Décrit par ses créateurs comme une « parabole » sur le contrôle mental, Inherit the Wind, de Jerome Lawrence et Robert E. Lee, donne ce qu’on appelle aujourd’hui un traitement « suggéré par une histoire vraie » au célèbre « Monkey Trial » de Scope. Le procès était un cas test, fomenté par l’American Civil Liberties Union (ACLU), qui a eu lieu dans le Tennessee en 1925. Il contestait la loi Butler de l’État, qui interdisait l’enseignement de l’évolution. John Scopes, un enseignant local, a été nommé accusé dans cette affaire. Ce fut une sensation médiatique à l’échelle nationale, avec les avocats vedettes Clarence Darrow pour la défense et William Jennings Bryan pour l’accusation.
Lorsque la pièce a été produite pour la première fois dans les années 1950, elle utilisait l’interdiction d’enseignement de l’évolution, d’inspiration fondamentaliste, comme métaphore de la Peur rouge. Aujourd’hui, cela a une résonance évidente avec la répression, au niveau des États et au niveau fédéral, des discussions sur la race, l’homosexualité et la dissidence politique.
Selon le programme, la production originale de la pièce mettait en vedette 50 acteurs. Dans le climat budgétaire plus austère d’aujourd’hui, la production d’Arena — réalisée en association avec la compagnie The Feast de Seattle — se contente de 10, obligeant les membres de l’ensemble à jouer plusieurs rôles. Sous la direction de Ryan Guzzo Purcell, les membres talentueux de l’ensemble effectuent des transitions fréquentes et souvent rapides entre les personnages. Avec juste un changement de chapeau, de costume ou d’inflexion vocale, un acteur incarne un personnage d’un sexe, d’un âge ou d’une position sociale différent dans la ville fictive de Hillsboro.
La vertu de l’approche de la pièce en petits acteurs, combinée à la conception en grande partie non figurative de Tonya Orellana avec une plate-forme mobile et des chaises pliantes en bois, est qu’elle concentre l’attention sur la bataille d’idées au cœur du message de la pièce, éloignant le public de tout malentendu selon lequel la pièce n’est qu’une leçon d’histoire. De même, conformément à l’accent mis par la production sur l’universalité des thèmes de la pièce, la conception très variée des costumes d’An-Lin Dauber ne respecte pas les styles vestimentaires de l’époque de 1925.
Le principal défaut de ces vertus est que la petite taille du casting et le style de la production éloignent l’action de la pièce du contexte d’un moment et d’un lieu précis. Souvent, l’examen de quelque chose d’universel – ici, la nécessité de la liberté de pensée – passe mieux par quelque chose de très spécifique.
Mais dans cette production, la densité d’une véritable communauté fait défaut. Un stand de hot-dogs représente l’atmosphère de cirque qui enveloppait Hillsboro (et son homologue réel, Dayton, Tennessee). Un seul acteur constitue le jury. Magnifiquement mis en scène à la fin du premier acte avec de grandes banderoles blanches évoquant une réunion sous tente, un rassemblement chrétien destiné à montrer le soutien de toute la ville à Dieu et à la Bible est, compte tenu de la taille du casting, peu fréquenté. En demandant aux membres de l’ensemble de faire le tour de la périphérie de la scène au fur et à mesure que l’action parmi les principaux se déroule, Purcell tente vaillamment de montrer l’implication de la communauté dans les débats, mais sans succès.
Il est possible de construire un monde complet, convaincant et spécifique dans une production avec une distribution de taille modeste jouant de multiples rôles, sans décors de représentation élaborés. Sous Milkwood (qui a commencé comme une pièce radiophonique de Dylan Thomas), The Laramie Project ou, à une échelle un peu plus grande, Come From Away y parviennent. Le sentiment de communauté évoqué par les bonnes productions de ces spectacles n’a pas atterri ici.
Parmi les protagonistes, Matthew Harrison Brady (joué par Dakin Matthews) – le remplaçant de Bryan dans la pièce – semble fatigué et vaincu dès sa première entrée, ne s’étant peut-être jamais remis de ses trois candidatures présidentielles perdantes. Il n’y a aucun signe du charisme et de la puissance oratoire – même s’ils ont maintenant dépassé leur apogée – avec lesquels Bryan a transpercé de grandes parties du pays au cours d’une brillante carrière politique (et souvent fortement progressiste). Il se contente de blovier. Il a un moment de gentillesse lorsqu’il intervient pour protéger Rachel des excès religieux punitifs de son père.
Son antagoniste, Henry Drummond (joué par Billy Eugene Jones) – l’équivalent de Clarence Darrow dans la pièce – dans son costume marron suave et bien ajusté, entoure Brady comme un requin lors de son examen direct sur la scène du procès, cherchant non seulement à justifier sa passion pour la libre pensée, mais à détruire un ennemi affaibli et tout ce qu’il représente. C’est un match inégal depuis le début. Il y a à la fois de l’idéalisme et de la cruauté dans le plaidoyer de Drummond. Dans une production qui ne vise pas l’exactitude historique, Drummond apparaît considérablement plus jeune que Brady, suggérant peut-être de nouvelles idées remplaçant les plus anciennes. (En réalité, Darrow avait quelques années de plus que Bryan.)
Ces personnages sont des incarnations d’idées : l’inerrance biblique contre la libre pensée. Dans le rôle ingénu de Rachel Brown, qui peut souvent se perdre dans le tumulte, Rebecca Madeira crée un personnage complet et touchant qui veut simplement vivre une vie paisible selon ses propres conditions. Rachel est amoureuse de Bert Cates, l’accusé (un professeur d’école, le remplaçant de Scopes dans la pièce) et la fille du prédicateur de l’enfer et du soufre Jeremiah Brown. Dans cette performance, Rachel, qui risque de devenir un dommage collatéral dans la guerre des idées de la pièce, se rapproche davantage du centre émotionnel de la pièce que je ne l’avais vu dans les productions précédentes.
EK Hornbeck (Alyssa Keegan), qui représente le journaliste et critique HL Mencken basé à Baltimore, se perche souvent dans l’ombre, à mi-chemin d’une allée du théâtre, observant la communauté à distance. Dans les dialogues du scénario, le cynisme plein d’esprit de Hornbeck ressemble parfois davantage à celui d’un étudiant précoce qu’à celui d’un journaliste chevronné. À la fin de la pièce, Drummond réprimande le mépris de Hornbeck envers Brady et envers les habitants de Hillsboro : des seins, comme les appelle Hornbeck, présageant de récentes références aux « déplorables ». La réprimande est ironique dans la mesure où Drummond – qui semble vouloir les deux sens – vient de finir de démolir Brady et les convictions qui lui sont chères, à la barre.
Todd Scofield fait forte impression dans deux rôles secondaires importants, celui du tyrannique révérend Brown et du juge de première instance qui semble préférer que l’affaire se termine le plus rapidement possible. Le physique athlétique de Noah Plomgren dans le rôle de Bert Cates semble quelque peu en contradiction avec les émotions vacillantes du personnage et son engagement incertain dans l’affaire. Jordan Friend vit des moments musicaux mémorables au sein de l’ensemble. Holly Twyford, pilier du théâtre de la région de Washington, est présentée dans le rôle de la maternelle Mme Brady et de M. Meeker, le sympathique geôlier local.
Le procès Scopes est devenu une défaite publique humiliante pour le mouvement protestant fondamentaliste qui tentait de défaire les tendances « modernistes » du christianisme. Il a fallu des décennies pour que ce mouvement se réaffirme, pour finalement se transformer en le nationalisme chrétien d’aujourd’hui, qui a eu beaucoup plus de succès que son prédécesseur d’il y a un siècle.
Inherit the Wind a été produit pour la première fois en 1955, 30 ans après le procès Scopes, dans la mémoire vivante de nombreux spectateurs de l’époque. À partir d’aujourd’hui, cet événement remonte à 101 ans et la pièce elle-même à 71 ans. Cette reprise avait pour but de rappeler les thèmes et les problèmes qui nous tourmentent encore. Comme l’indique une note de programme, dans le climat actuel de répression, « de plus en plus d’entre nous se retrouveront – dans les réunions des conseils scolaires, les salles à manger, les groupes de quartier et les isoloirs – prenant part à des drames comme celui de cette scène. Dans ce théâtre, à travers la parabole américaine de Lawrence et Lee, nous pouvons cultiver le courage et l’intégrité nécessaires pour affronter ce moment de l’histoire. »
La production d’Arena réussit à transmettre ce message nécessaire.
Durée : Environ deux heures et dix minutes, incluant un entracte.
Inherit the Wind joue jusqu’au 5 avril 2026 sur la scène Fichandler de l’Arena Stage du Mead Center for American Theatre, 1101 6th St SW, Washington, DC. Les billets sont disponibles en ligne (73 $ à 128 $) ou en visitant TodayTix. Les billets peuvent également être achetés auprès du bureau des ventes par téléphone au 202-488-3300, du mardi au dimanche, de 12 h à 18 h, ou en personne au 1101 Sixth Street SW, DC, du mardi au dimanche, 2 heures avant chaque représentation. Les groupes de 10 personnes et plus peuvent acheter des billets par téléphone au 202-488-4380.
Les nombreux programmes d’économies d’Arena Stage incluent des billets « payez votre âge » pour les personnes âgées de 35 ans et moins ; réductions pour les militaires, les premiers intervenants et les éducateurs ; réductions pour étudiants; et « Nuits du Sud-Ouest » pour ceux qui vivent et travaillent dans le quartier sud-ouest du district. Pour en savoir plus, visitez arenastage.org/ savings-programs.
Le programme Inherit the Wind est en ligne ici.
