En énumérant les récentes réussites des musiciens britanniques, Ezra Collective mérite d’être célébré aux côtés de Sam Fender, Olivia Dean, Lola Young et d’autres hitamkers. Leur histoire résume tout ce que l’industrie musicale britannique devrait défendre : une pure détermination, un talent exceptionnel et un état d’esprit axé sur la communauté.
Le cinq musiciens de jazz s’est formé dans un club de jeunes, Tomorrow’s Warriors, à Enfield, au nord de Londres, avant de devenir progressivement un acteur live incontournable et un leader culturel. En 2023, ils ont rompu leur couverture avec Où je suis censé êtrepremier album de jazz à remporter le prestigieux Mercury Prize, devant à nouveau la concurrence d’Arctic Monkeys, RAYE, Olivia Dean et Fred. 18 mois plus tard, ils remportent le BRIT Award du groupe de l’année lors de la cérémonie 2025 ; ils l’ont fait tout en restant farouchement indépendants.
Nouvel album Ici à cause de l’espoir est l’album le plus complet d’Ezra Collective à ce jour et est actuellement en train de décrocher le groupe, signé chez Partisan Records, son tout premier album n°1 au Royaume-Uni. Les cinq musiciens – Femi Koleoso (batterie), TJ Koleoso (basse), Ife Ogunjobi (trompette), James Mollison (sax) et Joe Armon-Jones (claviers) – traversent un éventail de genres musicaux sur le LP, allant de la funky house aux airs inspirés du UK Garage aux genres traditionnels africains et caribéens tels que le zouk et le highlife.
Les concerts du groupe, déjà formidables et tout à fait joyeux, se dérouleront bientôt dans certaines des salles les plus impressionnantes de sa carrière, au Webster Hall de New York (18 novembre), et pendant quatre soirs à l’historique Brixton Academy de Londres (18 au 21 mars).
Le chef d’orchestre Femi s’adresse à Panneau d’affichage Royaume-Uni sur le rôle d’Ezra Collective en tant que groupe leader de la scène jazz britannique, son nouvel album et sa collaboration avec Olivia Dean avant son ascension fulgurante.
Votre premier EP Chapitre 7 est sorti il y a 10 ans, en 2016. Cela vous semble-t-il il y a longtemps ?
J’ai l’impression d’avoir commencé le groupe quand j’étais enfant, et maintenant je fais partie d’un groupe d’adultes. L’ampleur de notre croissance dépasse l’entendement ; Ezra Collective est énorme maintenant par rapport à là où nous avons commencé. Par exemple, tout récemment, nous avons mis en vente un spectacle au Roundhouse de Londres. [Sept. 16] et je l’ai vendu en une seule journée. Lorsque nous avons fait cela en 2019, je me souviens très bien avoir passé la majeure partie de l’année à convaincre mes amis d’acheter des billets et de ne les vendre que la veille du spectacle ! Alors oui, ça a été une évolution vraiment incroyable.
Qu’est-ce qui a le plus changé au sein du groupe ?
La beauté d’être un enfant, c’est que vous disposez de tellement de temps. Vous savez, l’époque où l’on répétait les joints de Fela Kuti toute la journée est révolue. Il est révolu le temps où l’on disait : « sortons ensemble ». C’est tout à fait intentionnel lorsque nous sommes ensemble – mais je suppose que le fait d’être adulte consiste en partie à saisir les opportunités mieux que les enfants.
À l’époque, y avait-il des objectifs particuliers que vous visiez ?
L’original était en tête d’affiche [London jazz club] Celui de Ronnie Scott. C’était comme le rêve du club de jeunes et c’était aussi sismique que les choses ne le seraient jamais. Ensuite, vous le faites, et vous regardez l’étape suivante, et vous vous dites : « C’est ce que je veux ensuite ». Cela ne nous a jamais vraiment quitté. Je voulais jouer sur la scène West Holts de Glastonbury, puis peut-être au Japon, au Brésil et au Nigeria. C’étaient tous des rêves, mais ils n’ont commencé à se manifester qu’après la fermeture du premier pub ou du premier club.
Même aujourd’hui, je regarde ce grand dôme de l’O2 ou la scène brillante de la Pyramide. [at Glastonbury] et je pense que je veux y faire des concerts. Vous ne perdez jamais vraiment ce genre d’ambition en essayant de faire toutes ces choses magiques que vous pensiez impossibles.
Y a-t-il eu un moment d’inspiration qui a lancé le Ici à cause de l’espoir voyage?
Un moment sismique pour nous a été lorsque Channel One Sound System a remixé « Ego Killah » de [2023 LP] Où je suis censé être. Je leur ai tendu une copie de la chanson à [London venue] Village Underground, et entendre mon système audio préféré jouer ce remix devant une foule dansante était puissant. Cela nous a inspiré à capturer la beauté de la musique et de la culture caribéenne sur un disque, ainsi que ses liens fondateurs avec la culture africaine et britannique.
La croissance du groupe après Danse, personne ne regarde était vraiment magnifique. Nous faisions plus de billets que jamais, et ce n’était plus le petit secret d’Enfield. Ce disque a contribué à la victoire du BRIT Award et est venu après une victoire au Mercury Prize, et toutes ces choses. Ce que les gens avaient en commun, c’est qu’ils venaient à nos spectacles pour éprouver de la joie, et donc se réveiller et jouer un spectacle, sachant que vous êtes là pour être un producteur de joie pour tous ces gens, était une si belle chose.
Mais nous devions également être honnêtes quant au moment où vous ressentez de la douleur, et lors de certains de ces concerts en particulier, il se passait des choses douloureuses à la fois personnellement et collectivement. La question est alors devenue : comment apporter de la joie aux gens quand on ressent de la douleur ? Et je suppose que les voyages des Noirs entre l’Afrique, les Caraïbes et le Royaume-Uni ont apporté de la douleur et de la joie, mais la réponse au milieu est devenue une réponse d’espoir.
Est-ce que puiser dans la douleur était un endroit difficile à atteindre lors de l’écriture et de l’enregistrement ?
Pas nécessairement, car la douleur est une chose à laquelle je fais face tous les jours. En tant que monde, nous sommes collectivement devenus engourdis et désensibilisés. Quand vous voyez certaines des choses qui arrivent aux enfants à Gaza, comment ne pas ressentir de douleur ? Quand le débat arrive, j’ai presque envie de dire : « Je ne suis pas là pour débattre de quoi que ce soit. Je dis juste : ‘Ça ne te brise pas le cœur ?' » Ou quand je regarde ce qui se passe dans le nord du Nigeria, où des chrétiens sont exécutés. Je suis un Nigérian chrétien. Pouvez-vous imaginer la douleur de lire une histoire comme celle-là ?
Nous équilibrons donc constamment la douleur et la joie. Quand on regarde l’histoire, les humains ont toujours fait ça, et c’est de là que vient la naissance de toutes ces musiques différentes : afrobeat, reggae, calypso, dancehall, garage et UK Broken Beat. Toutes ces choses sont la capacité des humains à jongler avec ces deux choses en même temps.
La musique joue un grand rôle là-dedans, n’est-ce pas ? Les gens sont capables d’exprimer et de se connecter à différentes émotions grâce à la créativité…
C’est une chose tellement folle et précieuse et c’est pourquoi la musique est si sacrée. C’est pourquoi il est si important d’avoir des endroits où jouer de la musique et pourquoi les musiciens sont si précieux. C’est pourquoi l’IA est si dangereuse, car en remplaçant l’âme de la musique par un ordinateur intelligent, vous altérez ce pour quoi elle est initialement conçue. Il est si important de préserver ces choses. J’ai la grande chance de contribuer au changement d’humeur des gens grâce à la musique.
Comment avez-vous abordé la recherche pour savoir où vous vouliez que le son continue Ici à cause de l’espoir?
Lors de mes recherches, de mon écriture et de mon travail sur le disque, j’ai été très influencé par différentes scènes et différents pays et j’ai plongé pour la première fois dans des choses comme la musique gambienne et sénégalaise. Je voulais comprendre les nuances, les différences entre la soca, le bashment, le zouk et tout ce genre de genres. Il ne s’agissait pas de trouver des artistes spécifiques, il s’agissait de découvrir les mouvements musicaux et d’essayer de leur rendre justice.
Avez-vous ressenti une pression pour entrer dans ces espaces et faire les choses correctement ?
Je pense que, d’une certaine manière, c’est un privilège noir. Si j’étais un garçon blanc anglais, ce serait un peu plus compliqué, mais je viens vers eux en tant que Nigérian. Il n’y a jamais eu l’intention d’être la voix de qui que ce soit ou d’être un créateur de tendances faisant autorité. Cela a toujours été essentiellement une lettre d’amour aux influences que ces lieux ont eu sur notre musique. Donc dans ce sens, il n’y a rien de mal à se tromper, vous savez ?
L’actrice Letitia Wright raconte le voyage dans ce LP. Pourquoi l’avez-vous choisie pour ce rôle ?
Elle a finalement incarné tout le voyage de l’album dans le sens où elle est si caribéenne mais si londonienne, et beaucoup de gens – moi y compris – pensaient qu’elle était africaine à cause de son rôle dans [Marvel film] Panthère noire. La lignée de l’Afrique jusqu’aux Caraïbes jusqu’au Royaume-Uni était incarnée avec tant d’éloquence chez elle, mais aussi sa beauté. Elle a grandi à Tottenham, et on ne pourrait pas grandir dans un lieu de Londres plus représentatif du point de vue narratif que Tottenham. Il a été le berceau de nombreux morceaux de grime et a joué un rôle important dans la musique jungle et garage.
Mais c’est aussi emblématique d’un certain nombre de problèmes qui affectent les familles de la classe ouvrière, comme la criminalité au couteau et la dépendance ; elle a grandi dans la région qui représente une grande partie de cela, donc c’était parfait. Cela aurait pu être beaucoup de gens, comme Idris Elba ou Daniel Kaluuya… mais comme Letitia est ma compagne, donc c’est logique.
Ancien Facteur X la gagnante, Leona Lewis, chante également sur « All I Need ». Qu’est-ce que cela signifiait d’avoir quelqu’un avec un tel pedigree dans votre dossier ?
Le voyage de la génération Windrush, venant des Caraïbes jusqu’au Royaume-Uni, a apporté toutes ces belles choses comme Lovers Rock [a subgenre of reggae that originated in south London]. Le son du Lovers Rock est défini par l’endroit où il est fabriqué : s’il est fabriqué en Jamaïque, c’est du reggae, et s’il est fabriqué au Royaume-Uni, c’est du Lovers Rock. Alors je me suis demandé : qui est une voix emblématique que toute la nation connaît ? C’était tellement une question de voix, puis je me souviens avoir parcouru mes DM, et chaque fois qu’Ezra publiait quelque chose, Leona envoyait un message et disait : « J’aime tellement ta musique. Vous êtes si spéciaux, les gars. Continuez à faire ce que vous faites.
Puis j’ai pensé : « Il n’y a personne de plus emblématique que Leona. » Elle incarne le récit de « All I Need » et l’histoire qui se cache derrière : elle est originaire d’Islington, avec des parents caribéens et a grandi au Royaume-Uni. Son parcours professionnel représente tellement de douleur, mais elle a trouvé de la joie parce qu’elle a construit une si belle carrière et que tout le monde connaît sa musique. Je suis juste fier qu’elle soit sur le disque, mec.
Olivia Dean figure sur le dernier disque de la chanson « No One’s Watching Me », votre chanson la plus écoutée sur Spotify…
C’est le moment A&R le plus parfait que j’ai jamais vécu ! Par exemple, si je l’avais demandé deux semaines plus tard, cette mélodie ne serait pas arrivée. Si je l’appelle aujourd’hui, bruv… ce sera de l’amour, mais c’est pas événement. Avec elle, je pense que la musique récompense la croissance organique et les débuts modestes. J’ai découvert Olivia parce que j’étais le mentor d’un enfant qui joue de la batterie, et ils me disaient : « Je suis à la batterie pour ce chanteur. » Je me disais : « Super ! Je vais suivre le parcours de la chanteuse tout comme je suis le vôtre », et elle jouait dans des salles de 100 places ici et là.
Quelques années plus tard, elle a commencé à exploser et elle fait son truc, elle a obtenu un album nominé pour Mercury [Messy, 2023]et je me souviens qu’elle était avant nous dans des festivals et tout ça, alors nous sortions et regardions son show. Je lui ai demandé : « Veux-tu sauter sur un morceau ? Ce qu’elle a fait… et puis je me suis couché, je me suis réveillé, et elle est la plus grande star du monde ! Gagner des Grammys, décrocher des contrats avec Gucci, se produire au Madison Square Garden et tout le reste. Je suis tellement heureuse pour elle.
Dix ans plus tard, les artistes vous considèrent désormais comme une source d’inspiration. Que pensez-vous de cela ?
C’est beau parce que les gens ne peuvent aspirer à l’être que s’ils pensent que c’est accessible et possible, et c’est ainsi que je veux le montrer tout le temps. Parce que c’est la vérité : c’est possible pour tout le monde, et vous ne voulez jamais être le rappeur avec la chaîne de 100 000 $ qui vous fait savoir que c’est pour moi, pas pour vous. Je ne veux pas paraître comme ça. Je veux que vous quittiez nos concerts avec le sentiment que c’est possible, et c’est le mieux. Je suis reconnaissant. Et que cela continue longtemps. Bien après que nous ayons arrêté d’écrire des disques, je veux toujours inspirer les gens à faire de la musique.
