Il y a quelque chose de très poétique à marcher dans la neige qui tombe légèrement pour se rendre au métro, puis à la gare Union, puis au Everyman Theatre de Baltimore pour voir une nouvelle pièce de Tuyết Thị Phạm : Le nom « Tuyết » signifie neige en vietnamien. J’ai certainement apprécié l’opportunité de m’échapper de DC vendredi soir après la pire semaine de tous les temps. D’une manière ou d’une autre, voir une famille asiatique accepter son chagrin et tenter de guérir était exactement ce dont j’avais besoin.
Dans cette première pièce d’histoire familiale mondiale, une mère (jouée par Phạm elle-même) renoue avec sa fille, Mary (Ashley D. Nguyễn), après la mort du père de Mary, la personne qui a longtemps maintenu la famille unie. Toujours en deuil, Mary en veut à sa mère, estimant que sa mère a toujours été méfiante à propos de son passé et qu’elle favorise la sœur aînée de Mary, décédée alors qu’elle était bébé. La mère est une survivante d’un camp de rééducation khmer rouge au Cambodge et compte sur ses croyances et coutumes bouddhistes pour survivre. Dans des scènes de flashback, nous voyons la mère dans sa jeunesse (également jouée par Nguyễn) alors qu’elle vit le traumatisme de la perte de sa fille aînée et de sa mère dans un attentat à la bombe mené par les Khmers et des abus du directeur de la commune (Tony K. Nam).
À l’instar du groupe de rock cambodgien de Lauren Yee, Dawn s’interroge sur le traumatisme laissé par la guerre et les luttes des immigrants de deuxième génération. C’est un ajout bienvenu au canon, avec son exploration nuancée de la religion, de la spiritualité et de la compréhension. Cette production, réalisée par Seonjae Kim, est une épopée intimiste. L’écriture poétique et réfléchie de Phạm, qui donne la priorité à l’empathie, brille le plus dans les moments où les personnages montrent comment ils se vénèrent les uns les autres, ou comment ils ne le font pas. Il respire et coule de façon tout à fait exquise et avec une profonde vulnérabilité.
La navigation d’Ashley D. Nguyễn entre deux rôles très différents dans le passé et le présent ancre puissamment la série. Elle a naturellement une présence douce et invitante qui transmet des nuances, mais les deux rôles nécessitent beaucoup de colère. Son physique et sa maturité dans le rôle de Jeune Mère, avec une force austère et stoïque au milieu de l’adversité et de l’inhumanité, en font une performance d’un courage envoûtant. En même temps, elle peut incarner la vingtaine qui manque d’amour que sa mère affligée de chagrin ne pourrait jamais lui donner. Pour les enfants d’immigrés qui souhaitent comprendre leurs parents, dont beaucoup ne parlent pas de leur passé à moins d’y être invités, c’est douloureusement compréhensible.
Le seul problème que j’ai eu avec la caractérisation de Mary est que nous ne voyons jamais sa mère la blesser ou l’exclure jusqu’à plus tard. Tout ce que nous avons, c’est Mary racontant à quel point elle s’est sentie blessée toute sa vie. Mais la seule blessure que l’on voit sur scène est celle que Mary inflige à sa mère. Si elle ne se faisait pas honte, elle pourrait presque se sentir comme une méchante. J’aurais également aimé que nous puissions avoir une meilleure idée de qui est Mary en dehors de son traumatisme familial : pourquoi s’est-elle lancée dans une carrière de guérison en tant qu’infirmière si elle sent que sa propre famille et sa vie personnelle ne sont pas guéries ? Ce sont des questions auxquelles on pourrait répondre lorsqu’elle se réconcilie avec sa mère et lorsqu’elle discute de son passé avec son petit ami.
Dans le rôle de Mère, Phạm a une manière gracieuse de se tenir elle-même et ceux qui l’entourent avec un certain niveau de respect, et elle ne s’abaisse jamais à crier à moins que cela ne soit vraiment nécessaire. C’est une femme qui essaie de tenir le coup au milieu de la solitude et du traumatisme, jusqu’à ce qu’elle laisse enfin échapper le soulèvement le plus déchirant en sanglotant. C’est une femme qui survit grâce à ce qu’elle sait : la prière, l’honneur et le fait de faire tout ce qu’elle peut pour ses enfants. Ses révélations sur son passé donnent l’impression qu’elle brise un morceau d’elle-même alors qu’elle essaie d’être courageuse.
La représentation du « petit ami blanc » dans Sam de Taylor Witt est également une voix extérieure nécessaire. C’est agréable de voir un spectacle dans lequel l’homme blanc se sent mal à l’aise et déplacé parmi les femmes asiatiques puissantes, tout en essayant de comprendre et de se présenter du mieux qu’il peut. Witt a donné à ce spectacle l’énergie équilibrante dont il avait besoin, avec sa douceur ludique et son soutien apaisant. Lorsque la relation principale est rompue, il est important d’avoir des personnes qui se sentent comme une famille. Cela montre également au traitement ultérieur de Mary à son égard à quel point elle est devenue en colère. Tony Nam donne une performance terrifiante en tant que directeur de la commune. C’est effrayant de voir comment il maltraite Jeune Mère, et inquiétant de voir à quel point il laisse entendre qu’il peut être charmant.
La conception scénique du spectacle (Paige Hathaway) crée une atmosphère qui se concentre sur l’histoire des petits acteurs et l’humanise. Les projections (Chris Carcione) sont particulièrement efficaces, nous transportant du ciel étoilé du Cambodge aux « aubes » et aux « couchers de soleil » à l’extérieur de la maison familiale du nord de la Virginie, définissant chaque univers d’une manière expansive qui n’a pas besoin d’être aussi dépendante du décor. Des choix réalistes d’éclairage, de son et de costumes complètent cela avec subtilité. Une touche douce : Mère et Mary portent toutes les deux des hauts blancs et des bas noirs dans leur scène finale ensemble.
Je m’en voudrais de ne pas divulguer l’investissement personnel que j’ai ressenti pour cette production. Comme il s’agit de la première pièce d’un dramaturge asiatique DMV local à monter sur scène cette saison 2025/26 dans les principaux théâtres de la région, j’ai défendu une prochaine soirée AAPI le 15 février. Mais en réalité, les paroles de Phạm peuvent vous combler et vous retenir. Cette œuvre rappelle au public l’importance de se rassembler en communauté, de réfléchir au passé et d’apprendre les uns des autres, même lorsque cela est difficile et effrayant. Cela m’inspire à continuer et à viser la compréhension.
Durée : 90 minutes, sans entracte.
Dawn joue jusqu’au 1er mars 2026 au Everyman Theatre, 315 W. Fayette St, Baltimore, MD. Les billets pour les spectacles en semaine et le week-end commencent à 55 $. Achetez des billets en ligne ou en contactant la billetterie à boxoffice@everymantheatre.org ou en appelant le 410.752.2208. Les heures d’ouverture standard de la billetterie sont du lundi au vendredi de 12h à 17h et fermées le samedi et le dimanche. La Billetterie ouvrira 2 heures avant chaque représentation, y compris le week-end. Everyman propose plus de 700 places Pay-What-You-Choose tout au long de la course, avec des places attribuées à chaque représentation.
L’affiche est en ligne ici.
Aube
Par Tuyết Thị Phạm
Réalisé par Seonjae Kim
CASTING
Mère : Tuyết Thị Phạm
Marie/Jeune Mère : Ashley D. Nguyễn
Directeur communal : Tony K. Nam
Docteur/Sam : Taylor Witt
ÉQUIPE DE PRODUCTION
Scénographe : Paige Hathaway
Concepteur lumière : Juan Juarez
Costumier : David Burdick
Concepteur sonore : Adam Mendelson
Conception des projections : Chris Carcione
Régisseur : Molly Prunty
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