Il est difficile d'imaginer, surtout à cette période de l'année, que quiconque n'ait pas vu la version cinématographique bien-aimée de 1965 du film de Rodgers et Hammerstein. La Mélodie du bonheur, qui s'ouvre sur la photo emblématique en hélicoptère de Julie Andrews tournant dans une prairie alpine. C'est un incontournable des vacances.
Beaucoup moins de gens ont vu la production originale de Broadway, même si elle a remporté cinq prix Tony, dont celui de la meilleure comédie musicale en 1959, et a présenté 1 443 représentations sur quatre ans – soit encore six mois avant la sortie en salles originale du film. Il est donc compréhensible que beaucoup de gens en arrivent à une reprise de la version scénique avec une empreinte indélébile de pique-niques en montagne, de montages de Salzbourg et de que spectacle de marionnettes gravé dans leurs esprits.
Pour cette raison, il vaut la peine d’examiner les endroits où le film a quitté la série – afin que ce ne soit pas l’inverse. Tous deux étaient basés sur les mémoires de l'actuelle Maria von Trapp, détaillant comment elle s'est échappée d'Autriche avec son mari, capitaine de marine, et leurs enfants lors de l'invasion nazie en 1938. Maria, enseignant dans une abbaye et ayant l'intention de devenir religieuse, a été invitée à est venu donner des cours à la fille du capitaine et a ensuite commencé à s'occuper de tous les enfants. Voyant à quel point elle aimait ses enfants, Georg von Trapp lui demanda de l'épouser, même s'il était de 25 ans son aîné. Elle s'enfuit à l'abbaye pour demander conseil, et la mère abbesse — plutôt que de lui dire de suivre son cœur, comme dans la comédie musicale — lui dit que c'était la volonté de Dieu qu'elle l'épouse, ce qu'elle fit en 1922. Elle dit à l'origine qu'elle était en colère parce qu'elle voulait vraiment devenir religieuse, mais elle aimait suffisamment les enfants pour décider d'accepter son offre. Elle en est venue à aimer profondément son mari et ils ont eu trois enfants, en plus des sept beaux-enfants. Le drame de leur fuite d'Autriche a été considérablement intensifié pour le spectacle ; en réalité, mariés depuis longtemps avant que les événements du spectacle n'aient lieu, ils étaient en tournée dans le cadre d'un acte musical pour tenter de se remettre de la perte de fortune du capitaine von Trapp en 1929 lorsqu'ils furent témoins des préjugés et de la cruauté croissants alors que les nazis prenaient le pouvoir en Autriche. . Lorsque von Trapp se vit « offrir » une commission dans la marine allemande, ils partirent en train pour l’Italie, puis l’Angleterre et les États-Unis. Il est évidemment bien plus dramatique de les voir s'enfuir après leur lune de miel après leur première représentation en tant que Trapp Family Singers, échapper aux nazis, puis escalader les montagnes jusqu'en Autriche.
Les différences majeures que le film fait par rapport à la comédie musicale résident dans l'ordre des chansons et la complexité de la mise en scène. Par exemple, « My Favorite Things » est chanté au début du spectacle par Maria et la Mère Abbesse pour remonter le moral de Maria à la sortie de l'abbaye. (« I Have Confidence », qui sert à cet effet dans le film, a été écrit par Rodgers pour le film après la mort d'Hammerstein et n'apparaît généralement pas dans la version scénique.) La chanson que Maria utilise pour distraire les enfants pendant l'orage est « The Lonely Goatherd » – et non, il n’y a pas de marionnettes en vue. Quelque chose dans le spectacle qui pourrait surprendre agréablement les cinéphiles sont deux chansons chantées par le capitaine, sa fiancée Elsa et son ami moocher Max – « How Will Love Survive » et « No Way to Stop It ». Le premier explique à quel point il est peu romantique qu'Elsa et le capitaine soient tous deux riches et n'aient aucune difficulté à surmonter (alors qu'en réalité, le capitaine a été ruiné par la dépression et qu'il n'y avait pas de fiancée riche), et le second est un hymne léger à capitulation pour l’auto-préservation politique que le capitaine déteste. Ces chansons ont été exclues du film, probablement pour une longue période, car Eleanor Parker, qui jouait Elsa, avait apparemment une forte voix de soprano. Une chanson du film qui a fait partie des reprises est « Something Good », la chanson d'amour que Maria chante au capitaine à la place du plus piétonnier « An Ordinary Couple ».
Maintenant que toutes les attentes cinématographiques irréalistes ont été doucement détrompées, les téléspectateurs peuvent pleinement profiter de la production du Toby's Dinner Theatre de Le son de la musique, un régal de vacances qui en vaut la peine. Bien qu'il n'y ait pas de vues de montagne à couper le souffle ni d'abbayes vertigineuses, l'équipe de production (la conception scénique de David A. Hopkins, l'éclairage de Lynn Joslin et le son de Mark Smedley) tire le meilleur parti de l'intéressant espace circulaire de Toby. Un escalier en toile de fond représente les célèbres collines vivantes, et un autre, recouvert de moquette, de papier peint et de rideaux luxuriants, indique habilement l'étage de la villa von Trapp. De jolis vitraux dans les coins s'illuminent dans les scènes de l'abbaye alors que des lanternes gothiques descendent du plafond. Celles-ci alternent avec un charmant swing pour « Sixteen Going on Seventeen » et des lustres pour les scènes de bal, ce qui rend le tout encore plus choquant lorsque des banderoles rouges avec des croix gammées descendent pour le concert final, pour être violemment arrachées par des chemises brunes au début de la scène de poursuite (une façon dramatique de les faire sortir de la scène pour la scène suivante).
En fait, dans l’ensemble, le réalisateur et chorégraphe Mark Minnick fait un excellent usage des limites de l’espace. Les changements de scène sont couverts par des affaires soigneusement éclairées dans l'un des escaliers ou des sorties tandis qu'une équipe d'experts de machinistes ninja bouscule les meubles dans l'obscurité. Minnick gère également de manière experte la chorégraphie minutieuse requise pour gérer les lignes de vue et permettre à tous les spectateurs de voir tous les visages des acteurs à un moment donné de chaque scène. Dans la scène du jardin de Rolf et Liesl, la mise en scène fait bon usage d'un « canapé de conversation » où les personnages peuvent faire face à deux directions différentes. Dans un numéro comme « So Long, Farewell », qui est beaucoup plus facile à mettre en scène en ligne droite, les enfants font face à des directions différentes pour dire au revoir à tous les invités du bal (et au public). Dans l’ensemble, voir la manière intelligente dont Minnick déploie ses décors et ses acteurs dans l’espace est suffisamment passionnant pour ne pas manquer tous les paysages de Salzbourg.
Les costumes de Janine Sunday et Sarah King sont tout à fait appropriés. Des habits de nonne à la robe abandonnée de Maria (« les pauvres ne voulaient pas de celle-là »), aux tenues charmantes et horribles des enfants faites de rideaux, aux robes glamour d'Elsa Shrader, au costume de Maria lorsqu'elle revient de sa lune de miel qui est juste assez serré pour suggérer qu'elle est (hum) une femme maintenant, ils correspondent admirablement à la facture.
Le petit groupe de six musiciens, dirigé au clavier par le directeur musical Ross Scott Rawlings et caché derrière un vitrail au-dessus du public, sonne plus grand qu'il ne l'est mais n'écrase jamais les voix.
Et ces voix sont le point culminant de la soirée. Le chœur de la nonne, qui semble beaucoup plus large qu'il ne l'est en réalité, est convenablement sublime dans le « Préludium » qui sert d'ouverture (bien qu'à un moment donné dans le « Gaudeamus Domino » avant le mariage, la balance semble pencher du côté des sopranos). . Max (David James) est agréablement malin et complice. Elsa Shraeder d'Asia-Ligé Arnold est une rivale glamour et mondaine pour Maria, même si son vibrato est si prononcé qu'il interfère parfois à la fois avec sa hauteur et sa diction. Mais il est satisfaisant qu'elle se rende compte qu'elle et le capitaine ne sont pas alignés moralement, plutôt que de sacrifier de manière saccharine son propre amour pour le plus grand de Maria, comme elle le fait dans le film. Les enfants de von Trapp chantent comme des anges et se comportent un peu comme des diables, comme ils le devraient. Le Liesl d'Emily Signor est particulièrement fort. Et celui de Friedrich (Owen Kulikowski, Jackson Paige ou Lucas Rahaim) qui frappe le « billet d'argent » en sol aigu dans « So Long, Farewell » est un régal. La mère abbesse (Adrienne Athenas) a la lourde tâche de terminer non seulement l'acte 1 mais tout le spectacle avec « Climb Ev'ry Mountain », et lors de la représentation que nous avons vue, on s'est demandé au début si elle pouvait s'élever. pour le moment, pour ainsi dire – mais le moment venu, elle fait retentir les notes aiguës avec la même force qu'une cloche d'abbaye.
Bien sûr, les piliers du spectacle sont le capitaine et Maria. Lorsque Christopher Plummer s'est vu proposer le rôle dans le film, il a refusé jusqu'à ce qu'il soit assuré qu'il pourrait travailler avec le réalisateur pour rendre le personnage plus intéressant. Malheureusement, cette option n’est pas disponible pour l’acteur de la comédie musicale. En outre, il y a le problème quelque peu inconfortable (pour le public moderne) du fait que le capitaine est beaucoup plus âgé que Maria et son employeur. Mais comme l’histoire est basée sur des événements réels et s’inscrit très fermement dans son époque (à la fois 1938 et le début des années 60), nous devons calmer nos réticences et prendre la relation comme écrite. Jeffrey Shankle fait un Georg von Trapp approprié – raide, convenable, grincheux avec humour et rigide au début, en colère à juste titre contre ce que les nazis font à son Autriche bien-aimée et aimant envers les enfants et Maria sous son influence. La voix de Shankle est chaleureuse et forte dans « Edelweiss ». Ce n’est pas une performance écrasante, mais tout ce que le rôle lui donne, il le fait bien.
Maria de Rachel Cahoon est peut-être la plus différente de celle présentée dans le film. Alors que dans le film, les moments où Maria rend le coup de sifflet du capitaine et dit plus tard : « Je n'ai pas encore fini ! » pour lui faire écouter quelque chose de choquant, ici ils semblent totalement attendus. La phrase que chantent les religieuses à propos d’elle étant « un feu follet » dans « Maria » n’a jamais semblé aussi erronée. Cette Maria est une force avec laquelle il faut compter, un peu comme sa montagne bien-aimée. Calhoon a des sourcils féroces et une voix forte qui chassent toute trace de douceur sucrée qui avait auparavant écoeuré le personnage. Et cela aide également à dissiper tout reste de malaise concernant la relation entre le capitaine et Maria. Ils sont clairement égaux depuis le début.
Dans l'ensemble, ceci Le son de la musique est une production charmante, intéressante et délicieuse.
C'est à ce moment-là qu'un évaluateur dit généralement : « Prenez un billet et partez ! » mais la production de Toby de Le son de la musique est épuisé depuis avant son ouverture. J'espère donc que cette critique vous a donné un avant-goût des plaisirs de la série et de la manière dont elle peut être appréciée à part entière, et pas seulement comme un pâle précurseur du film.
Et si vous avez des billets et que vous n'y êtes jamais allé auparavant, n'oubliez pas de jeter un œil à toutes les œuvres d'art en fibre accrochées dans le hall, représentant les spectacles passés.
Vous pouvez essayer d'appeler la billetterie au 410-730-8311 pour voir si des places sont disponibles, et il semble que des billets pour l'extravagance du réveillon du Nouvel An de Toby soient encore disponibles.
Durée : Environ deux heures et demie avec un entracte.
Le son de la musique joue jusqu'au 12 janvier 2025 au Toby's Dinner Theatre, 5900 Symphony Woods Road, Columbia, MD. Les billets, incluant le dîner et le spectacle (adulte, 74 $ à 92 $; enfant, 64 $ à 67 $), peuvent être achetés en appelant au 410 730-8311 ou en ligne.
Le menu est ici. L'affiche est ici.
