Une chose était claire lors d’une récente représentation de Nation de la danse au Silver Spring Stage : vous pouvez quitter le monde de la danse compétitive, mais il ne vous quitte jamais vraiment. La pièce de Clare Barron, mise en scène par Lee Blaser et produite par Liz Butterworth et Jim Robertson, embrouille le monde de la danse, tout en explorant le chemin souvent semé d’embûches, déroutant, mais stimulant et passionnant, de l’enfance à l’âge adulte, en particulier pour les filles. Cela m’a immédiatement transporté, en tant qu’ancien danseur de compétition, à une période très précise de ma vie, et j’ai apprécié l’occasion de me remémorer des souvenirs en regardant cette pièce unique et divertissante.
Se déroulant dans le monde d’aujourd’hui, la pièce suit un groupe de filles (et un garçon symbolique – ce qui est l’un des nombreux aspects de la pièce qui est parfait) qui font partie d’une équipe de danse compétitive alors qu’elles se préparent et se lancent dans une série. de compétitions. Le numéro de danse qu’ils apprennent et interprètent est une pièce « acro-lyrique » (sur Gandhi !) chorégraphiée par leur chef artistique et dramatique « Dance Teacher Pat », qui, comme tant de professeurs de danse que j’ai rencontrés, prend le métier à la perfection. sérieusement et s’attend à ce que les filles fassent de même, 100 pour cent du temps. Anderson Wells dans le rôle de Pat commande la scène et son portrait est à la fois hilarant et étrangement précis. Un aspect impressionnant de cette production est cette précision, qui se manifeste de manière à la fois grande et petite, bien connue (la mère stéréotypée et trop impliquée) et plus spécialisée (les vestes satinées assorties que portent les danseurs et les jeux idiots que les danseurs portent). jouer avant les cours et dans les coulisses des compétitions). Ces artistes adultes habitent et illustrent la présence d’un jeune de 13 ans, depuis la façon décontractée et intime dont ils jouent avec les cheveux et le corps de chacun en attendant le cours jusqu’aux tentatives maladroites de parler d’amour, de sexe et d’amitié les uns avec les autres.
La majorité de l’action de la pièce se déroule avant ou après les cours, ou avant ou après un concours, et c’est dans ces moments que le message du dramaturge Barron est communiqué. Au milieu de nombreuses scènes, divers acteurs partagent à tour de rôle des monologues émouvants qui nous donnent un aperçu brut, parfois inconfortable, de leurs pensées intérieures, de leurs sentiments, de leurs névroses et de leur douleur. Ashlee, interprétée par la vive et hilarante Boneza Valdez Hanchok, est à la fois effrayée et impressionnée par sa propre beauté et son intellect, mais décide finalement de s’approprier son apparence et le pouvoir qu’elle estime que cela lui apporte. Zuzu, interprétée par la gracieuse et talentueuse Sia Li Wright, lutte contre le doute d’elle-même et ce qu’elle perçoit comme son incapacité à faire « ressentir quelque chose » à quiconque la regarde danser.
L’intrigue oppose Zuzu à son amie et coéquipière Amina, l’autre meilleure danseuse du groupe. Amina, jouée avec un équilibre parfait entre confiance et fausse pudeur par Carlotta Capuano, est un personnage familier et reconnaissable pour tous ceux qui ont suivi des cours de danse et des compétitions. Elle aime les projecteurs et a le talent pour les saisir, et a également la motivation de travailler dur et de faire ce qu’il faut pour gagner, ce qu’elle fait dans une scène clé vers la fin de la pièce. Alors qu’en apparence nous devrions nous demander si l’équipe gagnera suffisamment pour se rendre à Tampa Bay (le lieu de la compétition ultime), le véritable conflit et l’intérêt de l’histoire résident dans les relations entre les filles (et un garçon !) et leurs enfants. relations avec eux-mêmes.
Tristin Evans a réalisé une solide performance dans le rôle de Sofia, une autre danseuse de l’équipe. Sofia a du mal à avoir ses premières règles et à la suggestion initialement épouvantable de sa mère de « juste regarder ça » pour l’aider à apprendre à mettre un tampon. Quand elle a enfin le courage de regarder, cela lui donne du pouvoir et elle ne peut pas croire à quel point c’est beau. Les membres du public ont eu la chance de prendre un kit du « Growing Girls Project », qui a commencé comme une thèse de doctorat rédigée par le Dr Ann Herbert à la Johns Hopkins Bloomberg School of Public Health. Le kit, destiné aux personnes âgées de 8 à 16 ans, comprend un livre d’activités et un miroir d’auto-exploration pour « doter les filles d’outils pour comprendre, se connecter, apprécier et respecter leur personnalité et leur corps changeants au cours de la puberté ».
Tant de Nation de la danseLes éléments de ont contribué à cette production brute et intimiste. Les chorégraphes Michelle Norris et Tristin Evans ont rendu les scènes de danse appropriées, tandis que la scénographie minimaliste mais toujours immersive de Jeffrey Asjes a parfaitement fonctionné avec la conception d’éclairage de Jordan Hersh pour emmener le public du studio de danse à « rouler dans la voiture de maman sous la pluie ». » La conception des costumes, des accessoires, du maquillage et de la coiffure, tous conçus par McKenna Kelly, était si pertinente que j’aurais juré qu’elle avait fait une descente dans le placard de mon ancien studio de danse.
Cette pièce est composée à la fois de moments de rire pleins de satire que quiconque met les pieds dans un studio de danse appréciera, et aussi parfois de moments presque atrocement intimes comme la masturbation, l’automutilation, les premières règles, etc. C’est une émission qui vous fait volontairement grincer des dents devant ces vignettes de la puberté, mais vous oblige également à vous demander à quoi les choses auraient pu ressembler à l’époque, ou pourraient ressembler à l’avenir, si notre société encourageait la compréhension corporelle et la compassion plutôt que la honte et le mystère. . Nation de la danse semble postuler que nous pourrions devenir imparables et pleins de liberté.
Durée : Une heure et 40 minutes sans entracte.
Nation de la danse joue jusqu’au 24 mars 2024 (les vendredis et samedis à 20 h et les dimanches à 14 h), sur la scène Silver Spring, 10145 Colesville Road, Silver Spring, MD. Achetez des billets (23,25 $ à 26,25 $ frais inclus) à la porte ou en ligne. Pour plus d’informations, appelez le (301) 593-6036, visitez le site Web ou envoyez un e-mail [email protected].
Ce spectacle contient des thèmes sexuels, un langage grossier fréquent, de la nudité partielle, des représentations de masturbation, d’abus et de blessures, ainsi que des thèmes liés au racisme et aux stéréotypes/tokénisation dans les spectacles de danse, au suicide et à l’automutilation.
Sécurité COVID : Les masques sont encouragés mais pas obligatoires.
Nation de la danse
Par Claire Barron
Réalisé par Lee Blaser
CASTING
Amina – Carlotta Capuano
Zuzu – Sia Li Wright
Ashlee – Boneza Valdez Hinchock
Connie – Leena Dev
Sofia-Tristin Evans
Maeve – Allison Turkel
Luc – Brandon Rothenberg
Pat, professeur de danse – Anderson Wells
Les mamans/Vanessa – Jordan Coscia
Les Mamans/Vanessa – Rachel Manteuffel
Doublures/Swings
Trenor Gould (Professeur de danse Pat, Luke)
Nadine Pineda (Zuzu, Ashlee, Sofia)
Direction Combat/Intimité par Julia Rabson Harris ; Composition de Kristin Cotts ; Mise en scène par David Gorsline ; Menuiserie par Douglas Becker, Steve Leshin et Steven Malone ; Conception sonore par Jeff Goldgeier.
