La question dramaturgique séculaire est toujours : « Pourquoi faire cette pièce maintenant ? Dans le cas d L’Orestie – actuellement sur scène à la Chesapeake Shakespeare Company et la première incursion de la compagnie dans la tragédie grecque – la réponse est lourde si nous examinons une pièce ancienne pour des parallèles contemporains avec notre propre époque, nos guerres actuelles ou notre propre compréhension moderne d’idées abstraites comme la justice, vengeance, devoir, famille ou divinité. Le reflet peut (ou non) être là, mais dans un miroir hautement déformé et fracturé.
Nous devrions plutôt admirer L’Orestie comme une fenêtre sur un monde ancien et étrange de violence, de cruauté et d’esclavage, mais aussi comme le lieu où ont émergé les nobles concepts de la philosophie occidentale, du théâtre et de la démocratie – ceux qui façonnent notre société jusqu’à aujourd’hui. Il existe de nombreuses vérités, comme le conclut la pièce dans ses dernières lignes, et ces vérités peuvent être contradictoires, mais cela ne les rend pas moins vraies dans cette production captivante et mise en scène de manière vivante, mise en scène par Lise Bruneau.
La belle et cathartique adaptation d’Ellen McLaughlin de la trilogie tragique d’Eschyle — Agamemnon, Les porteurs de libationet Les Euménides (458 avant notre ère) – concerne l’une des familles les plus maudites de la mythologie grecque, une famille qui a bafoué toute décence et commis des actes de meurtre familial, de cannibalisme, d’inceste, d’orgueil et d’impiété sur les générations suivantes. Dans cette tragédie, le grand commandant de la flotte grecque, Agamemnon, roi de Mycènes, sacrifie sa fille, Iphigénie, pour déclencher la guerre de Troie ; sa reine, Clytemnestre, attend dix ans le retour triomphal de son mari pour se venger. Après une autre décennie, leur fils adulte, Oreste, retourne à Mycènes et, encouragé par sa sœur Electre, cherche à venger le meurtre de son père.
C’est une pièce qui fonctionne parce que ses horreurs ne sont pas les nôtres : les vices et les vertus sexistes sont totalement étrangers ; les rêves sont toujours prophétiques, si les rêveurs peuvent en déchiffrer le sens ; et les dieux sont menaçants, insensibles et mesquins, faisant connaître leur présence à travers leurs exigences cruelles et leurs cadeaux inhumains. Autrement dit, tout est du grec (ancien) pour nous, et cela – avec les vers riches et lyriques et l’humanité vulnérable des personnages – est la beauté de cette œuvre.
Dans le rôle de Clytemenstra, Isabelle Anderson est merveilleuse, royale et nuancée. Elle peut aimer et haïr, et elle peut brûler avec un feu qui dure pendant dix ans tout en restant calme et calme au retour d’Agamemnon (Stephen Patrick Martin). C’est une vipère qui rêve d’allaiter des serpents, une renarde dans sa série de robes de chambre diaphanes (toutes conçues par Kristina Lambdin), une victime de l’amour de l’honneur de son mari, et elle est la vengeance incarnée. Anderson embrasse magnifiquement tout cela, aussi complexe et riche dans ses choix et sa prestation sur scène que la mer Égée sombre et vineuse.
Les acteurs jouant le reste de la famille maudite ont également de solides performances. Stephen Patrick Martin propose un Agamemnon stoïque, qui choisit la fierté masculine plutôt que la protection de sa propre famille. La jeune actrice Charlotte Molitoris crée une apparition obsédante de l’innocence perdue dans le rôle d’Iphigénie. Lizzi Albert – toujours un plaisir dans les rôles comiques shakespeariens – ajoute presque un peu de légèreté comme la rebelle Electre, retournant l’oiseau dans le dos de sa mère. Elle est Cendrillon avec une vendetta, purulente par dix ans de vengeance dans son cœur. Et Isaiah Mason Harvey brille dans le rôle d’Oreste, l’héritier en conflit qui revient réclamer l’héritage qui lui a été laissé, un héritage d’horreurs indescriptibles et de choix impossibles. Qu’il agisse comme le vaisseau d’Apollon, qu’il confronte sa mère pour ses crimes ou qu’il plaide sa cause devant les domestiques devenus jurés, l’Oreste d’Harvey est profondément humain et émouvant.
Superviser tout cela est le chœur grec – Gabriel Alejandro, Hana Clarice, Surasree Das, Lloyd Ekpe, Alie Karambash, Lesley Malin, Dawn Thomas Reidy et David Yezzi – composé de domestiques qui nettoient littéralement après la famille royale, lavant loin du sang répandu dans la maison. Ils deviennent aussi les effrayantes Furies poursuivant Oreste (à l’aide de lumières stroboscopiques et de poses dramatiques) et enfin, le jury qui doit entendre le cas d’Oreste. Composé de tous les acteurs locaux et de nombreux visages parmi les plus familiers de CSC, notamment Malin, directeur de la production exécutive de CSC, le chœur bouge souvent puis pose dans tableaux vivants, posant des questions rhétoriques sur les questions les plus épineuses de la justice et de la vengeance avec des lignes qui se chevauchent et des mots qui font écho. Ramenée en tant qu’épouse asservie d’Agamememnon, la captive Cassandra (interprétée par Emily Erickson dans le rôle d’une prophétesse aux yeux fous) ne souffre pas d’amnésie collective à propos du passé sordide de la famille : elle voit toutes leurs générations de crimes pervers et prévoit sa propre fin pathétique.
La Maison hantée d’Atreus – la façade d’un palais en pierre grise avec des coquelicots rouges éclatant – est efficacement conçue par Kathryn Kawecki. Sous la vision de la conceptrice d’éclairage Katie McCreary, les couleurs du palais changent légèrement, que ce soit dans les scènes de flash-back, devenant vertes avec la décadence, rouges avec la colère ou bleues froides ; lorsque Oreste et Clytemnestre se rencontrent, les lumières palpitent subtilement avec des teintes roses comme un battement de cœur ou un utérus. Lorsqu’Apollon parle à travers Oreste ou Cassandra, l’éclairage époustouflant de McCreary et la conception sonore de Sarah O’Halloran créent ces moments d’intervention divine. Les costumes polychroniques de Kristina Lambdin ont moins de succès : Clytemnestre dit qu’en se promenant dans les salles, on entre et sort des siècles, mais ici c’est trop littéral. Les costumes des serviteurs vont des tuniques paysannes médiévales aux livrées de majordome et de servante victoriennes, et il est choquant lorsqu’un serviteur pose un ordinateur portable et qu’Oreste enlève sa cape de voyageur pour révéler un sweat à capuche gris, car rien d’autre n’indique un décor contemporain.
L’Orestie a été commandée par la Shakespeare Theatre Company comme toute dernière pièce mise en scène par Michael Kahn à la STC avant sa retraite. À bien des égards, sa direction lyrique de l’œuvre témoignait de sa vision du STC – un grand théâtre classique qui était capital et épique par son ampleur, mais aussi intime, approfondi et vulnérable. Au SCC, la version de Lise Bruneau a été réduite, mais rien n’a été perdu. Il s’agit désormais d’un drame familial au sens large, qui ne parle pas de notre époque et n’en a pas besoin. C’est sa propre vérité, son propre mythe, sa propre tragédie, et c’est dans les questions qu’elle pose sur nos valeurs qu’elle devient intemporelle.
Durée : Deux heures avec un entracte de 15 minutes.
L’Orestie joue jusqu’au 10 mars 2024 à la Chesapeake Shakespeare Company, 7 South Calvert Street, Baltimore, MD. Les billets pour adultes commencent à 55 $ ; les billets pour les jeunes de moins de 25 ans commencent à 28 $. Les abonnements et les billets peuvent être achetés en appelant le 410-244-8570, en commandant en ligne sur ChesapeakeShakespeare.com ou en vous rendant à la billetterie en personne.
L’Orestie
Librement adapté par Ellen McLaughlin de la trilogie tragique d’Eschyle
CASTING
CLYTEMNESTRE – Isabelle Anderson*+
IPHIGÉNIE – Charlotte Molitoris
AGAMENON – Stephen Patrick Martin +
ORESTE – Isaiah Mason Harvey ●
CASSANDRE – Emily Erickson
ÉLECTRE – Lizzi Albert*
CHŒUR – Gabriel Alejandro
CHŒUR – Hana Clarice
CHŒUR – Surasree Das
CHŒUR – Lloyd Ekpe ●
CHŒUR – Alie Karambash
CHŒUR – Lesley Malin*
CHŒUR – Dawn Thomas Reidy* ●
CHŒUR – David Yezzi
DOUBLÉES
Lucy Redmon Connell, David Forrer*, Laura Malkus*
ÉQUIPE ARTISTIQUE ET CRÉATIVE
Réalisatrice – Lise Bruneau○+
Directrice de production – Sarah Curnoles*
Régisseur – Alexis E. Davis*
Directeur technique – Dan O’Brien*
Scénographie – Kathryn Kawecki
Conception d’éclairage – Katie McCreary*
Conception sonore – Sarah O’Halloran
Directrice musicale – Grace Srinivasan*
Conception des costumes – Kristina Lambdin*
Artisan des accessoires – Trey Wise
Directrice adjointe – Lauren Davis* ●
Associée de production – Dawn Thomas Reidy* ●
Régisseur adjoint – Tyrel Brown ●
Directeur technique associé – Chester Stacy*
Chorégraphe de combat – Gerrad Alex Taylor* ●+
Conseiller en mouvement – Dance & Bmore
Opérateur de bord – Theodore Sherron III
Responsable de la garde-robe – Harper LaBrozzi
Garde d’enfants – Vanessa Strickland
Responsable de la sécurité Covid – Mandy Benedix*
Directrice principale de la maison – Pamela Forton* ●○
* Entreprise membre du SCC
+ Association pour l’équité des acteurs
○ Société des metteurs en scène et chorégraphes
● Membre du Black Classical Acting Ensemble
