Personne ne peut dire que The Theatre Lab School of Dramatic Arts ne défie pas ses étudiants.
Pour le produit final de leur cours « Créer un rôle » de 12 semaines, ils ont choisi l’une des pièces les plus stimulantes intellectuellement et verbalement en anglais moderne : Tom Stoppard. Arcadie.
Arcadie se déroule dans une demeure seigneuriale aristocratique anglaise à deux époques différentes simultanément – la régence et l’époque moderne. En 1809, le génie adolescent Thomasina confond son tuteur Septimus, qui poursuit également avec enthousiasme des affaires avec diverses femmes de la maison et essaie d’éviter d’avoir à combattre des maris en colère. Dans le présent, Hanna, une écrivaine, recherchant le jardin du domaine et un mystérieux ermite qui vivait sur le terrain, affronte un universitaire arrogant, Bernard, qui est déterminé à prouver que le poète Byron a tué un homme en duel alors qu’il était invité au maison, et a fui l’Angleterre en conséquence.
Les scènes alternent entre le passé et le présent, et les objets des deux époques s’entassent sur la table centrale, les premiers personnages écrivant des lettres ou des traités qui sont repris et médités par les derniers. Les faits émergents de ce qui s’est réellement passé contrastent de manière amusante avec les hypothèses ultérieures à leur sujet.
Le dialogue est vif, plein d’esprit et riche, de manière appropriée à chaque époque. Des insinuations, des insultes et des grossièretés occasionnelles alternent avec des arguments passionnés sur la science contre la littérature, le classicisme contre le romantisme, la pensée contre le sentiment, le passé contre le présent, les faits contre les théories, le gain et la perte de connaissances, la nature du déterminisme et où le sexe s’intègre dans tout cela.
Au point culminant, les personnages des deux époques occupent la scène à la fois, les modernes étant vêtus d’une tenue Régence pour un bal costumé. Les parallèles et les répétitions du passé et du présent se mélangent, et des thèmes et des modèles émergent du chaos apparent.
Il faut des acteurs intelligents et talentueux pour rendre tout cela intelligible, alors les étudiants du Theatre Center avaient du pain sur la planche.
Ils ont fait de leur mieux, avec des résultats variés.
Comme les acteurs se concentraient sur leurs propres personnages, l’uniformité n’était pas une priorité. Karim Mouzannar a profité de chaque instant en tant que Jellaby, le majordome. Bien qu’il ait eu peu de répliques, Mouzannar a mis en valeur l’amour du personnage pour les commérages, le rendant onctueux, flamboyant et presque ballétique dans son fouineur. Cela semblait exagéré au début, mais est devenu une solide caricature comique.
Richard Noakes d’Andrew Chi, le jardinier paysagiste, et le capitaine Brice de Carl Miller, le marin, étaient quelque peu unidimensionnels en comparaison. Noakes était maladroit et Brice bruyant, mais pas beaucoup plus.
Michael Ceraso aurait pu faire plus avec Ezra Chater, le poète et botaniste en herbe. La scène comique où il fait des allers-retours entre un mari furieux et un écrivain flatté aurait été plus drôle si les deux personnages étaient plus pompeux, emphatiques et distincts.
Personne n’a essayé les accents anglais, plutôt dommage dans un spectacle si typiquement britannique, mais c’était peut-être pour le mieux. Ils auraient cependant pu s’exprimer plus clairement. Yahaira Guzman, en tant que Lady Croom, semblait avoir une bonne compréhension de son personnage impérieux, mais malheureusement, l’accent prononcé de l’actrice rendait difficile la compréhension de ses répliques (même pour quelqu’un qui a vu la pièce plusieurs fois, comme l’a fait ce critique) . Si le réalisateur Randy Baker l’avait encouragée à ralentir et à donner au public le temps d’assimiler ses paroles, cela aurait probablement été bien. Mais au lieu de cela, il semblait vouloir détourner l’attention du problème en dissimulant bon nombre de ses discours avec du bruit – de la musique forte, le bruit de la machine à vapeur dans le jardin – ou même avec trois autres personnages agressant une conversation silencieuse derrière elle. C’était injuste envers Guzman.
En tant que personnages modernes, Grace Campbell était exactement ce qu’il fallait en tant que Chloe Coverley – jolie, vivante et en quelque sorte à la fois innocente et hypersexuelle. Valentine Coverley de Safkat Islam allait bien, même si la mauvaise humeur semblait être sa caractéristique déterminante – peut-être un choix logique lorsque ses premières lignes consistent en une longue série de jurons frustrés. Mais il aurait été agréable de voir plus d’émerveillement et de passion dans son discours du deuxième acte sur le fait que « c’est le meilleur moment au monde pour être en vie – quand tout ce que vous pensiez savoir est faux ». Il a même avalé le dernier mot clé – un problème partagé par de nombreux acteurs, baissant la voix lors de la livraison de punchlines.
William Wheat a donné un Augustus/Gus Coverley juste, le seul personnage qui apparaît aux deux époques et qui ne parle qu’au deuxième acte. Mais il aurait pu faire une plus grande distinction entre les deux, avec plus de timidité que le Gus moderne. Et pourquoi la costumière Maria Bissex l’a-t-elle remis dans ses vêtements modernes à la fin, ruinant ainsi la nature floue du temps de la dernière scène?
Les quatre personnages principaux ont fait un travail honorable avec un scénario très difficile.
Latisha Jones, dans le rôle d’Hanna Jarvis, a bien capturé le culot, le courage et l’humour frustré d’une écrivaine indépendante qui a été méprisée par les hommes des tours d’ivoire du monde universitaire tout au long de sa carrière. Son homologue, le professeur titré, narcissique et bandant Bernard Nightingale a bien commencé, quand il ne se couvrait pas la bouche ou ne mordillait pas l’écouteur de ses lunettes. Malheureusement, Bernard doit être extrêmement désinvolte et sûr de lui dans ses nombreux discours pompeux, et l’acteur, Patrick Lake, ne connaissait pas toutes ses répliques lors de la soirée d’ouverture. Au début du deuxième acte, alors qu’il était censé livrer son blockbuster littéraire d’une conférence, il lisait littéralement ses lignes à partir de pages, et parfois il perdait même la trace de l’endroit où il se trouvait. Ce qui devait être un tour de force s’est avéré être une déception.
Les deux personnages principaux par le passé, Septimus Hodge (Jaylen Henderson) et Thomasina Coverly (Madeline Marie) étaient pourtant excellents. Henderson a joué Septimus comme un charmeur plein d’esprit et de bonne humeur plus qu’un intellectuel. Il était facile de voir combien de femmes de la maison étaient attirées par lui. Un peu plus de profondeur dans sa compréhension naissante du génie de Thomasina aurait fait ressortir davantage la tragédie sous la comédie. La Thomasina de Marie était belle, brillante et jeune, mais sage au-delà de son âge. Elle, comme ses mathématiques, a obtenu un alpha plus.
L’accent dans ce spectacle était à juste titre sur les acteurs. Mais leurs performances, censées simuler une production professionnelle, auraient pu être améliorées par de meilleurs choix de la part de l’équipe créative. L’ensemble était très basique, composé d’une fenêtre palladienne suspendue devant un canevas uni, d’une table, de quelques chaises et de quelques livres éparpillés sur la scène. Bien que la musique accessoire de Carl Miller ait commencé avec un piano doux approprié, elle s’est inexplicablement transformée en un techno-rock bizarre et bruyant qui n’avait rien à voir avec l’un ou l’autre réglage du temps. Et les costumes de Maria Bissex ont fait la moindre tentative pour évoquer les époques représentées. Lady Croombe portait une robe de l’époque du Titanic datant de la fin du siècle et, à un moment donné, Ezra Chater est apparu dans ses bas. Les meilleures valeurs de production sont apparues dans les accessoires de Nicholas Boone et Angelo Merenda, en particulier le livre de conception de jardin de M. Noakes, qui montrait des dessins avant et après à l’aide de découpes, et les divers cahiers et lettres qui s’empilaient sur la table.
Et un bon usage a été fait de Plautus/Lighting, la tortue presque immortelle, qui était un objet d’affection et une source de réconfort pour de nombreux personnages. Un point culminant a été que Bernard serrait le reptile pour le soutenir lorsqu’il apprenait que la théorie de son animal de compagnie avait été démystifiée (un mot plus gentil que celui qu’il a utilisé) par un dahlia. Plaute a obtenu son propre salut bien mérité.
Le Theatre Lab aspire à fournir une formation en art dramatique de niveau professionnel. Il était encourageant d’entendre que la technologie pour le spectacle était dirigée par des stagiaires rémunérés en formation pour des carrières dans les coulisses de la région de DC. Bien que ce spectacle ait eu plusieurs belles performances, dans l’ensemble, il n’a pas tout à fait atteint un niveau professionnel. De toute évidence, cependant, ces acteurs ont beaucoup appris et leur public s’est bien amusé.
Durée : Environ 2h30 avec un entracte de 15 minutes.
Arcadie, une production de The Theatre Lab’s Creating a Role Class, joué du 18 au 21 mai 2023 à la Theatre Lab School of the Dramatic Arts, 900 Massachusetts Ave. NW, Washington, DC.
Pour plus d’informations à ce sujet et sur d’autres cours, programmes et performances, rendez-vous sur theatrelab.org.
