L'année dernière, le monde a célébré le 50ème anniversaire du hip-hop avec des mois de concerts de stars, d'hommages à des remises de prix, d'expositions de musées et bien plus encore – mais ce n'était pas le seul genre à commémorer son anniversaire d'or en 2023. La Soca – que Kees Dieffenthaller, leader de Kes, lauréat de la Road March, décrit comme « De la musique joyeuse, une version jeune du calypso… un mélange de rythmes afro, indiens et « du monde » en un seul endroit » — a également célébré son demi-siècle.
Pour lancer les 50 prochaines années d'évolution de la soca, Kes revient avec son premier album studio en dix ans, Homme sans porte. Inspiré par un homme qui vivait dans une maison sans porte – que Kes a rencontré alors qu'il se promenait à Trinidad et redécouvrait ses endroits préférés sur l'île – le nouvel album est une manifestation de l'énergie de cet homme. « Il vit simplement libre », dit-il. «Je ressentais cela de manière créative à l'époque. je je suis l'homme sans porte. Je veux créer ce monde basé sur cette expérience.
Le nouvel album marque une sorte de renaissance pour Kes. Le groupe s'est officiellement formé en 2005 et a interprété pendant près de deux décennies certains des hymnes de carnaval les plus dominants du jeune siècle. Des classiques de la soca instantanés comme « Wotless » (2011) aux airs plus légers comme « Hello » (2017), le son singulier et le spectacle dynamique de Kes ont propulsé le groupe sur des scènes internationales telles que Essence Festival et Le Late Show avec Stephen Colbertet des collaborations avec des gens comme Wizkid et Snoop Dogg.
Soca, bien sûr, est imprégnée d’instruments live en son cœur. Bien que le genre ait récemment commencé à s'orienter vers une orientation axée sur le producteur, Kes reste ferme dans son engagement à maintenir l'héritage du jeu live, en particulier dans ses enregistrements en studio. « Cela nous ramène à la tradition », songe-t-il. « Dans un groupe, vous comprenez comment différentes personnes jouent différemment des mêmes instruments. Il y a quelque chose de très puissant à être témoin de ce que c'est, plutôt que de [getting it] hors d'un ordinateur. L'instrumentation live donne également un mélange et un mixage uniques. Vous ne pouvez pas jouer deux fois à la même chose, c'est une empreinte digitale unique à cette époque et à cet air. Nous pouvons le faire à partir de ce monde vivant et cela représente une grande partie de tout notre acte. J’ai l’impression qu’il existe un langage caché qui est traduit aux gens à travers la musique live. »
Bien que Homme sans porte marque le premier LP studio de Kes depuis une décennie, ils ont sorti Nous sommes à la maison – un album live joyeux qui réinvente le catalogue du groupe – pendant la pandémie (28 août 2020). Durant la même période, le groupe travaille également sur plusieurs singles qui finiront par faire partie de Homme sans porte. « Faire Nous sommes à la maison C’était une thérapie », révèle Kes. «J'avais l'impression de fermer un chapitre de ma vie créative où je rends hommage à la dernière décennie de musique que j'ai faite. [Doing] Nous sommes à la maison tandis que créer une nouvelle musique ressemblait à la fois à la mort et à un début. Et les deux sont glorieux à leur manière.
Le nouvel album recrute une liste flashy de stars invitées pour exécuter « l'application » de soca de Kes à travers différents styles et traditions sonores, notamment Shaggy, Queen Omega, Busy Signal, Dwala, Tano, J Perry et Michaël Brun. Alors que Kes est très enthousiasmé par « Rise Up », une collaboration avec son compatriote trinbagonien Queen Omega, dont il qualifie la musique de « puissante », il souligne également son travail avec J. Perry et Michael Brun, notant : « Nous avons connu la liberté grâce à [Haiti]. Je voulais vraiment qu’ils fassent partie des Caraïbes de mon expérience musicale. La barrière de la langue et l’histoire ont éloigné beaucoup d’entre nous, il était important pour eux de figurer sur ce disque.
Pour Kes, Homme sans porte fait partie d’un effort concerté visant à ouvrir la voie à la prochaine ère de la soca. Malgré la riche histoire du genre, son attrait mondial pour les crossovers a été quelque peu limité, en raison de son allégeance aux sorties de single programmées sur le calendrier de la saison du Carnaval. « En tant que genre, nous devons diversifier toutes les dimensions », proclame Kes. « Obtenez un peu plus d'énergie en dehors de la situation du calendrier du Carnaval et entrez dans Panneau d'affichage et entrez dans différents espaces de lieu et créez des collaborations qui comblent les écarts. Il est temps pour nous de vraiment nous positionner à l'échelle mondiale, et je pense que créer des corpus de travail est très important. [for that].»
« Tout le monde écoute de la soca. Il y a cette chanson soca qui a attiré l’attention de quelqu’un et qui a influencé la prochaine session en studio. Nous le savons tous », dit Kes. « [Soca] a fourni au monde une énergie particulière que lui seul peut fournir. Et il y a encore tellement de mots qui restent à découvrir.
Continuez à lire pour découvrir les histoires derrière les cinq morceaux préférés de Kes sur le tout nouveau groupe. Homme sans porte album, raconté avec ses propres mots.
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« Jolene » (avec Dwala)
« Jolene » était le premier morceau. Cela s’est produit lorsque nous étions enfermés et j’étais juste heureux d’être sur l’île. Au moins, j'ai de la nourriture de plage et faite maison, tu sais ? [Laughs.] Je balançais mon marteau en écoutant un morceau de musique et il m'est venu. Le son de « Jolene » touche à beaucoup de genres différents – de l’afrobeat, un peu de calypso traditionnel, du R&B, vous savez ? J'ai senti que c'était un son sympa sur lequel nous sommes tombés par hasard, que diriez-vous de faire tout le projet basé sur la peinture libre ? D'où le nom, Homme sans porte – un espace de liberté créative. Donc « Jolene » a vraiment lancé le tout – et c'est plutôt une ambiance calypso/ironique traditionnelle. Ambiance à double sens.
Nous voulions avoir un visuel qui capture cela également, donc même si j'aime créer de la nouvelle musique, j'aime aussi créer des visuels pour peindre le tableau. Nous l'avons donc fait dans notre village de pêcheurs et [it’s] très rustique, une vie insulaire commune partagée par toutes les îles du monde. C'était un projet amusant et je suis vraiment heureux que ce soit le premier [song] pour tout lancer.
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« Tack Back » (avec Tano)
« Tack Back », pour le public américain, signifie « faire tourner le bloc ». [Laughs.] Ce qui arrive au Carnaval, ce qui arrive sur l'île, ce qui arrive dans la vie ! C'est vraiment une chanson orientée vers l'ambiance du carnaval, tout ce qui accompagne la fête et ce monde.
Nous nous sommes beaucoup amusés non seulement avec le son – je pense que cette chanson touche une ambiance semi-afrobeat – mais la vision du chant est également un peu différente. La baseline est une ambiance soca lourde des années 90, il y a beaucoup d'éléments sympas que j'adore. Quand nous avons écrit le morceau, nous voulions capturer la douce soca des années 90, avec Crossfire et tous ces groupes qui créaient un son de soca que je trouvais très important. Nous voulions capturer ce son dans cette musique avec quelques éléments supplémentaires. La séance d’écriture a été un très bon moment. Nous nous amusions et j’avais l’impression que cette ambiance se répercutait également sur la piste. Même les lignes de cuivres de la vieille école, c'est toute cette sensation soca classique que nous voulions capturer maintenant. Je pense que c'est encore frais et ça vous donne une impression quand vous entendez ces instruments.
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« Banga »
« Banga » était en fait issu d'un camp d'écriture. De temps en temps, je m'installe dans un endroit, j'apporte de la nourriture, j'apporte de l'ambiance et j'amène des gens, et nous écrivons. Nous avons eu le carnaval de la Jamaïque et je suis resté quelques jours de plus [days[ to do this writing camp in JA. JA is just such a beautiful island and it’s away from home, so there’s a sense of urgency to get something done. Again, it was out of fun. “Banga” is not a real world, we just made it up where you could put any meaning towards what it is. It sings how it feels. For us, it was just that blend. It sounds like it could swing in an Afrobeats way; it sounds like it could swing in a reggaetón way. With “Banga,” a lot of other genres are plugged into the sound of it, yet it was still us as Trinbagonians. You have to interpret it the way that you would like to interpret it. It’s not set in stone what it is. I love that creation.
And the visual again was fun to do! The visual was me trying to be in different looks and different scenes. The song feels like a crush from long ago, from when you were a kid. All the awkwardness that came with, you know? So we [decided to] avoir quelque chose basé à Trinidad dans les années 80 – comme la façon dont nous organisions des fêtes à la maison, et ce que nous portions et comment nous pensions que nous étions si beaux. Nous nous sommes probablement préparés pendant tout le mois pour organiser cette fête ! Nous voulions vraiment capturer ce que cela signifiait, donc les deux processus ont été un moment formidable. C'est ludique, et cela fait partie de qui je suis.
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« Miracle » (avec Tano)
« Miracle » était une expérience qui s'est bien déroulée ! Il y a deux ambiances dans la soca : il y a un côté groovy et il y a un côté power soca. J'apprécie le power soca, mais c'est beaucoup plus difficile pour moi d'écrire et de créer dans ce cercle. De temps en temps, je trouve un ou deux projets qui ont du sens ou qui correspondent à mon ambiance. J'ai senti que « Miracle » était un tel miracle – sans jeu de mots – qu'il avait vraiment mon côté R&B, mon côté intimiste, mais dans une chanson qui peut être appréciée dans les rues du Carnaval.
C'était une chanson d'amour entre deux personnes, mais aussi une chanson d'amour pour le festival lui-même. La façon dont nous nous réunissons chaque année, c'est un miracle de la façon dont nous nous rencontrons et faisons cette chose. Cela fait quelque chose de différent. Je dis toujours que lorsque trois personnes ou plus sont réunies, quelque chose change. J'ai l'impression que cela arrive à chaque Carnaval, quand vous êtes avec cette personne qui éclaire vraiment votre lumière. J'avais l'impression que « Miracle » était très intime, mais pourtant « stade », donc il méritait de figurer sur cet album.
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« Rise Up » (avec la reine Omega)
Nous avons écouté ce morceau de musique pendant un moment et il m'a toujours touché. Je voulais vraiment écrire une chanson qui parle de mon côté militant. Il y a un certain type de reggae dans lequel j'ai grandi, on parle de Sizzla, on parle de Capleton, « Gideon Boot ! Ces artistes menaient le bon combat et se battaient pour l’humanité. J'avais l'impression que le son de la musique me faisait activer cette partie de moi-même.
J’ai un amour profond pour l’humanité et parfois aussi une profonde inquiétude quant à la direction que prennent les choses. Je voulais vraiment écrire une chanson pour capturer cette partie de moi. C'est quelque chose d'humain qui nous permet d'opérer des changements en tant que peuple plutôt que d'attendre que quelques-uns décident pour nous tous. Nous devons nous rassembler et apporter les changements que nous souhaitons voir se produire dans le monde. La chanson est vraiment un appel à cela.
Je voulais une vraie collaboration avec ce morceau parce que je trouvais que la musique était tellement incroyable [that] ça ne pouvait pas être juste moi. [Laughs.] J'avais besoin d'entendre quelqu'un d'autre là-dessus. Je suivais cette artiste de reggae de Trinidad appelée Queen Omega, et je pense qu'elle est l'une des plus grandes – son talent, sa en direct son talent, ses enregistrements, tout. Elle faisait un dubplate pour Lion Sound et c'était tout simplement impeccable. Je l'ai senti. Elle a grandi là où j'ai grandi, elle est là ! Elle correspond.
Un jour, je viens d'arriver. Nous avons parlé sur Instagram, et je suis passé chez elle et j'ai joué le morceau pour elle, et elle m'a dit « Je l'adore ». Et puis elle l'a fait. Pour moi, cette piste appartient à l’histoire. C'est l'un de ces morceaux que la plupart des gens diraient comme « champ gauche », mais je l'aime parce que c'est un morceau différent. J’en suis vraiment content et j’ai vraiment hâte que les gens l’apprécient.
