Dès le début de Danser sur le mur (sorti aujourd’hui via Saddest Factory Records), le quatrième album studio du groupe basé à Los Angeles plonge les auditeurs dans un entrepôt en sueur de power pop queer rempli de chagrin et de luxure. Et cela ne fait que s’accélérer à partir de là, ne s’arrêtant guère jusqu’au « Buzzkiller » plus proche – à l’exception de deux intermèdes qui servent de brefs entractes à travers les 40 minutes de l’album.
« Ce disque est super propulseur. Nous voulons que vous puissiez tout digérer », déclare Josette Maskin, soulignant que le premier break intervient avant le « Big Stick » politiquement chargé. « Il faut un moment pour comprendre, comme ce qui s’est passé et ce qui est sur le point de se produire. Nous utilisons tout intermède pour donner à l’auditeur une pause dans l’information. »
L’album s’éloigne du jeu délicat de « Silk Chiffon », la collaboration de Phoebe Bridgers qui a placé le groupe sur la carte du grand public. La chanson – ainsi que le troisième album éponyme triomphal de MUNA qui mélangeait des ballades, des succès dance et un peu de country avec une force résolument queer – a multiplié sa base de fans et a placé MUNA devant un public massif en première partie de Kacey Musgraves, Lorde et Taylor Swift.
Au lieu de tenter de recréer l’alchimie intangible de « Silk Chiffon », MUNA a doublé le son qui a lancé le groupe, ce que Katie Gavin appelle « le véritable ADN de MUNA ».
« Il y a un élément en nous trois, où nous avons tous une part qui ressemble un peu à l’esprit d’artiste rebelle. Il y a une envie de défier la compréhension. Il y a une envie de se dire ‘vous ne connaissez pas toute l’histoire' », raconte Gavin. Panneau d’affichage. « Cela a conduit à cette impulsion du genre, nous devons revenir à nos racines au lieu de nous pencher sur : ‘Oh, vous aimez « Silk Chiffon ? » Nous fabriquerons 10 « Chiffons de soie ».
« Il existe une réalité dans laquelle, si vous aimez « Silk Chiffon » et que vous ne connaissez aucune de nos autres musiques, vous pourriez ne pas aimer notre premier album. Et c’est très bien. Il existe un monde dans lequel cette chanson pourrait vous attirer vers les autres morceaux de notre catalogue ou elle pourrait être la seule de nos chansons que vous aimez, ce qui est tout à fait bien », déclare Naomi McPherson. « Nous ne nous plaignons pas d’avoir une chanson populaire que les gens aiment, mais nous voulions peaufiner le son du groupe sur cet album. »
Dès le premier titre, « It Gets So Hot », cet album décolle et ne s’arrête pas jusqu’à la fin. L’accélération constante était-elle intentionnelle ?
Josette Maskin : Nous sommes un groupe en tournée depuis toujours, depuis notre création. Nous pensons que les chansons ont vraiment une utilité dans la façon dont elles se sentent dans le corps, ce qui pourrait être une sorte de libération physique. Donc c’était définitivement intentionnel. Poussez le BPM [beats per minute] et faire en sorte que les choses se sentent bien. Vous êtes renforcé dans le spectacle. Les gens réagissent différemment à un BPM plus rapide qu’à un BPM lent. Et c’est là où nous en sommes et ce qui nous intéresse.
Naomi McPherson : C’était aussi une petite réaction au fait que Katie avait fait un disque solo de trucs folk. Donc pour celui-ci, nous nous sommes dit : « d’accord, nous n’allons pas avoir une ballade country. Nous allons aller plus loin dans le monde de la danse », que nous avons toujours chevauché. Nous voulions pousser fort vers une musique inspirée de la danse plus rythmée.
Entendre que vous enregistrez en pensant au live est logique étant donné l’électricité indéniable d’un spectacle MUNA.
Katie Gavin : Nous avons tellement de chance avec ça parce que ce n’est vraiment pas nous. À un moment donné, ce sont les fans. Ils viennent aux concerts, connaissent chaque mot de chaque chanson et jouent vraiment avec nous dans la même mesure que nous le faisons avec eux. Cela crée une atmosphère tellement particulière. Un groupe peut se donner à 110 %, mais si le public ne se met pas aussi fort… nous ne pouvons pas créer ce sentiment par nous-mêmes.
Le premier single « Dancing On the Wall » a vraiment livré ce son signature MUNA de l’électro pop des années 80 avec une poignée d’embellissements modernes.
Masque: C’était comme la chanson la plus MUNA que nous ayons jamais composée. Plus que n’importe laquelle de nos chansons préférées, et je pense que c’est la chanson préférée de Katie, mais c’est la chose la plus MUNA que nous ayons jamais faite. Donc, je suppose que c’est le son.
McPherson: La synth-pop émotionnelle et ardente est l’endroit où nous brillons.
Historiquement, une grande partie de la musique grand public destinée aux femmes et aux personnes queer non binaires était davantage du côté folk, auteur-compositeur-interprète et plus doux. Où trouvez-vous votre inspiration dans l’ascendance musicale queer ?
Gavin : Je n’y ai jamais vraiment pensé de cette façon, mais cela est utile pour conceptualiser la manière dont nous, en tant que groupe, chevauchons quelques sons et cultures. Il y a toujours un peu de tension là-bas parce que nous avons le cœur et l’esprit de Tegan, Sara et des Indigo Girls, mais nous avons le BPM et l’énergie de… l’un de mes ancêtres queer est ce groupe des années 80, Erasure. C’était un gars de Queenie et il faisait de la musique pop mais c’est triste. Nous transportons la triste musique lesbienne dans le club gay.
Cela ne nous semble pas tout à fait naturel de faire une musique singulièrement amusante et joyeuse. Ou si c’est le cas, c’est de la même manière que quiconque vit dans une lutte doit créer quelque chose d’amusant et de joyeux. C’est par nécessité. Il y aura toujours des couches.
L’esthétique de cet album a été celle des entrepôts avec des lumières rouges et un peu de Danse éclair. Quelle a été l’inspiration pour ces looks, notamment pour les clips ?
McPherson: Nous sommes entrés dans ce cycle spécifiquement avec l’espoir de pouvoir créer un monde dans lequel ces chansons pourraient vivre, un monde qui semble cohérent et qui ressemble à une extension de la musique. Nous étions vraiment attirés par l’idée de créer cette version légèrement surréaliste, augmentée et quelque peu abstraite du truc de Warehouse Club City. Tourner les vidéos en 16 mm ressemble un peu à une extension de ce que nous essayions de faire avec la musique, c’est-à-dire créer cet univers graveleux mais magnifique qui avait une certaine texture. Le rouge m’est venu à l’esprit assez tôt et a fini par prendre forme à travers le disque de différentes manières comme une couleur très émotionnelle.
Gavin : Nous aimons décrire le pouvoir queer d’une manière ou d’une autre. Et j’aime ça quand nous avons envoyé cet album à notre batteur, Sarab [Singh]il nous a envoyé un texto disant: « Chaque chanson ressemble à un coup de poing dans le ventre. » C’est un disque assez solide. Nous voulions créer une image puissante et forte.
