La dévastation causée par l'adultère dans la tragédie japonaise "The Hunting Gun" au Baryshnikov Arts Center d'Off-Broadway

Jouée en japonais avec des surtitres en anglais, la première américaine de Le fusil de chasse, une adaptation théâtrale par Serge Lamothe de la nouvelle de 1949 de l’auteur et poète japonais acclamé Yasushi Inoue, qui joue maintenant un engagement limité Off-Broadway au Baryshnikov Arts Center, révèle lentement les effets dévastateurs d’une histoire d’amour de treize ans, racontée à travers trois longs et lettres angoissées à un mari coureur de jupons de sa femme, de son amante et de sa fille. Produite à l’origine à Montréal et à Tokyo en 2011, la tragédie primée mêle les expériences, les antécédents et les interrelations des femmes à travers trois monologues consécutifs qui racontent le contenu de leurs lettres, alors que l’homme, vu à travers un canevas recouvert de passages de texte japonais, nettoie silencieusement son fusil éponyme au ralenti le temps d’un spectacle basé sur des mots visant des actions passées qui ont irrémédiablement blessé leur cœur.

Réalisée par François Girard, la production sombre et au rythme lent commence par un prologue en voix off en anglais qui met en scène l’histoire intime du chasseur solitaire Josuke Misugi – incarné en arrière-plan par Mikhail Baryshnikov – et des femmes brisées de sa vie. Sans dire un mot, le danseur et acteur légendaire témoigne de l’impact des correspondances que Misugi a reçues d’eux, avec un tourment croissant qui est facilement lisible dans son langage corporel émotif et ses expressions faciales douloureuses. Miki Nakatani, qui a reçu deux prix de la meilleure actrice pour la production de Tokyo, revient dans la série dans les rôles des trois femmes, capturant magistralement leurs voix, âges, personnalités et comportements individuels, exprimant leurs émotions et leurs perspectives et effectuant une transition sans faille. d’un personnage à l’autre, ajustant ses cheveux, changeant de costume et assumant avec aisance les différentes identités sans jamais quitter la scène.

En tant que jeune Shoko, Nakatani parle rapidement, avec une voix aiguë juvénile, alors qu’elle révèle et réagit, avec une détresse croissante, aux secrets qu’elle a lus dans le journal de sa mère, tout en marchant dans un étang de nénuphars, en allumant de l’encens et en offrant des prières. Elle enlève ensuite sa jupe scolaire, son pull et ses lunettes (costumes caractéristiques de Renée April) et se transforme en la femme de Misugi, Midori, qui, dans une robe rouge moulante et un ton plus mature et sexuel, décrit les infidélités dans son mariage froid. , se caresse avec luxure, roule sur le sol dans ses pierres dures et brillantes, et atteint un crescendo de pleurs et de cris avant de déclarer ses intentions pour leur avenir. La dernière lettre est un adieu de son amant Saiko à la voix douce, calme et résolue. Alors que Nakatani enlève la robe de Midori, une boîte en bois flotte sur la scène, maintenant avec un sol en planches de bois, et elle commence le long rituel consistant à enfiler le kimono funéraire et les accessoires à l’intérieur, alors qu’elle se prépare résolument à expier leurs « grands péchés » et les douleur qu’elle a causée à Shoko et Midori dans son désir d’être aimé. Chaque caractérisation est distinctive et convaincante, et toutes affirment l’acclamation bien méritée de la star internationale qui les livre.

L’écriture d’Inoue, qui se déroule dans les années 1930-1940, est remplie de sentiments complexes et d’intuitions psychologiques, de références à la nature et à la guerre, et d’une sensibilité zen dans son langage poétique et ses métaphores, qui se manifeste également dans la conception scénique clairsemée de François Séguin et le sol changeant de la scène, composé successivement des trois éléments fondamentaux que sont l’eau, la pierre et le bois. La mise en lumière des personnages dans l’obscurité par David Finn et la musique originale d’Alexander MacSween renforcent le ton minimaliste évocateur. Mais la récitation des lettres, bien qu’habilement exécutée, peut parfois sembler trop longue et redondante, et l’histoire, par conséquent, avance à pas de tortue. Pour moi, Le fusil de chasse aurait un plus grand impact si certains des monologues étaient édités et sa conclusion anticipée moins prolongée.

Durée : environ 1h45 sans entracte.

Le fusil de chasse jusqu’au samedi 15 avril 2023 au Baryshnikov Arts Center, 450 West 37e Rue, New York. Pour les billets (au prix de 35 à 150 $, plus les frais), rendez-vous en ligne. Les masques ne sont pas obligatoires.

A lire également