Debi Nova aborde le «moment très traumatisant» sur le nouvel album, «  Todo Puede Convertirse en Canción ''

« Brindo » est une chanson que j'ai écrite sur quelque chose qui m'est arrivé il y a 20 ans. Il y a vingt ans, j'étais dans une relation violente, et c'est incroyablement difficile pour moi d'en parler. Au fil des ans, j'ai dû beaucoup y travailler – et je pense que je vais continuer à y travailler – mais j'ai toujours senti que j'avais cette tâche non résolue d'écrire une chanson à ce sujet. Je me souviens quand j'ai entendu la chanson de Rozalen pour la première fois «La Puerta Violeta», qui parle de violence, et je me suis dit: «Wow! Si je peux jamais écrire une chanson sur ce qui m'est arrivé, je pense que cela me fera beaucoup de bien. Et cela nous fera beaucoup de bien, car c'est quelque chose qui arrive à beaucoup d'entre nous.» Donc, je me suis donné cette tâche, et honnêtement, ce n'était pas facile. C'est une chanson qui semblait très mal à l'aise d'écrire. En fait, plusieurs fois, j'ai pensé à l'abandonner, mais je me suis dit: « Non, je dois terminer cette chanson. »

La chanson est née du piano. Je me suis assis pour l'écrire, et les accords m'ont immédiatement dit: « C'est la chanson. » J'ai pensé à l'écrire à partir d'un lieu de célébration, c'est pourquoi cela s'appelle «Brindo» («I Toast»), car même si c'était quelque chose de très douloureux pour moi, je me sens très fier de ce que j'ai pu en faire dans ma vie, et je pense que c'est une raison de lever un toast. Donc, il a cet élément qui n'est pas ce que vous pourriez attendre d'une chanson qui parle de ce sujet, mais pour moi, il était important de se concentrer sur la force plutôt que sur la tragédie du sujet. Et je pense que c'est la racine de la raison pour laquelle cet album existe.

La chanson présente également une chorale que j'ai enregistrée avec six jeunes femmes de la Destiny Project Foundation au Costa Rica, qui soutient la réintégration sociale des victimes d'abus et de trafic. J'y suis allé un après-midi et j'ai enregistré les six jeunes femmes pour les «Oohs» dans la chanson. Ce fut un moment très puissant et très symbolique. Je voulais parler non seulement de la façon dont nous devenons plus forts après quelque chose comme ça, mais aussi d'avoir vraiment l'expérience de m'entourer de femmes qui ont traversé des choses similaires et des chant ensemble. C'était très guérissant, très beau.

«Hologra» est ce sentiment d'être piégé, des prisons que nous créons pour nous-mêmes. Et au-delà d'une relation, je pense que j'ai canalisé toutes ces fois de ma vie quand j'ai eu l'impression de revenir au même endroit où j'ai été blessé, et je me demande pourquoi. Pourquoi répétons-nous la même histoire? Pourquoi est-ce que je fais ça pour moi? Pourquoi est-ce que je continue à idéaliser une situation qui m'a déjà montré que ce n'est pas la bonne pour moi? C'était la seule chanson du studio qui m'a fait pleurer pendant que je la chantais. En fait, j'ai dû arrêter d'enregistrer parce que je pleurais de frustration, me voyant au même endroit en pensant: «Wow! Je ne peux pas croire que mon cœur ne cesse de se briser là-bas.»

Évidemment, j'ai un moment très clair dans mon esprit de la façon dont j'ai écrit la chanson – je ne me sens pas prêt à en parler. Mais je pense que c'est une situation très courante que nous vivons en tant qu'êtres humains, alors que nous ne comprenons pas pourquoi la même chose ne cesse de nous arriver encore et encore, parce que nous idéalisons quelque chose qui nous a déjà montré que ce n'est pas destiné à nous, et pourtant nous continuons à revenir, à chercher quelque chose. C'est la métaphore – étant amoureuse d'un hologramme, embrassant un hologramme qui est finalement inexistant. Et c'est, je dirais, la chanson qui nous a causé le plus de problèmes dans le studio, parce que je ne pouvais pas décider. Au début, nous avons tout ajouté – tambours, cordes, un énorme outro avec des guitares électriques – et plus tard, j'ai réalisé que cette chanson avait besoin du contraire. Cela a fini par être juste mon piano comme l'épine dorsale de la chanson, avec des cordes dans une section et une petite boucle de batterie. C'était ça. En fin de compte, je suis très content du résultat, mais c'est une chanson qui me met mal à l'aise.

Je pense que «20/20» est comme le sirop, le remède. C'était une chanson qui est née dans l'instant. Nous nous sommes réunis pour écrire dans le studio avec Ana Sof (Ana Sofía Castañeda Altamirano), qui est un grand auteur-compositeur mexicain, et Julián Bernal, qui est le coproducteur de quatre chansons de l'album. Je pense qu'il fallait sortir un peu du trou, la fosse noire dans laquelle je me trouvais. Juli et moi avions commencé avec les accords, qui sont des accords différents, donc nous avons beaucoup lutté pour trouver la mélodie qui a fonctionné avec eux. Et Ana Sof a commencé à chanter: «Agua Helada en Mi Piel, PELO Suelto, Todo Bien» («Eau gelée sur ma peau, les cheveux lâches, tout va bien»). Et j'ai dit: « C'est tout! » Comme, j'ai besoin de le secouer, j'ai besoin de laisser tomber mes cheveux, j'ai besoin de sortir pour une promenade et de chanter avec mes écouteurs et les gens à écouter, je m'en fiche.

À partir de là, nous avons commencé à écrire la chanson, et cette ligne, «Tengo 20/20 de Visión Porque Todo Puede Converurse en Canción» («J'ai une vision 20/20 parce que tout peut se transformer en chanson»), était exactement ce que j'ai ressenti tout au long de cet album: que les chansons d'écriture me donnent cette clarté et une vision pour comprendre mes émotions. Pour moi, c'est la plus belle capacité que nous avons des humains – pour transformer les difficultés en beauté, ce qui nous alourdit une œuvre d'art ou un poème ou un texte. Cette phrase, pour moi, résume le concept de cet album.

Fait amusant: j'ai écrit « Perdidx en la Ciudad » (« Lost in the City ») en octobre dernier, lorsque je suis allé à la semaine de la musique latine de Billboard à Miami. Ce panneau était merveilleux, et cela faisait partie d'une série de moments très excitants et incroyables pour moi – mais en même temps, je me sentais complètement épuisé de l'album précédent. C'était la première fois que je faisais la promotion d'un album tout en étant maman, donc mes niveaux d'énergie n'étaient pas les mêmes qu'auparavant, et je me sentais vraiment divisé, avec beaucoup d'émotions mitigées. Parce que même si vous faites ce qui vous accomplit, ce qui vous fait vous sentir bien, vous êtes loin de chez vous, donc vous vous sentez coupable à ce sujet et vous vous sentez un peu perdu. C'est en quelque sorte le début du processus de «Perdidx en la Ciudad».

Cet après-midi, j'ai rencontré Jaze en studio. Il était à Miami, et j'avais écouté sa musique, ce que j'ai adoré, et j'ai reçu un appel téléphonique: « Jaze est en studio. Voulez-vous vous arrêter et travailler avec lui? » Et il était dans un endroit similaire – à un moment différent de sa vie, bien sûr – mais nous avons commencé à en parler. À quel point il est fou que parfois vous vivez votre rêve, vous faites exactement ce que vous avez toujours imaginé que vous feriez, mais vous vous sentez comme une machine, comme si vous alliez d'une chose à la suivante avec cette liste de tâches sans fin. Mais ensuite, quand vous vous donnez l'espace pour ressentir et penser, vous dites: « Oh mon Dieu, je ne sais pas si je suis à l'endroit où je veux être. J'ai l'impression que je suis peut-être loin de chez moi, loin de ce qui se sent bien dans mon cœur. » Et c'est à cela que sert «Perdidx en la ciudad». C'est comme si nous avions besoin d'une activité, quelque chose pour remplir nos cœurs, mais en même temps, nous devons nous donner de l'espace. Je ne sais pas quel est l'équilibre parfait, mais je pense que cette chanson est une tentative de trouver cet équilibre.

«Aurora» est cette prise de conscience que les choses essentielles de la vie sont ici, autour de nous, à notre portée. Cependant, je crois que nous devons passer par les «Brindos» et les «Hologramas», et nous devons passer par la boue et ce rituel de catharsis afin d'atteindre la prise de conscience que l'Aurora, disons, le ciel coloré, est ici. C'est un état d'esprit. Ce pourrait être le plus beau ciel, mais si nous nous noyons dans nos émotions, il est très difficile pour nous de le voir. Je pense donc que «Aurora» est comme la fin du voyage, comme passer la boue pour fleurir.

Dans la vie, je n'ai pas besoin de bien plus que « un peu de chant, un peu de danse et beaucoup de vie parce qu'il s'échappe »,  » [as the lyrics say]. C'est-à-dire la musique, les gens que j'aime – c'est ce dont j'ai besoin dans ma vie. Alexandre Carlo, [lead singer of the Brazilian reggae band Natiruts]était chargé de traduire [his verses] en portugais. La chanson a déjà une nature quelque peu brésilienne. Nous avions déjà collaboré à l'album Natiruts précédent (« Que Bom Você de Volta II »), j'ai donc écrit à Alexandre, et il a rejoint la chanson. C'est l'un de mes favoris sur l'album.