En tant qu'artiste qui aime Shakespeare et le théâtre musical, j'avais de grands espoirs pour jouer sur!, Une comédie musicale de jukebox transportant la douzième nuit de Shakespeare à la Renaissance de Harlem avec la discographie de Duke Ellington. Je suis partisan ici: de travailler autrefois au Ford's Theatre, je sais que le public de DC a vu le travail de Cheryl L. West en tant que dramaturge avec Shout Sister Shout!, Et son concepteur, Sheldon Epps, est un leader majeur dans un premier aperçu des efforts de dramaturges bipoc. J'étais ravi de voir leur travail dans un nouvel environnement – et comment cette histoire américaine se déroulant dans la Renaissance de Harlem ferait à la signature. J'ai aussi adoré la récente prise de folger ouvertement queer et influencé par des kinks par Mei Ann Teo. Avec de tels collaborateurs et la formule qui vient avec Twelfth Night, il a les ingrédients pour une expérience spéciale. C'est une expérience, à coup sûr.
À l'intérieur du théâtre Max, sa disposition de scène repensée ne ressemble à rien que vous ayez jamais vu auparavant à Signature, avec une scène de poussée élargie ouvrant au public, superbe design opulente Art Deco de Dan Conway et des tables à manger comme espace de siège partiel pour le public juste près de la scène – Paradise Blue à Studio Theatre-Style. J'ai été fasciné par les possibilités de l'espace. En fin de compte, je me suis retrouvé avec des sentiments mitigés. C'était un spectacle, mais il avait des problèmes de script et de stimulation. J'ai adoré ses technicités de théâtre musical. Je n'aimais pas la narration.
Tout au long, il y avait des pyrotechniques vocaux puissants par ses étoiles et des performances de tapotements par son groupe sur scène (mené par Jermaine Hill). La joyeuse chorégraphie lourde a été réalisée énergiquement par son ensemble travailleur, avec une grande attention accordée au mouvement, à la ligne, au rebond et au rythme intentionnels du chorégraphe Breon Artzell. Et les costumes d'époque de Samantha C. Jones étaient à couper le souffle, en particulier les nombres scintillants pour VY et Lady Liv. Le spectacle dans son ensemble était que Shakespeare rencontre le club de jazz sans vous battre la tête. En conséquence, c'est plus Duke Ellington que Shakespeare; Et si vous faites une comédie musicale, vous avez besoin de plus de motivation.
Dans cette version, Viola ou Vy (Jalisa Williams, dans un tour d'étoile mérité, bien que plus modérée que ardente dans sa prise), veut être un compositeur de club de coton pendant la Renaissance de Harlem. Parce qu'elle est une femme dans les années 1930, elle n'est pas prise au sérieux. Encouragée par son oncle, la bouffon (Wesley J. Barnes, qui peut sérieusement chanter et sérieusement exploiter), elle se déguise en homme – «Vy-Man» – à présenter sa musique au duc: pas Orsino, mais duc Ellington, joué avec substance et un ténor puissant de Greg Watkins. Il est amoureux de la tête d'affiche du club, Lady Liv (Olivia, une étonnante femme de tête de diva mélodramatique à Awa Sal Secka, qui porte absolument ce spectacle), et il confie Vy à envoyer ses chansons d'amour. À son tour, Lady Liv tombe amoureuse de VY, même si le Malvolio de cette émission, le Rev (An Sortie, puis Chuckie Benson), a des sentiments pour Lady Liv. Entrez le chaos d'identité erronée, bien que peut-être moins le chaos qu'une douzième nuit typique.
Certains choix de script m'ont laissé perplexe: Vy n'a pas de moment «elle n'a laissé aucun anneau avec moi», et Lady Liv n'a pas de moment «quel est votre filiation» ou tout chagrin apparent à constituer d'être une diva, comme celle de la perte d'origine de son père et de son frère. Les deux se sentent terriblement nécessaires pour une pièce où il semble que les principaux personnages féminins, en particulier Vy, ont besoin de plus de développement de personnages dans le premier acte. Ce n'est pas aidé que la paire ait une seule chanson ensemble – «Don't Kit Around Beauy», qui est néanmoins un moment hors concours pour Williams et Sal Secka comme les deux s'amusent avec le flirt.
Il n'y a pas non plus d'équivalent à Sebastian – laissant Lady Liv avec un partenaire romantique final moins développé et bizarre. Cela donne également à Jester un intérêt romantique, un nouveau personnage dans Chorus Girl CC, avec qui il a une relation à nouveau en marche – alors que dans la douzième nuit, Feste est plus à l'extérieur, sans amant. En raison de l'accent mis sur toutes ces relations hétéronormatives, le «genre de genre» qui est souvent un sujet énorme à faire avec la douzième nuit n'est pas aussi répandu. En fait, Vy se fait passer pour un homme est découverte beaucoup plus tôt dans l'intrigue, ce qui rend la tension spectaculaire dans le deuxième acte moins épais.
Je concède que c'est une comédie musicale rarement produite que beaucoup ne connaissent même pas. C'est tout à fait un exploit, en tant que conçu de Matthew Gardiner de Signature après avoir discuté avec Karen Ann Daniels de Folger comment l'apporter dans la région de DC. Ce spectacle a du talent à perdre et est un spectacle qui mérite d'être vu même si son script – écrit et vu à Broadway au début des années 1990 – pourrait utiliser un peu de travail.
La musique est une raison suffisante pour voir ce spectacle. C'est Duke Ellington Music, joué près de la ville natale d'Ellington de DC. Il y a des scaras comme les affaires de personne, et ceinture comme s'il n'y avait pas de lendemain. Riffing et grognement sans effort, en combinaison avec des sentiments purs, un contrôle et une libération puissants, et une voix complète et une clarté m'ont fait monter. Awa Sal Secka déchirant «Je n'ai rien d'autre que le blues» est un exemple: elle le laisse déchirer avec tout son être, en rappelant le pouvoir de la subtilité, des riffs intentionnellement placés et en prenant de la place comme vous-même avec une vraie émotion brute.
Derrick D. Truby Jr. et Wesley J. Barnes sont une délicieuse paire dans «Rocks in My Bed», un paean pour être repoussé par leurs amoureux, livré avec un grain intense et une interaction avec le public comique. Kanysha Williams vise constamment haut et atterrit parfaitement sur les riffs vocaux insensés et court comme Miss Mary (Maria, une femme de chambre à Lady Liv, qui est une interprète phénoménale à part entière). Ces artistes n'avaient pas peur de se comporter de cette façon. Je souhaite que cet engagement ait été donné aux scènes de livre.
Parce que la chose est, ce spectacle est un bon exemple d'une adaptation contemporaine de Shakespeare qui va au-delà de la simple régurgitation de Shakespeare. Il s'appuie sur Shakespeare avec une histoire sur la façon dont les personnes marginalisées peuvent avoir à cacher ou à supprimer les aspects de qui ils sont vraiment pour survivre. En ce moment, à une époque où je recherche plus que la survie – je recherche une résistance – j'espérais plus de révolution. Cette production énergique a des talents locaux de crème de la crème qui dégagent l'excellence noire, qui est un acte de révolution en soi lorsque la joie est nécessaire et que le casting local n'est pas toujours garanti. Mais malgré les apparences, il ne va pas au-delà de la représentation au niveau de la surface.
Je me demande: est-ce si mauvais de vouloir un spectacle pastiche qui est indéniablement un bon moment pour être une histoire de justice sociale plus puissante? Est-ce que je veux que ce ne soit pas quelque chose que ce n'est pas, ou est-ce que je le mets au défi de monter à un niveau supérieur qu'il mérite? C'est parce que je comprends le genre de spectacle, c'est que je veux que ça va plus loin. La signature peut le faire; Ils ont fait un soft power l'année dernière.
Cela indique ma plus grande désillusion récente avec le théâtre DC: l'accent mis sur l'esthétique sur le contenu, à une époque où notre maison est littéralement attaquée. Cette comédie musicale a peut-être été conçue dans les années 90, mais elle est exécutée maintenant, ici; pourquoi ? Donnez-moi un jeu laid et sans peur d'y aller. Les artistes donnent déjà cela à la pelle. J'aimerais qu'ils n'élévaient pas le matériel, mais se réalisant dans le travail méritant leurs talents. Ce travail est nécessaire; Ce n'est pas une simple évasion et méritant toujours. Alors laissez ce spectacle jouer pour une bonne course, mais laissez les spectacles qui plongent plus profondément trouver leur chemin vers les scènes locales.
Temps d'exécution: environ deux heures et 30 minutes, dont une entracte de 15 minutes.
Jouer sur! Joue jusqu'au 5 octobre 2025, au Max Theatre du Signature Theatre, 4200 Campbell Avenue, Arlington, VA. Les billets commencent à 47 $ et sont disponibles en appelant le box-office au (703) 820-9771, en ligne ou via TodayTix. Des informations sur les réductions de billets sont disponibles ici.
Le programme pour jouer! est en ligne ici.
Les légendes fermées sont disponibles via l'application Galapro.
Sécurité covide: les masques sont facultatifs dans le hall et d'autres zones publiques du bâtiment, sauf que les masques de visage sont nécessaires à l'intérieur des espaces de performance le 7 septembre à 14 h.
Avertissements d'effets: ce spectacle contiendra des effets stroboscopiques et d'éclairage, des bruits forts, de la brume théâtrale et des cigarettes à base de plantes.
Avertissements de contenu: ce spectacle contient des thèmes adultes autour du genre / de la sexualité / du sexe.
Recommandation d'âge: recommandé pour les 8 ans et plus. La signature n'admet personne de moins de 6 ans.
Les performances spéciales incluent des soirées de discussion le 10 septembre à 19h30 et le 30 septembre à 19h30, soirée Pride le 5 septembre à 20h, et une ville de chocolat: une soirée Black Excellence Affinity le 12 septembre à 20h, organisée par Pussy Noir.
Jouer sur!
Conçu par Sheldon Epps
Livre de Cheryl L. West
Musique de Duke Ellington
Musique réalisée par Jermaine Hill
Chorégraphié par Breon Arzell
Réalisé par Lili-Anne Brown
Voir aussi:
Signature Theatre annonce une équipe de distribution et créative pour «jouer sur! (News Story, 18 juillet 2025)
