Espoir : c’est un phénomène humain intéressant. Même si nous savons que la tragédie est inévitable, nous continuons le voyage en nous persuadant : « Peut-être que cette fois-ci sera différente. » Dans un monde ravagé par les inégalités sociales et économiques, l’espoir est souvent la meilleure chose que nous ayons. Hadestown, la comédie musicale huit fois primée aux Tony Awards 2019 d’Anaïs Mitchell, est un éveil spirituel – une invitation à réfléchir à ce que signifie se sacrifier pour l’âme et à parcourir le monde avec une vision idéaliste de ce qui pourrait être plutôt que de ce qui est. Cela nous rappelle que la seule façon de changer le monde est de croire que nous le pouvons.
Le spectacle a été initialement réalisé à Broadway par Rachel Chavkin avec la direction adjointe de Keenan Tyler Oliphant, qui a maintenant assumé le rôle de réalisateur pour la tournée nationale, qui se jouera jusqu’au 23 novembre au National Theatre de DC. C’est une production spectaculaire qui, à mon avis, a surpassé l’enregistrement original de Broadway. L’émotion brute, la musicalité magistrale et l’engagement palpable de chaque interprète distinct – y compris la distribution de l’ensemble – ont amené l’ensemble du public à l’extrême à chaque instant. C’est un sacré spectacle à ne pas manquer !
Bien que l’intrigue secondaire centrale d’Hadestown, l’histoire d’amour du mythe grec d’Orphée et Eurydice, soit racontée depuis des milliers d’années, ce spectacle est incroyablement unique et révolutionnaire. Dans la version de Mitchell du mythe classique, nous nous retrouvons dans une ville de style Nouvelle-Orléans de l’époque de la Dépression, parsemée d’éléments steampunk avant-gardistes. Eurydice (Megan Colton) est une jeune fille pauvre et affamée qui a été témoin de l’étendue des ténèbres que ce monde peut produire. Sa sensibilité réaliste est mise à l’épreuve lorsque, malgré elle, elle tombe amoureuse d’Orphée (Jose Contreras), l’optimiste aux yeux étoilés et à la langue argentée dont la chanson peut littéralement ramener la lumière et la vie au monde.
Le portrait réaliste et poignant d’Eurydice par Colton était stupéfiant à tous égards. Son contrôle impeccable de la dynamique et de la gamme vocale lui permet de passer sans effort des couleurs pop contemporaines aux sonorités théâtrales classiques. La force émotionnelle qu’elle délivre dans chaque ligne, dans chaque note, m’a fait pleurer à plusieurs reprises. Lorsque la voix forte de Colton rejoint le falsetto doux et éthéré de Contreras, comme dans « All I’ve Ever Known » ou « Wait for Me », c’est littéralement à couper le souffle. La voix époustouflante de Contreras entendue tout au long du spectacle lors des différentes versions de « Epic » semble atteindre des sommets surnaturels dans « Doubt Comes In ». Sa voix angélique plane au-dessus de nous, s’étendant à travers le public avec une passion sincère alors que nous le suivons fidèlement dans son périple hors d’Hadestown.
La bande originale acclamée d’Anaïs Mitchell semble évoquer l’inspiration des styles musicaux afro-caribéens, latins et d’Europe de l’Est, créant une partition vivante, émouvante, mais étrangement sombre, combinant jazz, blues, folk et indie pop. La bande originale défile en douceur d’une chanson à l’autre, reflétant la métaphore du train à vapeur de la série, toujours en mouvement. Les chansons s’enchaînent mais peuvent également constituer des morceaux uniques. Par exemple, je n’arrive pas à sortir « Chant » de ma tête – le numéro jazz/pop sombre et rythmé incorporant des moments en solo de presque tous les acteurs. Le mélange éclectique d’instruments de la composition constitue pratiquement un personnage à part entière, le groupe étant intégré sur scène et même incorporé dans divers éléments de l’intrigue. Le groupe à la fois intime et impressionnant éblouit sous la direction de Cole P. Abod, qui en plus d’être directeur musical joue également du piano.
Le groupe et l’ensemble des personnages sont présentés dans un numéro d’ouverture jazzy, « Road to Hell », dans lequel notre narrateur, le Dieu Hermès (Rudy Foster), donne le ton du spectacle. Foster donne vie au spectacle dès le moment où il met le pied sur scène, étincelant de couches d’argent de la tête aux pieds, dans un superbe costume offert par le costumier Michael Krass. La performance de Foster est délicatement recouverte d’émotions, allant de la convivialité à la mélancolie en passant par la tristesse, transmettant subtilement mais puissamment le fil conducteur émotionnel du spectacle.
Semblables à Hermès, les trois destins interprétés par Miriam Navarrete, Jayna Wescoatt et Michelle E. Carter (doublure d’Alli Sutton lors de la représentation que j’ai vue) représentent les récits métaphoriques de la série en personnifiant l’obscurité de la psyché humaine, nous rappelant nos doutes, nos peurs et nos échecs – ce qui nous arrive lorsque nous perdons l’espoir. Ce trio envoûte le public par ses harmonies envoûtantes, souvent chantées a cappella, comme lors de « Nothing Changes ».
Outre Orphée et Eurydice, il y a une autre histoire d’amour au centre de cette histoire, celle d’Hadès (Nickolaus Colón) et de Perséphone (Namisa Mdlalose). À partir du moment où Colón sort dans son long manteau de cuir noir, ses lunettes de soleil noires et ses bottes en peau de serpent, il exige de l’attention, et le public était plus qu’heureux de la lui accorder. Sa voix profonde de baryton-basse domine la scène tandis que ses mouvements puissants mais séduisants nous accrochent à chaque note gutturale mais douce et parfaite. En comparaison, la voix fervente de Mdlalose, virevoltant dans sa robe verdoyante, rayonne partout, rebondissant avec assurance sur le riche timbre de Colón.
Hadestown est rempli de chorégraphies constantes du chorégraphe original de Broadway David Neumann et ramenées à la vie sur cette scène par T. Oliver Reid (qui a également travaillé sur la version originale du spectacle à Broadway). La chorégraphie du spectacle est intelligente et captivante, insufflant des éléments de danse tribale ouest-africaine, de hip-hop américain contemporain, de danse latine et de danse folklorique baltique/méditerranéenne. Chaque mouvement du début à la fin (même le lancer et l’attrapage précis et sans effort d’une tasse en métal) est soigneusement planifié tout en restant entièrement spontané, libre et motivé par l’émotion. À chaque instant du spectacle, chaque partie de la scène est utilisée de manière stratégique, engageant le public sous tous les angles.
La chorégraphie du spectacle est en outre alimentée par la conception d’éclairage fascinante d’Aja Jackson. De chaudes lumières dorées dansent sur la scène pendant « Wait for Me », dans lequel trois lumières suspendues de l’ère industrielle descendent sur des attaches oscillantes. Alors que l’ensemble danse autour d’Orphée, rejoignant sa chanson, ils s’emparent des lumières, les retirent avec des mouvements délicats avant de les relâcher. La lueur chaleureuse des lumières s’élève tandis que les lumières connectées glissent d’avant en arrière, parfaitement au rythme de la chanson, chaque artiste se faufilant, créant un moment vraiment beau et tangible.
La conception scénique de David L. Arsenault présente des éléments sombres qui reflètent la nature sombre du spectacle. L’ensemble, principalement noir, marron et presque sépia (ancrer le public dans l’époque), contient des pièces en bois parmi des structures en fer et des accessoires métalliques, y compris un sifflet à vapeur fonctionnel. L’éclairage de Jackson correspond au ton sombre et utilise des éléments d’éclairage concentrés tels que des lanternes, des projecteurs et des lumières stroboscopiques. Les différents effets de lumière semblent être des personnages en eux-mêmes alors qu’ils dansent littéralement sur la scène et travaillent à faire avancer l’histoire et à construire une métaphore de résonance émotionnelle.
Par exemple, au cours de deux moments chargés d’émotion – d’abord d’Eurydice (Colton) dans « Flowers » puis d’Orphée (Contreras) dans « If It’s True » – chaque interprète tombe à genoux au centre de la scène, les yeux remplis de larmes, alors que les 12 projecteurs tombent directement sur leurs formes frêles. Des lumières vives, aux contrastes et aux formes nets, brillent comme 12 poignards transperçant leurs cœurs brisés. Un autre exemple est celui des lanternes douces utilisées pour mettre en valeur l’ombre et la silhouette d’Eurydice alors que nous suivons Orphée hors d’Hadestown pendant « Le doute arrive ».
À ce moment-là, la lumière révèle les ombres qui s’accumulent dans son esprit, la lente et inévitable diminution de l’espoir. Nous savons peut-être comment l’histoire se termine, mais comme nous le rappelle « Road to Hell Reprise », l’avant-dernière chanson du chef-d’œuvre d’Anaïs Mitchell, Hadestown, nous devons quand même continuer à chanter, à faire avancer la mélodie même lorsque la fin semble fixée. L’espoir survit parce que nous choisissons de le maintenir en vie.
Durée : Deux heures et 30 minutes, dont un entracte de 15 minutes.
Hadestown joue jusqu’au 23 novembre 2025 au National Theatre, 1321 Pennsylvania Avenue NW, Washington, DC. Les représentations ont lieu à 19h30 du mardi au dimanche, avec des matinées supplémentaires à 14h00 samedi et dimanche. Achetez vos billets en ligne ou à la billetterie du Théâtre National.
Les acteurs et les crédits créatifs de la tournée nord-américaine d’Hadestown peuvent être trouvés ici.
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