Il existe une théorie selon laquelle l'oreille, comme le cœur, se contente de se déplacer entre le connu et l'inconnu, puis de revenir au connu. Ainsi, la musique qui revient à un refrain familier est considérée comme une nourriture pour l'âme. La programmation d'une saison d'opéra offre-t-elle également l'occasion de combiner cette complémentarité ? L'ancien et le nouveau — deux opéras en production cette année au Festival Glimmerglass, Pagliacci et Élisabeth Cree — parviendraient-ils d’une manière ou d’une autre à se parler, bien que séparés par plus de 150 ans de conception, et à trouver un écho auprès d’un public d’aujourd’hui ?
Les deux opéras sont enveloppés dans des histoires de tension domestique, de vengeance et de meurtre. Tous deux ont des personnages centraux mémorables poussés par de sombres motivations psychologiques. Tous deux utilisent un dispositif de cadrage comme une sorte de prologue, où le public est mis au courant de la fin de l'histoire afin que nous puissions mieux revisiter la série d'événements menant à leurs fins tragiques. Ce qui est peut-être le plus pertinent pour la conversation d'aujourd'hui, au centre de ces deux histoires se trouve un personnage féminin coincé dans un mariage sans amour. On est amené à demander, voire à supplier : « Pourquoi ne pas t'enfuir ? Fuis-tu ?! »
Ce qui rend Pagliacci La musique de Ruggero Leoncavallo, qui a également écrit son propre livret, est un élément essentiel du canon de l'opéra. On y retrouve notamment le refrain déchirant sur lequel le compositeur revient sans cesse. « Ridi, Pagliaccio », sanglote le clown Canio. « Riez, premier clown ! » ordonne-t-il, ou comme certains enfants se sont familiarisés avec la version publicitaire du motif musical central, en chantant : « Plus de Rice Krispies ! Nous n'avons plus de Rice Krispies ! »
Le Pagliacci L'histoire fait référence à une troupe itinérante de clowns, plaçant l'œuvre dans le genre d'une pièce dans une pièce alors que les personnages interprètent des pièces classiques. commedia dell'arteL'opéra s'ouvre sur un chœur festif alors que la troupe arrive dans un village où se déroule la fête de l'Assomption.
Pour la production, Glimmerglass a réuni l'ensemble de ses chœurs communautaires et d'enfants, et des dizaines de musiciens envahissent la scène, menaçant de faire tomber les étroites marches en bois du groupe bondé de wagons de scène. L'art reflète la vie, et cette masse grouillante nous montre qu'il s'agit d'une communauté nombreuse mais très soudée et d'une famille élargie qui se lie grâce à une vie commune sur la route.
Joseph Colaneri dirige l'orchestre Glimmerglass avec brio, mettant à profit sa profonde compréhension de la tradition lyrique classique italienne. Brenna Corner a dirigé la mise en scène et acheté de nombreux vérisme (des faits réels sur scène), notamment en donnant au personnage de Nedda, la femme de Canio, un jeune enfant, joué avec douceur par Ethan Chen.
Robert Stahley interprète le rôle de Canio, le mari maussade et tendu, et nous cherchons quelques instants pour sympathiser avec son personnage, tout en déplorant sa violence brutale. Amber R. Monroe joue Nedda, et nous tombons amoureux de sa voix dès ses premières notes de «Le beau soleil » menant à la plus belle aria de soprano, Ballatellaoù le personnage imagine que les oiseaux sont libres de s'envoler (ce qui n'est jamais le cas). Troy Cook fait un Tonio fin et légèrement effrayant. Jonathan Patton est de retour à Glimmerglass et, en tant qu'amant de Nedda, Silvio chante avec ardeur alors que son personnage lui propose de l'éloigner d'une vie de pauvreté et d'insécurité.
Le concepteur d'éclairage Robert Wierzel baigne la scène dans une sorte de lueur poussiéreuse, évoquant pour le public un monde fané, disparu depuis longtemps. Le concepteur de décors James Rotondo et le concepteur de costumes Erik Teague ont travaillé main dans la main pour créer l'univers d'une troupe itinérante vivant au jour le jour dans des malles et des chariots tirés. On y trouve de belles touches de clown et de comédie musicale.Ommedia travail fourni par les membres de l'ensemble, bien que parfois le tableau scénique devienne si encombré que certaines parties de la chorégraphie soient manquées
Malgré tout cela et une fin alimentée par une violence passionnée, l'opéra reste une œuvre convaincante et populaire, appréciée pour son drame bien écrit se déroulant dans la campagne ensoleillée de l'Italie et mettant en vedette une musique à couper le souffle.
Durée : une heure et 45 minutes.
Élisabeth Cree est une tout autre histoire. Le film se déroule à Londres à la fin du XIXe siècle et le spectateur est confronté dès le début à un monde sombre, froid et effrayant. La première scène est une mise en scène de la pendaison d'une femme condamnée pour le meurtre de son mari. La deuxième scène met en scène le même personnage en flashback, alors qu'il est une petite fille. L'événement principal est qu'elle est maltraitée et torturée par sa mère dérangée lorsqu'elle découvre que sa fille a eu ses premières règles.
L'opéra, créé en 2017 par l'équipe créative du librettiste Mark Campbell et du compositeur Kevin Puts, est basé sur un roman de Peter Ackroyd. Il s'agit à la fois d'un roman policier, d'un thriller gothique, d'un drame psychologique et d'un mystère volontairement déroutant. Il se déroule dans le contexte de Londres, une ville en proie à une vague de meurtres en série.
Campbell a ingénieusement tissé quatre fils narratifs différents dans une structure non linéaire, une structure qui n'est pas totalement inconnue dans l'opéra contemporain, mais qui nous met au défi à chaque instant de choisir entre réalité et fiction. Et il le fait en déroulant 29 scènes compressées dans un opéra d'un peu plus de 100 minutes. C'est une véritable aventure dans l'inconnu !
Musicalement, Puts a construit sa structure compositionnelle sur un motif de quartes non résolues, qui créent une tension tout au long de l’œuvre. La tradition d’une ouverture d’opéra pour placer le public dans une situation et l’immerger émotionnellement est comprimée en trois notes. La fragmentation de la musique et de l’histoire suscite à la fois anxiété et confusion, comme c’est, je crois, l’intention. Mais Puts admet qu’il y a des touches ici et là, des numéros de music-hall, qui nous ramènent brièvement dans un monde musical « connu » et confortable.
Mais revenons à l’histoire de la petite fille (comme je peux le comprendre), qui, récemment orpheline, s’est enfuie et s’est réinventée – deux fois, d’abord comme artiste de music-hall, puis comme épouse d’un journaliste et dramaturge londonien de la haute société qui passe soi-disant ses journées dans la salle de lecture du British Museum. John Cree écrit une pièce sur un tueur en série, ou peut-être s’agit-il d’un journal dans lequel il confesse ses exploits macabres bien réels dans le meurtre d’inconnus. Pendant ce temps, sa femme Elizabeth se travestit et part faire de longues promenades. Est-ce qu’elle traque son infâme mari, ou est-ce qu’elle prépare elle-même des méfaits macabres ?
Curieusement, le mari et la femme chantent des confessions. La sienne est la plus convaincante, utilisant la ligne mélodique descendante répétée de Puts. « Lovingly, so lovely », chante-t-il à plusieurs reprises, puis détaille les différents démembrements qu'il utilisait pour assassiner ses victimes afin de les « libérer » de leur vie de péché. Lequel des deux est le tueur ou sont-ils tous les deux impliqués ? La jeune Elizabeth a-t-elle tué sa mère et, des années plus tard, son mari ? Est-elle, comme sa mère, psychologiquement endommagée ? Et qui est responsable de la « disparition » des membres de sa troupe de music-hall ?
Et quelle est la fonction des personnages de la salle de lecture du British Museum ? Parmi eux, le romancier George Gissing et Karl Marx, qui, mystérieusement, étudie les œuvres de Charles Dickens. L'ensemble masculin chante : « L'air lui-même est une vaste bibliothèque. »
L'œuvre pose également des défis aux chanteurs, notamment dans les nombreux passages où le chef d'orchestre Kelly Kuo a négligé l'équilibre entre les chanteurs et l'orchestre, et où l'intelligibilité des voix a été noyée par les cordes. La metteure en scène Alison Moritz a incorporé des marqueurs pour clarifier la séquence changeante de l'espace et du temps et a même inclus des dates projetées pour donner au public quelques points d'appui. Mais plusieurs spectateurs déconcertés ont quitté l'Alice Busch Hall à la fin en secouant la tête avec consternation.
Tara Erraught dans le rôle d'Elizabeth et John Chest dans celui de John ainsi que toute la troupe doivent être félicités pour leur courage et leur endurance vocale pour nous emmener dans cette aventure. Ce n'est pas pour les mauviettes !
Il faut toujours tenter de faire l’ancien et le nouveau, de passer du connu à l’inconnu. Mais il faut aussi avoir le courage émotionnel de nous ramener au connu afin que nous, le public, puissions développer notre capacité à appréhender l’inconnu. C’est le défi de l’opéra du XXIe siècle. Je crois que le compositeur Puts et le librettiste Campbell sont à la hauteur de la tâche. Et Glimmerglass aussi, je crois !
Durée : Une heure et 40 minutes, sans entracte.
La dernière représentation de Pagliacci est le 18 août 2024 et de Élisabeth Cree aura lieu le 20 août. Pour les billets et plus d'informations, visitez Glimmerglass.org ou appelez le 607-547-2255.
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(critique et interview par Susan Galbraith, 5 août 2024)
