L’interprétation ingénieuse du réalisateur Jackie Madejski du célèbre conte de fées musical de Steven Sondheim, Into the Woods, est peut-être la meilleure chose que j’ai vue cette année. La comédie musicale populaire rassemble plusieurs personnages classiques des frères Grimm alors qu’ils s’aventurent « dans les bois » dans des voyages individuels mais entrelacés, chacun à la recherche de quelque chose. Cette production raconte cette histoire avec une touche vraiment unique et innovante : elle est racontée à travers le prisme moderne d’un jeu Donjons & Dragons (D&D).
Avant le début du spectacle, alors que le public affluait lentement, les interprètes nous engloutissaient déjà dans leur univers. Une table ronde de style cafétéria installée avec les livres et les outils appropriés pour un jeu de D&D était située au centre de la scène. Les artistes se sont réunis autour de la table, se sont salués, ont discuté des stratégies de jeu et ont partagé plusieurs collations réparties sur la table (qu’ils ont continué à grignoter tout au long du spectacle).
Les styles musicaux frénétiques et superposés des œuvres de Sondheim se reflètent parfaitement dans les va-et-vient excités souvent entendus lors des jeux D&D. Les artistes ont joué au ping-pong le prologue d’ouverture sans effort sur la table ronde. Tout au long du spectacle, au fur et à mesure que les histoires se déroulaient, la table était roulée et plantée à différents endroits de la scène, ce qui permettait non seulement à chaque membre du public d’avoir une bonne vue, mais aussi de nous ancrer continuellement dans la réalité de leur jeu.
Madejski a magistralement réinterprété le spectacle classique sans altérer aucun des dialogues ou de la musique bien-aimée. Grâce à une chorégraphie et à une inflexion des dialogues super intelligentes et créatives, il était clair qu’un jeu était en train de se jouer. Les personnages récitaient des lignes comme s’ils réagissaient au tour d’un autre joueur, demandaient quelque chose au maître du jeu ou lisaient des fiches de description des personnages, telles que celles distribuées dans les jeux de rôle.
Ceci a également été réalisé grâce aux accessoires du concepteur d’accessoires Martin Bernier et aux costumes de la costumière Audrey Miller. Pour représenter Milky White (la vache de Jack, que le boulanger et sa femme doivent obtenir comme l’un des objets nécessaires pour briser la malédiction de la sorcière sur leur famille), ils ont utilisé un grand dodécaèdre (le dé à 20 faces utilisé dans D&D) avec plusieurs images de vaches blanches sur les différentes faces. Les costumes étaient également simples et dépouillés, chaque personnage portant une à trois pièces par-dessus ses vêtements habituels, comme cela est courant dans les jeux de rôle.
Mel Gumina a brillé en tant que narrateur impératif mais précaire de l’histoire (ou maître du jeu, si vous préférez, conformément au thème de D&D). Et, comme les maîtres du jeu sont connus pour le faire, elle a également endossé le rôle de plusieurs autres personnages, dont l’intendant royal, la grand-mère du Petit Chaperon Rouge, Lucinda (l’une des méchantes demi-sœurs de Cendrillon) et le prince de Raiponce. Gumina alternait entre les rôles en utilisant des accessoires simples pour représenter la transition et ajouter un effet comique divertissant.
Ses mouvements physiques exubérants – rouler, sauter, tourner et ramper sur la scène – ajoutaient une autre couche au niveau d’effort requis pour ce rôle. Elle a porté avec confiance l’arc narratif de l’histoire avec un niveau d’enthousiasme engageant qui m’a donné envie de rejoindre le groupe d’amis. J’ai eu le plaisir de voir Gumina jouer le rôle de Sally Bowles dans Cabaret, donc je savais que j’allais avoir un bon spectacle, mais elle a atteint de nouveaux sommets dans cette performance.
Son étonnante voix théâtrale a pris plusieurs variations au fur et à mesure qu’elle se déplaçait entre les personnages. Une chanson mettant en vedette Gumina qui s’est vraiment démarquée était « Agony » – un duo de ballades compétitif entre le prince de Raiponce (Gumina) et son frère, le prince de Cendrillon (joué par Shelby Young). Young a également joué plusieurs autres personnages dans le monde du jeu (les PNJ, si vous voulez), joués par le Narrateur (ou le maître du jeu), notamment le Géant, le père de Cendrillon et l’autre demi-sœur maléfique de Cendrillon, Florinda.
Deux femmes jouant deux princes ne sont pas le seul exemple de casting de genre dans cette production. Nous apprécions également Andrew Edwards (un homme adulte barbu) dans le rôle du Petit Chaperon Rouge. Ce choix de casting moderne correspond non seulement à l’interprétation moderne, mais s’aligne également sur le ton de la série : une histoire dans laquelle la princesse ne veut pas du prince, une femme veut agir plutôt que de rester à la maison, et une petite fille écorche et porte un loup.
L’ensemble du casting était vraiment incroyable et a dépassé toutes mes attentes. Chaque artiste a eu au moins un moment pendant le spectacle où sa voix était le point culminant de la soirée. Hannah Siegel a parfaitement été choisie pour incarner Cendrillon, étant donné qu’elle possède le vibrato soprano magique d’une princesse Disney que vous aurez envie d’écouter en boucle. Michael McGovern, dans le rôle du boulanger, m’a presque fait pleurer pendant « No More », où il se tenait tout au bord de la scène sous un projecteur qui reflétait des étincelles douloureuses sur les douces larmes qui reposaient dans ses yeux.
J’ai été époustouflé par la performance d’Ariel Friendly dans le rôle de la sorcière. Elle a pris un personnage qui, dans le passé, a été interprété de manière célèbre par des poids lourds indéniables, de Bernadette Peters à Meryl Streep, et s’est pleinement approprié le rôle. Il aurait été facile d’imiter les performances passées, mais Friendly a créé avec confiance une toute nouvelle interprétation du rôle. Son charisme sans fin rayonnait à travers des scènes comiques et dramatiques. Sa voix époustouflante avec une portée et une dynamique impressionnantes m’a fait fondre sur mon siège, ne laissant que la chair de poule, en particulier pendant « Second Midnight », « Witch’s Lament » et « Last Midnight ».
En plus des voix fortes de la soirée, les instrumentaux étaient phénoménaux. Dirigé par le chef d’orchestre Garett Jones, qui jouait également du piano, l’orchestre a interprété la partition complexe avec un dévouement impressionnant. Bien que composés de seulement cinq membres, ils sonnaient comme une symphonie à part entière. Cela est peut-être dû à Josh Saville, qui jouait lui-même de quatre instruments : deux flûtes, un hautbois et une clarinette. Il échangeait avec désinvolture mais avec confiance sans jamais manquer un battement ou une note.
Dans Into the Woods, le narrateur façonne l’histoire et finit par en faire partie. Dans D&D, le maître du jeu façonne l’histoire et incarne plusieurs personnages de l’histoire. Jackie Madejski façonne notre histoire, en prenant la version d’Into the Woods que nous connaissions autrefois et en la présentant à travers le prisme d’un jeu de narration collaboratif dans lequel chaque membre travaille ensemble pour donner vie à l’histoire à travers ses actions et ses réactions. Cette coalition de créativité nous rappelle (selon les paroles de l’avant-dernière chanson de la soirée) « No One Is Alone ».
Durée : Trois heures, avec un entracte de 15 minutes.
Into the Woods joue jusqu’au 25 janvier 2025, présenté par Workhouse Arts Center, au W-3 Theatre situé au 9518 Workhouse Way, Lorton, VA. Achetez des billets (40 $ pour l’admission générale, 35 $ pour les militaires, 30 $ pour les étudiants) à la billetterie, en ligne ou en appelant le 703-584-2900.
Dans les bois
Musique et paroles de Stephen Sondheim
Livre de James Lapine
Réalisé à l’origine à Broadway par James Lapine
Orchestrations de Jonathan Tunick
