons pas la production éclair dans une bouteille de 2018, mais plutôt une tournée de victoire pour une base de fans établie. Cette version d’Hadestown est plus une réunion bien peaufinée qu’une documentation de la production originale.
Mais vraiment, est-ce important ? C’est le casting que les fans et les nouveaux venus veulent voir et entendre. Tous les protagonistes remplissent parfaitement leur rôle (les haineux de Reeve Carney, on vous entend, mais calmez-vous). Eva Noblezada est à la fois fragile et résolue ; Patrick Page respire la gravité et la menace séduisante (même lorsqu’il soigne un Achille déchiré et dans un plâtre noir jusqu’au genou, le faisant bouger avec précaution et comme un chat à travers sa chorégraphie modifiée) ; Amber Grey fait exploser le toit du théâtre, tant dans ses chansons que dans son personnage ; et André De Shields ne pourrait pas être plus parfait et captivant si vous le conceviez en laboratoire. Aux côtés des protagonistes se trouvent un trio de Fates (Bella Brown, Madeline Charlemagne, Allie Danielan) et un ensemble de travailleurs qui créent des mondes complets et fascinants, à la fois dessus et dessous.
La conception scénique originale de Rachel Hauck est un personnage en soi. L’emplacement effectivement unique d’un café et d’un coin de rue qui est à la fois intérieur et extérieur se transforme de manière subtile et spectaculaire, avec des platines concentriques pour une marche sans fin, des suspensions industrielles oscillantes, une plate-forme d’ascenseur centrale et des murs à l’arrière de la scène qui semblent bouger comme s’ils prenaient de grandes respirations (j’ai vu la production en tournée 2021 d’Hadestown avec une automatisation scénique très simplifiée et je peux témoigner de la différence que fait l’ensemble entièrement réalisé).
Le réalisateur Brett Sullivan et le directeur de la photographie Clayton Jacobson font des choix sur des plans qui ne pourraient jamais être vus du point de vue du public (par exemple, pointant vers le haut depuis la plate-forme de l’ascenseur alors qu’elle descend dans le monde souterrain). Mais la couche supplémentaire de mise en scène cinématographique semble sobre et respectueuse de la vision originale du réalisateur de Chavkin. (À l’inverse, j’étais moins enthousiasmé par la version pro-shot Disney+ 2020 de Hamilton, qui donnait souvent la priorité aux gros plans extrêmes plutôt qu’aux vues d’ensemble complètes de la scène. Cela me semblait trop éloigné de l’expérience théâtrale.)
Alors, si c’est l’expérience théâtrale la plus authentique que vous recherchez, ne devriez-vous pas simplement placer une seule caméra verrouillée dans la mezzanine et mettre un terme à cette journée ? Évidemment non. Dans un environnement de théâtre en direct, vos yeux sont attirés par les intentions des interprètes. Vous êtes toujours conscient de la scène complète, mais votre attention se déplace en même temps que l’histoire et le mouvement, suivant les artistes, l’éclairage, le son et les éléments scéniques à travers un espace dimensionnel selon l’intention des artistes. Les écrans de télévision et de cinéma aplatissent cette expérience lorsqu’ils sont réduits à une seule perspective. La narration sur film est racontée par des mouvements de caméra et des montages.
Nous continuons à développer collectivement le vocabulaire visuel sur la manière de présenter un amalgame du meilleur de la scène et de l’écran. La meilleure production scénique filmée doit exploiter les atouts des deux formes d’art. Hadestown se rapproche beaucoup plus de cet équilibre que Hamilton en faisant preuve de retenue dans ce qui a été ajouté – un gros plan d’une larme sur une joue ou d’une mâchoire tremblante – mais en conservant par ailleurs quelque chose de plus proche du point de vue d’un membre du public.
Même si je ne pense pas que quiconque pense que les salles de cinéma ou les expériences de streaming à domicile remplacent le fait d’être dans un public de théâtre en direct, les productions scéniques filmées sont un moyen pour les fans qui ne peuvent pas se rendre à New York ou à Londres de voir les performances et les castings originaux qu’ils adorent. Si vous êtes déjà fan, voir Hadestown : The Musical dans une salle de cinéma (ou éventuellement en le diffusant à la maison) sera tout ce que vous espériez (malgré la cheville de Patrick Page). Si vous êtes nouveau dans la série, ce film pourrait être à la fois le début idéal et la destination ultime de votre voyage aux Enfers.
Durée : Deux heures et 21 minutes.
Hadestown : The Musical sera projeté dans les salles de cinéma pendant cinq jours à partir du 24 juillet 2026.
Musique, paroles et livre d’Anaïs Mitchell. Initialement réalisé pour la scène par Rachel Chavkin. Version filmée réalisée par Brett Sullivan.
