Par Morgan Pavey
j’ai vu Louer plusieurs fois, et la plupart des productions que j’ai vues sont honnêtement assez similaires. Par dévotion au livre, à la musique et aux paroles du regretté icône Jonathan Larson, ils ont tendance à adhérer étroitement à la chorégraphie et aux pistes vocales de la production originale de Broadway, les rendant prescrits et prévisibles.
En quête de vivre une nouvelle expérience, j’ai été attiré par la promesse de l’ouverture de la saison du directeur artistique Sean Elias au Iron Crow Theatre de Baltimore. Se présentant comme un « théâtre queer pour une ville queer », le site Web d’Iron Crow proclame une valeur fondamentale de « non-conformisme ».
Ce qui était formidable dans la production d’Elias, c’était la manière dont il tenait sa promesse de revitalisation. Avec une chorégraphie mise à jour d’un ensemble actif et de nouvelles versions de chansons classiques, j’ai assisté à des performances vraiment remarquables. Cependant, la production a parfois souffert du manque d’énergie de certains interprètes et de graves problèmes de son.
Un petit rappel : Louer dévoile la vie d’une famille choisie vivant dans le Lower East Side de New York à la fin des années 1990, alors qu’elle utilise l’art, l’amour et le courage pour lutter contre les crises du VIH/SIDA, la toxicomanie et l’itinérance dans un paysage en voie de gentrification. Les principaux acteurs incluent les colocataires artistes Mark et Roger ; leur ex-colocataire Maureen, reine du drame, et sa nouvelle petite amie Joanne ; leur bon ami Collins et son nouvel amour avec l’artiste drag queen Angel ; une colocataire devenue amoureuse de l’esprit sauvage Mimi Marquez ; et leur vieil ami traître (devenu propriétaire) Benny.
Dès l’entrée dans le théâtre, la scénographie de Thomas Jenkeleit est saisissante. Le désordre d’un entrepôt abandonné est associé à un panneau du métro de New York, et un simple visage souriant peint à la bombe sur une vitre cassée est un totem parfait de joie résiliente au milieu du chaos. La conception a fourni de nombreuses opportunités aux acteurs d’interagir avec le décor et de rester sur scène tout au long de la production.
Les acteurs ont profité de ce terrain de jeu dans un avant-spectacle à la fois libre et chorégraphié, alternant les rôles d’acteurs s’échauffant et se transformant en douceur en tableaux de groupe. C’était intéressant, invitant et un premier signe qu’il s’agirait d’une production atypique.
Mais c’était une nuit particulièrement enneigée, la maison était tenue et les acteurs sont restés là pendant près d’une demi-heure avant que nous commencions. Peut-être à cause de ce décollage prolongé, le numéro d’ouverture semblait plat et manquait d’attaque ou d’énergie.
Ce sentiment a radicalement changé avec le début de la chanson titre, « Rent ». Le théâtre a pris son envol alors que les acteurs travaillaient ensemble avec cœur et détermination. Il est rapidement devenu évident que l’ensemble était compétent et concentré (avec une présence scénique particulièrement remarquable du membre de l’ensemble Sam Slottow). L’ensemble du casting se sentait intégré et plus fort ensemble, et présent d’une manière que je n’ai pas vue dans les productions de Louer avant.
La direction habile d’Elias était évidente dans la façon dont l’ensemble rehaussait les paroles avec un simple effet sonore ou un geste. Elias a également évoqué un excellent jeu d’acteur dans « Light My Candle », le numéro qui présente Roger et Mimi dans l’acte I. Plutôt que de jouer l’humour ou le résultat de la rencontre depuis le début, Roger (Carter Crosby) et Mimi (Natalia Fyfe) joué honnêtement chaque instant à la fois, laissant se développer un récit de personnage très clair. En jouant honnêtement la peur et la réticence de Roger ainsi que la spontanéité de Mimi mais aussi son combat contre la dépendance, toutes les luttes qui ont suivi dans leur arc relationnel étaient crédibles et soutenues.
Bien que l’ensemble du casting variait de vocalement fort à vocalement stellaire, tous les interprètes n’avaient pas la maîtrise physique correspondant à leurs capacités vocales. Le numéro emblématique d’Angel, « Today 4 U », doit jaillir d’un canon – un effet que les membres de l’ensemble Sam Slottow et Tyler White ont obtenu lors de leur pause dansante de fan-voguing, mais qu’Angel, joué par Nicolas Miles, n’a pas réussi. De toute évidence un bon chanteur et habile à apporter le cœur indispensable au rôle d’Angel, Miles n’était néanmoins pas tout à fait au top de ce numéro, précipitant le tempo et apparemment un peu incertain.
Cette précipitation est peut-être due à certains problèmes de son, qui m’ont continuellement fait sortir de la production. Les micros n’étaient pas toujours allumés quand venait le temps de chanter, ce qui entraînait des paroles manquantes pour le public et une baisse de l’énergie musicale. La réverbération résonnait par moments, et je me demandais si cela faisait que les artistes n’entendaient pas toujours leur accompagnement sur scène ; il y a eu plusieurs cas où j’étais en avance sur la musique ou où j’avais légèrement vacillé avant de retrouver les notes.
Cela dit, des morceaux comme « Tango: Maureen » ont frappé comme un pétard et nous ont ramenés à la vie, avec la voix lumineuse de Breanne Sensenig dans le rôle de Joanne, accompagnée par l’énergie dévouée et la folie sincère et axée sur les personnages de l’interprète Jeremy Allen Crawford. Marque.
Les performances vraiment remarquables de la soirée sont venues de Collins, joué par Terrell Chambers, et de Maureen, jouée par Rachel Cahoon.
Chambers a brillé dans le rôle de Collins dès la seconde où il est monté sur scène, avec son génie affiché dans « Sante Fe » de l’acte I. Dans l’acte II, sa prestation de « I’ll Cover You : Reprise » a été l’une des performances les plus remarquables que j’ai jamais vues – exceptionnellement chantée et interprétée avec vérité ; il a ému le public aux larmes. Je reviendrais à cette production juste pour le voir chanter à nouveau cette chanson.
Dans le rôle de Maureen, Cahoon a réussi sa performance « Over the Moon » dans l’acte I. Hilarante, dynamique et résolument différente des versions que j’ai vues auparavant, elle m’a fait simultanément rire aux éclats tout en m’émerveillant de ses prouesses vocales et de son jeu ancré. Et, entre Cahoon dans le rôle de Maureen et Sensenig dans le rôle de Joanne, je ne pense pas que j’entendrai un jour « Take Me or Leave Me » de l’acte II mieux chanté.
Un bref intermède lié à Maureen pour tous les Rentheads : la gestion de Maureen dans cette production a été fantastique. Plutôt que d’être complètement caché jusqu’à l’entrée sauvage avant « Over the Moon », Elias intègre Maureen dans l’action en arrière-plan dès qu’elle est référencée par d’autres personnages. Cela nous permet de ressentir son poids dramatique et son attrait avant qu’elle ne parle – ce qui n’est généralement pas le cas avant la fin du premier acte…
Dans un changement significatif par rapport aux autres productions que j’ai vues, Elias a décidé de déplacer le placement de l’entracte. Plutôt que de couper maladroitement l’acte 1 juste avant la protestation tant attendue (comme cela se fait traditionnellement), Elias a continué jusqu’à la fin de « La Vie Bohème/I Should Tell You », qui est un point d’arrêt beaucoup plus satisfaisant et sensé. De plus, nous commençons toujours l’acte II avec « Seasons of Love » (vous pouvez le mettre n’importe où !). C’est un meilleur choix à tous égards possibles et je me demande pourquoi quelqu’un le ferait autrement à partir de maintenant.
Malgré quelques embûches en cours de route, cette production de Louer contient des moments à ne pas manquer, produits par une entreprise dans laquelle j’ai très hâte de revenir et de soutenir à l’avenir. Assurez-vous de consulter leur site Web pour obtenir des informations supplémentaires et arrivez tôt au théâtre pour explorer l’excellente exposition d’art complémentaire dans le hall.
Durée : Environ deux heures et 45 minutes, incluant un entracte de 15 minutes.
Louer joue jusqu’au 4 février 2024, présenté par Iron Crow Theatre au Baltimore Theatre Project, 45 W. Preston Street, Baltimore, MD. Acheter des billets (25 $ à 45 $) en ligne.
Les crédits de distribution et de création sont en ligne ici.
Louer
Livre, musique et paroles de Jonathan Larson
Réalisé par Sean Elias
Chorégraphie et assistante à la mise en scène par Quae Simpson
Direction musicale par Rachel Sandler
Conception d’éclairage par Thomas P. Gardner
Scénographie de Thomas Jenkeleit
Création des costumes par Camille Lerner
Conception sonore par Brad Ranno
Réalisation Intimité par Shawna Potter
Morgane Pavé a obtenu son MFA de l’Académie d’interprétation classique de la Shakespeare Theatre Company en 2020. Même si elle ne joue plus, elle reste une passionnée de théâtre et une défenseure des arts. Elle vit actuellement dans le Maryland et partage son temps de travail entre l’hôtellerie, l’entreprise générale et la collecte de fonds à but non lucratif.
