Il existe de nombreuses pièces célèbres de Shakespeare. Le Conte de Cymbeline n’en fait pas partie, mais la dernière production de la Chesapeake Shakespeare Company (CSC) démontre clairement pourquoi il devrait l’être.
Pour être honnête, Le Conte de Cymbeline est l’une des pièces de Shakespeare les plus rarement mises en scène, en partie à cause de la difficulté à résumer avec ses nombreuses parties mobiles et ses intrigues interconnectées. « C’est vraiment un conte de fées : une méchante belle-mère, un appel à l’aventure, une mort, une renaissance et un retour à la maison », note le réalisateur Ben Lambert en décrivant le spectacle. « Cymbeline est une montagne russe ; c’est désordonné, c’est drôle, c’est romantique, c’est plein de musique, de combats et de magie. »
En effet, Cymbeline est un peu une montagne russe, avec des moments de grande comédie, de romance émouvante et de profond chagrin. Il y a également quelques virages serrés à mesure que de nouveaux personnages sont introduits et que des connexions sont établies. Une tragi-comédie considérée comme l’une des dernières pièces de Shakespeare, Cymbeline contient des éléments d’intrigue qui seront familiers à ceux qui connaissent même les plus élémentaires des pièces les plus célèbres de Shakespeare : des identités erronées, un poison qui donne l’impression que quelqu’un est mort alors qu’il ne fait que dormir, une armée d’invasion, une reine maléfique et complice, des personnages comiquement stupides et un filou carrément méchant. Mais comme nous le dit utilement le refrain de la scène d’ouverture en anglais moderne (CSC a modernisé le scénario par endroits), « Alerte spoiler : tout le monde vit heureux pour toujours ».
La série porte peut-être le nom du roi Cymbeline (Samuel Richie), mais son cœur et son véritable protagoniste est sa fille, Imogen (Fabiolla da Silva). La princesse Imogen est présumée être le seul enfant biologique survivant de Cymbeline après que ses deux frères aînés ont été kidnappés alors qu’ils étaient tout-petits et n’ont jamais été revus ; ainsi, il y a une grande pression concernant la personne qu’elle va épouser. Joshua Williams joue habilement à la fois le rôle du roturier posthume, le véritable amour d’Imogen, et celui du prince Cloten, le méchant demi-frère d’Imogen qui cherche à l’épouser, par la force s’il le faut. Du ton de la voix à la physicalité de chaque rôle, Williams contraste clairement le sérieux et l’honneur de Posthume avec l’ego ignoble et l’ineptie de Cloten. Le double rôle ajoute des niveaux d’humour supplémentaires à des moments comme le discours jaloux de Cloten à propos de l’apparence de Posthumus (« les lignes de mon corps sont aussi bien dessinées que le sien ») ou les moqueries d’Imogen à Cloten (« J’ai choisi un aigle et j’ai évité une autruche »).
L’intrigue principale de l’histoire est déclenchée par le mariage secret d’Imogen avec Posthumus. Cela met en colère Cymbeline et sa seconde épouse, la reine actuelle (Ali Haas), qui mène la charge pour créer Cloten avec Imogen et conspire pour finalement éliminer Imogen et Cymbeline. Posthumus est banni et s’embarque pour Rome, où il finit par parier sur la chasteté d’Imogen avec le soldat romain Iachimo (Lizzi Albert, bien que la performance à laquelle j’ai assisté mettait en vedette la doublure de la série, Brooke Donald, dans le rôle). La tromperie de Iachimo convainc Posthumus de la prétendue infidélité d’Imogen et le pousse à faire en sorte que son serviteur, Pisanio (Abel Haddish), tue Imogen. Au lieu de cela, Pisanio l’aide à se déguiser en page masculine Fidelus. Alors qu’elle est déguisée, elle rencontre deux hommes qui s’avèrent être ses frères perdus depuis longtemps. À partir de là, l’intrigue continue de se dérouler, culminant dans une bataille entre la Grande-Bretagne et Rome qui aboutit finalement à la promesse du « bonheur pour toujours ».
La clé d’une excellente production shakespearienne – en particulier aussi complexe que Cymbeline – est la capacité des acteurs à communiquer l’émotion et les enjeux d’une scène, même si les mots eux-mêmes ne sont pas toujours les plus faciles à comprendre pour l’oreille moderne. L’ensemble du casting y parvient, mais ils sont véritablement ancrés dans les rôles principaux, Da Silva et Williams. Da Silva en particulier incarne l’amour juvénile et la forte volonté d’Imogen, même face à la souffrance, aux avances non désirées et au rejet injustifié. Son visage et son langage corporel communiquent clairement l’émotion sous-jacente de chaque réplique avec un sérieux qui sert de pierre angulaire à toute la pièce.
Il y a aussi des moments où des lignes ont été mises à jour ou ajoutées pour aider le public à comprendre exactement ce qui se passe. Par exemple, lorsque l’action passe pour la première fois de la Grande-Bretagne à Rome, les acteurs proposent des commentaires utiles (basés sur les notes de scène originales) tout en réinitialisant la scène : « C’est Rome ! Ce sont des Italiens ! Je suis Français ! » L’utilisation de la couleur dans les costumes par la costumière/garde-robe Hannah Brill aide également grandement à ces transitions : les Britanniques sont habillés dans des tons de vert, les Romains en rouge et Imogen et ses frères sont en bleu.
La production se déroule sur une scène nichée parmi les ruines du Patapsco Female Institute. Le décor extérieur ajoute une ambiance agréable au spectacle (mais aussi de l’humidité et des insectes ; heureusement, CSC avait un insecticide à disposition pour ceux, comme moi, qui avaient oublié). La production utilise pleinement le lieu. Alors que l’essentiel de l’action se déroule au centre de la scène (une construction en bois peinte de verdure, décorée à plusieurs reprises avec des tables, des malles et des rideaux), un chariot en bois planté dans l’allée centrale sert de scène secondaire, et des batailles et des scènes de poursuite se déroulent parfois également dans les allées latérales. La scène principale comporte également une trappe, utilisée à bon escient et ajoutant une autre dimension à la conception de la scène.
Toute production en extérieur sera à la merci de la météo et de l’environnement. Le SCC encourage ses invités à n’hésitez pas à apporter un pique-nique, et les sièges comprennent une section sur le bord extérieur réservée à ceux qui souhaitent regarder sur une couverture de pique-nique. C’est ce que j’ai fait ; En conséquence, j’ai parfois eu du mal à voir l’action sur la scène secondaire, ce qui était normal, mais pour la plupart, j’avais une bonne visibilité. (Je mesure cependant près de six pieds, donc cela peut être un facteur.) De plus, comme aucun des acteurs n’est pris au micro, leur projection vocale, bien que généralement à la hauteur de la tâche, était parfois gênée par le fait d’être dans un point mort sur la scène ou par d’autres sons à proximité, tels que des avions et des trains. Parfois, la musique de fond (conception sonore de Chris Lane) sur un haut-parleur (utilisée principalement pour les transitions de scène mais aussi pendant quelques moments clés de l’action) menaçait également de noyer le dialogue, en particulier pour ceux qui étaient assis plus près des haut-parleurs. Les malentendants voudront peut-être s’asseoir le plus près possible de la scène pour profiter de la meilleure expérience possible.
Cependant, la réalité imprévisible d’une scène extérieure peut également enrichir l’histoire. Au cours de notre représentation, une scène où Clotus tentait d’utiliser de la (mauvaise) musique pour courtiser Imogen a été ponctuée de façon comique par un klaxon de train, et une tempête entrante à la fin du spectacle a littéralement provoqué un tonnerre d’applaudissements de la foule. Le concepteur d’éclairage Dan O’Brien a également fait un excellent travail en s’assurant que l’éclairage s’ajuste à mesure que la lumière naturelle s’estompe ; ce n’est que lorsque la couleur de l’éclairage a changé pour une scène impliquant un rêve sur les esprits et les dieux que j’ai consciemment réalisé que la lumière artificielle était même utilisée.
La combinaison d’une excellente distribution avec un décor extérieur unique est peut-être l’une des meilleures façons d’apprécier une œuvre de Shakespeare, même (ou surtout) aussi complexe que Cymbeline. Cette production permet de comprendre facilement pourquoi le CSC accueille ici depuis plus de 20 ans le plus ancien événement Shakespeare en plein air du Maryland.
Une note de contenu : le SCC encourage les familles à venir : tous les enfants de moins de 18 ans entrent gratuitement avec un adulte payant, et chaque spectacle du dimanche propose une journée de divertissement en famille avant le spectacle qui comprend de l’artisanat, des chansons et l’heure du conte. Cependant, dans un e-mail adressé avant la représentation aux détenteurs de billets, CSC a noté un avis de contenu destiné aux enfants de moins de 13 ans. Il y a une scène au début du deuxième acte impliquant la décapitation et les accessoires associés, ainsi que d’autres scènes de bataille vers la fin de la production. Il existe également des blagues sexuelles typiques de Shakespeare qui peuvent ne pas convenir aux plus jeunes.
Durée : Environ deux heures et 30 minutes, avec un entracte de 15 minutes.
The Tale of Cymbeline sera joué jusqu’au 19 juillet 2026, présenté par la Chesapeake Shakespeare Company au parc historique du Patapsco Female Institute, situé au 3691 Sarah’s Lane, Ellicott City, MD. Les billets pour adultes commencent à 55 $ ; les billets pour les jeunes âgés de 18 à 25 ans commencent à 29 $ ; et les enfants de moins de 18 ans entrent gratuitement (limite de deux par billet adulte payant, maximum de quatre enfants gratuits). Pour acheter des billets, visitez ChesapeakeShakespeare.com ou contactez directement la billetterie en appelant le 410-244-8570 ou en vous rendant en personne au 7 South Calvert Street, Baltimore, MD. Des réductions sont disponibles pour les groupes de dix personnes ou plus et pour les militaires en service actif.
Le Conte de Cymbeline
Par William Shakespeare|
Réalisé par Ben Lambert
CASTING
Imogène : Fabiolla da Silva
Posthumus/Cloten : Joshua Williams
Cymbeline/Conteur : Samuel Richie
Iachimo/Conteur : Lizzi Albert
Belaria/Reine : Ali Haas
Pisanio/Conteur : Abel Haddish
Guiderius/William : Lloyd Marcus
Arviragus/Adrian : Luke Douglas
Caius Lucius/Autres : Elana Michelle
Doublure : Brook Donald
ÉQUIPE CRÉATIVE
Producteur : Compagnie Chesapeake Shakespeare
Réalisateur : Ben Lambert
Directrice de production : Lauren Engler
Régisseur : Colin Maher
Régisseur Swing : Lauren Engler
Directeur technique, scénographe/éclairage : Dan O’Brien
Costumière/Garde-robe : Hannah Brill
Directrice musicale : Grace Srinivasan
Concepteur sonore : Chris Lane
Artisan des accessoires : Mason Dennis
Associée à la production : Dawn Thomas Reidy
Directrice du combat : Jenny Male
Consultante en intimité : Mel Gabel
Coach dialecte/texte/vocal : Emily Erikson
Dramaturge : Abraham Stoll
Assistante régisseure : Ilana Mongilio
Directeur technique adjoint : Chester Stacy
Responsable technique : Cameron Luther
Assistante de production : Audrey Russell
Stagiaire à la production : Ryan Macdonald
Directrice principale de la maison : Pamela Forton
